Dietrich Brüggemann

Ein Freund von mir heißt mit Nachnamen “Künstler”, das ist kein Pseudonym, er heißt wirklich so, und er ist auch wirklich Künstler. Ein junger Filmemacher namens Werner Stipetič hingegen dachte sich in den frühen 60er Jahren, dass mit dem dem Namen seines irgendwie entschwundenen Vaters vermutlich mehr Regiekarriere zu machen sei, und deswegen kennen wir ihn heute als Werner Herzog. Wer schon in so jungen Jahren eine so souveräne Marketingentscheidung in eigener Sache trifft, dem gönne ich jeden Welterfolg. Ich selber war mit 20 leider nicht annähernd so souverän, sonst hätte ich mich vielleicht “Dietrich Herzog” genannt, allerdings hieß so schon der Vater von Werner Herzog, also vielleicht lieber “Herzog Dietrich” oder ganz anders, beispielsweise “Benjamin Blümchen” oder “Emma Dilemma”. Im Abspann eines Berliner-Schule-Berlinale-Films sah ich mal einen Fahrer namens “Kerl Fieser”, da dachte ich, welch Laune der Natur, aber es war eher eine Laune der Kultur, denn der Produzent war anscheinend ein alter Punk und hat da einfach ein paar seiner Kumpels untergebracht. Natürlich heißt niemand Kerl Fieser.

Wohlklingende Namen hat man entweder in nächster familiärer Nähe, oder man muß sie sich suchen, und das kann erstaunlich schwierig sein, genau wie das Finden von Bandnamen oder Filmtiteln. In Österreich gibt es einen Filmemacher namens Paul Poet, von dem ich nicht weiß, ob er wirklich so heißt, aber er hat vor ein paar Tagen auf Facebook gepostet: “Die allerdümmsten Festivalablehnungen auf meinen neuen Kinofilm DER SOLDAT MONIKA”, und dann folgen zwei Zitate von der Berlinale sowie eins von einem anderen Festival. Ich finde den Namen “Paul Poet” herausragend, den würde ich sofort nehmen, wenn er nicht schon vergeben wäre, und ich finde auch diese Aktion herausragend, vollkommen egal, ob der fragliche Film gut oder schlecht ist und ob die Urteile der Festivals zutreffend oder völlig daneben waren. Und zwar aus folgendem Grund, auch wenn ich mich da zum hundertsten Mal wiederhole: Ich halte die asymmetrisch verteilte Macht zwischen einerseits den Filmemachern und Macherinnen, die sich zumeist freischaffend durch ein prekäres Berufsleben schleppen und regelmäßig all ihre finanzielle und sonstige Energie in Filmprojekte hineinpulvern, und andererseits den Torwächtern des Förder- und Sender- und Festivalbetriebs, die auf okay bis gut bezahlten Stellen sitzen, null persönliches Risiko eingehen und nie für irgendetwas geradestehen müssen, für unerträglich. Das war ein langer Satz, aber man kann ihn im Zweifelsfall nochmal lesen, wenn man Fragen hat. Nun ist das Leben zwar voller Machtverhältnisse, da läßt sich nicht viel dran ändern, und außerdem sucht jeder sich seinen Beruf selber aus, aber was hier erschwerend hinzukommt, ist ein Auseinanderklaffen der realen Verhältnisse und der rhetorischen Begleitmusik. Den Filmemachern wird der symbolische und reale Teppich ausgerollt, man hebt sie auf ein Podest, sie stehen zumindest symbolisch Seite an Seite mit Säulenheiligen wie Werner Stipetič/Herzog, aber die realen Verhältnisse sind eher so, dass man bei den hohen Herrschaften bitten und betteln muß, damit sie das Drehbuch bzw. den Film nach monatelanger Wartezeit huldvoll in Augenschein nehmen, und dann hört man nie wieder etwas oder kriegt irgendwann eine dürre Standardabsage von der Praktikantin der Assistentin. Die einzige Strategie der Gegenwehr scheint mir daher, diese realen Machtverhältnisse zumindest sichtbar zu machen. Das tut der wunderbare (siehe gestern) Paul Poet, und das tue ich bekanntlich auch gern. Man sollte es allerdings nur für sich selber tun, deswegen verschweige ich den Namen der befreundeten Filmemacherin, die mir beim kleingeschriebenen arte-Empfang begegnet, die seit Jahren mit ihren Filmen internationale Preise noch und nöcher einsackt und die mir erzählt, dass ihr neues Drehbuch jetzt ein knappes Jahr bei arte (kleingeschrieben) lag, bevor es abgelehnt wurde. Und sie sagt mir dasselbe, was ich soeben schon schrieb: Die Leute, die hier entscheiden, haben keinen Aktien im Spiel, kein “Skin in the game”, die nehmen am Ende des Monats ihr Gehalt nach Hause, egal was passiert, und eigentlich findet sie das System in USA zumindest in diesem Punkt besser. Ihr Name bleibt mein Geheimnis, meinen eigenen Namen hingegen verrate ich, er lautet bekanntlich Dietrich Uber Eats Audi Kentucky Fried Chicken, alles großgeschrieben, und ich erzähle immer wieder gern die Geschichte, wie ich Carlo Louis Vuitton Chatrian mal auf einen Kaffee traf, einfach so als Experiment, denn es wurde immer erzählt, Cannes-Chef Thierry Veuve Clicquot Fremaux halte ständigen Kontakt zur Filmszene seines Landes, der kenne alle und würde Filme schon im Schneideraum gucken, was man nun von Dieter Volkswagen Ergo Kosslick nicht behaupten konnte, dem hatte ich genau einmal auf dem roten Teppich die Hand geschüttelt und dann vermutlich nochmal nach der Preisverleihung, bei der ich aber Fieber hatte und im Koma durch den Saal schwebte. Also dachte ich mir: Schauen wir doch mal, vielleicht interessiert der neue Mann hier sich ja für Kontakt zur deutschen Filmszene, als deren Teil ich mich damals verstand. Nach etwas zäher Terminfindung gelang uns dann ein ca 40minütiges Treffen auf einen Morgenkaffee, die Konversation war das Gegenteil von angeregt, der Mann erschien mir wie eine komplett humorlose Schlaftablette, ich ihm aber möglicherweise auch, und so war es nur konsequent, dass er dann als erste Amtshandlung im Sommer 2019 meinen Film “Nö” für alle Sektionen der Berlinale 2020 ablehnte.

Wer solche Ablehnungen öffentlich macht, erscheint leicht als beleidigte Leberwurst, auch Paul Poet setzt sich dieser Gefahr aus, aber erstens ist das egal und zweitens finde ich, man kommt hier weiter, wenn man nicht mit dem oberen Ende der Qualitätsskala argumentiert, sondern vom unteren. Also: Ich habe auf der Berlinale schon so viele mißratene Filme gesehen, da wäre meiner auch nicht negativ aufgefallen.

Wenn man mit Festivalleuten über solche Dinge redet, dann kommt so sicher wie das Amen in der Kirche der Einwand: Tja, vielleicht hat dein Film ja einfach nicht reingepasst! Das kannst du doch gar nicht wissen! Das Programm muss ja auch in sich stimmen! Die verwenden da echt viel Aufmerksamkeit darauf! So ein Festivalprogramm ist ein richtiges Kunstwerk! Da hast du doch keine Ahnung! Darauf kann ich stets nur erwidern: Wenn das jetzt wirklich die Erklärung für die vielen schlimmen Filme auf Festivals ist, also wenn es zwar bessere gäbe, man diese aber nicht zeigen kann, weil sie nicht ins Programm passen, dann ist das ganze System möglicherweise eine Fehlkonstruktion. Zumindest wäre ich dann lieber auf einem Festival, das nicht so viel kuratorische Eitelkeit vor sich herträgt, sondern einfach die besten Filme zeigt. Wenn man das macht, dann müßte das Programm schon ganz von selber stimmig werden.

Carlo Chatrian (übrigens auch ein klangvoller Name, mit dem man sensibel-nachdenklich-heitere italienische Arthousefilme machen könnte, ungefähr so wie Nanni Moretti) wird mir jedenfalls seit mindestens einem Jahr penetrant von Facebook als Freund vorgeschlagen. Ich weiß immer gar nicht, was ich da machen soll. Ich glaube, Facebook will mich ärgern oder “trollen”, wie man heute sagt. Nach dieser Chatrian-Erfahrung habe ich jetzt jedenfalls keinerlei Anstalten gemacht, Chatrians Nachfolgerin Tricia Tuttle kennenzulernen, im Gegenteil, geriete ich in ihre Nähe, dann würde ich mich tendenziell eher irgendwo verstecken, denn Festivalleute machen ja gern Entdeckungen, hört man immer wieder. Es ist andererseits etwas schwierig, Leute zu entdecken, deren Namen schon jeder kennt. Kürzlich sprach ich mit einem Radiojournalisten, und der erzählte, er habe als letztes eine Beitrag gemacht über Filmemacher*innen um die 50, die keine Jobs mehr kriegen und sich daher Nebenjobs suchen. Vielleicht wollte der mich auch trollen. Ich sehe das ganz pragmatisch: Wir bedienen einen Markt, dort sind bestimmte Produkte gefragt, andere weniger, und wenn “aufsehenerregende neue Regie-Namen” eine gefragte Produktgattung ist, dann muß man die halt liefern. Der Kollege Achim Bornhak hat ja auch vor einigen Jahren einen Karriere-Relaunch hingelegt und heißt jetzt “Akiz”. Vielleicht sollte ich mich also doch “Dietrich Herzog” nennen oder gar, wie oben schon mal erwähnt, “Emma Dilemma”, denn Frauen sind auch sehr gefragt. Ein sehr gut mit mir befreundeter Filmemacher aus einem osteuropäischen Land bekam nahegelegt, seine Kamerafrau (und Ehefrau) als Co-Regisseurin zu nennen, weil das die Chancen bei Festivals steigern würde. So etwas fände ich problematisch, da es einer Lüge gleichkäme. Mich selbst zur Frau zu erklären wäre hingegen keine Lüge, sondern Ausdruck einer höheren, poetischen Wahrheit, denn Imaginationskraft, fluide Identität und Freude an spielerischen Verwandlungen sind Teil des Jobs, wir Gaukler und Bänkelsänger haben doch alle eine ganze Welt in uns drin (so etwas ähnliches sagt auch Ethan Hawke in seiner Rolle als Songschreiber Lorenz Hart in Richard Linklaters Wettbewerbsbeitrag “Blue Moon”), und wenn das weiterhin so gefragt bleiben sollte, kann ich es gern liefern. Sollte also in den nächsten Jahren eine Transfrau namens “Emma Dilemma” oder “Herzog Dietlinde” einen kometenhaften Aufstieg im Kinouniversum hinlegen, dann wissen die zwei oder drei Leser dieses Blogs jetzt schon, wer dahintersteckt.

Auf dem kleingeschriebenen arte-Empfang treffe ich auch eine Arte-Pressefrau, die sagt: Wir hatten lange keinen Film mehr von dir! Wird mal wieder Zeit! Stimmt, erwidere ich, und es ist ja nicht so, dass ich nichts schreiben würde, es versandet immer nur irgendwie. Dann erwähne ich ein paar Sachen, die ich vorhabe, aber die findet sie dann alle nicht gut. Horror? Nee. Musical? Oh Gott, wollen doch jetzt alle. Ich nehme das trotzdem als ermutigendes Zeichen. Und dann treffe ich noch eine Produzentin, die im Gespräch erwähnt, sie wolle dann auch noch zu der Redakteurin, die wenige Meter von uns entfernt steht, und ein Projekt pitchen. Das erscheint mir als ein gewagtes Unterfangen. Ich meine mich zu erinnern, dass der eine oder andere arte-Redakteure in den letzten Jahren der eigenen Veranstaltung einfach fernblieb, weil er da immer von einer Menschentraube von pitchenden Produzierenden und ideenhabenden Filmemachenwollenden umlagert war. Andererseits: Grandiose Idee. Könnte man einfach mal machen. Also gehe ich direkt zur Redakteurin und überschütte sie mit Filmideen, und was dann passiert, ist kaum zu glauben: Sie ist von allen begeistert. Also wirklich von jeder einzelnen. Reich gesegnet ziehe ich von dannen und lasse mich in diesem Hochgefühl beim Rausgehen noch vom einzig verbliebenen Fotografen am sogenannten “Teppich” fotografieren. Beim Reingehen habe ich es unterlassen, jetzt bin ich von Glückshormonen durchflutet und will die Welt an diesem Rausch teilhaben lassen. “Teppich machen” heißt dieser Vorgang, und vor einigen Tagen habe ich noch behauptet, ich sei da indifferent, aber bei eingehenderer Gewissenserforschung muß ich feststellen: Stimmt gar nicht. Ich finde es eigentlich ziemlich bekloppt. Es sei denn, ich bin gerade mal wieder supererfolgreich, König der Welt, alle liegen mir zu Füßen, ich habe einen adipös hochbudgetierten Kinofilm erfolgreich durch den Förderungs-Redaktions-Festival-Todesstern manövriert, sitze auf 15 Millionen und sage bei der Berlinale-Pressekonferenz, wie toll ich das finde. Dann mache ich gern Teppich.

Tricia Tuttle erscheint mir übrigens nicht halb so schlaftablettig wie ihr Vorgänger, sondern äußerst aufgeweckt. Außerdem hat sie es geschafft, eine Eröffnungsveranstaltung komplett ohne Politiker*innengrußworte zu schmeißen, sie hat mir 15 Minuten Claudia Roth erspart, und dafür bin ich ihr ewig dankbar. Wäre ich anderer Meinung, dann würde ich das hier nicht hinschreiben, denn ich will ja was von ihr. Und das ist eigentlich das zentrale Problem der ganzen Leute in diesen Machtpositionen: Niemand ist ehrlich zu ihnen. Es gibt kaum eine traurigere Figur als Fernsehredakteure im Ruhestand, deren Macht schlagartig von ihnen abgefallen ist, denen niemand mehr hinterherläuft und die schmerzhaft klar wird, dass sich nie jemand für sie interessiert hat, sondern alle immer nur ihr Geld wollten. Was ja eigentlich ohnehin immer klar war. Nur ihnen selber nicht. Der einzige Weg aus diesem Dilemma ist, wenn ich mich nicht irre, ehrlicher Enthusiasmus. “Bock ist die härteste Währung”, sagte ein Labelbetreiber mal zu mir, und dieser Satz hallt seitdem in vielerlei Gestalt durch mein Leben. Es gibt unter Redakteurinnen, Festivalmachern und vielleicht auch unter Förderern Leute, die ehrlich begeistert sind von dem, was sie da tun. Mit denen kann man Nächte durchtanzen und Tage durchdiskutieren. Man erkennt sie. Man erkennt sich untereinander. Man braucht ein paar solcher Leute um sich herum, und dann ist es egal, wieviele Schlaftabletten und Leberwürste ansonsten um einen herum Phrasen dreschen und Teppich machen.

Mir ist wieder eingefallen, was die gestrige bzw. vorgestrige Veranstaltung war. Es war der Regie-Talk, organisiert u.a. von der wunderbaren Monika Wojtyllo, die ich unter anderem für ihre unablässige Beharrlichkeit und ihre allseitige Vernetztheit sehr bewundere. “Wunderbar” ist ein Attribut, das im Filmbranchen-Speak freihändig ausgeteilt wird, ich habe schon Premieren beigewohnt, bei denen am Ende fünfzig wunderbare Leute auf der Bühne standen, das ist auch jedesmal ganz wunderbar, auf mich wirkt das nur immer so, als gäbe es die jeweilige Person mehrmals, und das Attribut “wunderbar” diene der genaueren Eingrenzung, ungefähr so, wie wenn man mehrere Tassen oder Autos besäße und zu seinem Partner sagen würde: “Gib mir bitte die grüne Tasse” oder “heute fahren wir mal mit dem blauen Auto”. Wenn also die wunderbare Erika Mustermann, Szenenbildassistentin oder Förderreferentin, auf die Bühne gebeten wird, dann stelle ich mir das so vor, dass sich eine weitere, ansonsten identische Erika Mustermann im Saal befindet, die halt nur leider nicht wunderbar ist und daher nicht auf die Bühne darf.

Hier hat also heute die wunderbare Monika Wojtyllo (die andere kenne ich nicht) eine Veranstaltung organisiert, bei der verschiedene Podiumsdiskussionen abgehalten werden, und hinterher ist Party. Ich war da letztes Jahr selber auf einem Podium und habe irgendwas über künstliche Intelligenz gesagt, was genau weiß ich nicht mehr, müßte ich jetzt hier nachlesen oder ChatGPT fragen. An dieser Stelle lege ich ein Bekenntnis ab: Ich gehe prinzipiell nicht zu Podiumsdiskussionen und nicht zu Preisverleihungen, wenn ich nicht zwingend muß. Diese beiden Veranstaltungsgattungen haben ganz bestimmt ihren Sinn, aber ich lasse es trotzdem. Wer schreibt, der ist gezwungen, seine Gedanken wenigstens irgendwie zu sortieren, und außerdem kann ich beim Lesen das Tempo selber bestimmen und zudem jederzeit aufhören, wenn der Schreiber seine Gedanken doch nicht sortiert hat oder gar keine besitzt. Wer hingegen auf einem Podium sitzt oder einen Preis bekommt, der redet irgendwie irgendwas ins Ungefähre oder bedankt sich der Reihe nach bei 50 wunderbaren Mitstreitern, und das ist mir, Verzeihung, zu fad, außerdem kann ich es nicht beschleunigen, und Aufstehen und Gehen wäre ein unnötiger Affront, also bleibe ich fern. Ja, jetzt wißt ihr es. Sorry, not sorry. Aus Solidarität zur wunderbaren Monika Wojtyllo gehe ich trotzdem zu dieser Veranstaltung, und was dort dann stattfindet, hat etwas von absurder Performancekunst: Ein langestreckter Raum, dessen größter Teil von einer voluminösen Bar eingenommen wird, hinten dann eine kleine Fläche, und dort ist kein Podium, sondern ein paar ebenerdige Stühle und dort wird diskutiert, während im Rest des Raums 200 Menschen Bier trinken und sich anschreien.

Manchmal haben Filme so Momente, in denen die Sprache komplett übertönt wird von anderer Sprache oder von irgendwas. Im 160minütigen Berlinale-Eröffnungsfilm von Tom Tykwer, der hier schon erwähnt wurde, gab es eine Szene, in der Mutter und Tochter sich anschreien und man kein Wort versteht, eine Art abstraktes-Schrei-Kunstwerk, wobei der Effekt wiederum durch die Untertitel zerstört wird, konsequenterweise hätte man die an dieser Stelle also weglassen müssen, oder im Hitchcock-Klassiker “Der unsichtbare Dritte”, den Filmkenner natürlich beim Originaltitel “North by Northwest” nennen, was aber an Distinktionsgewinnpotential seit einigen Jahren etwas nachgelassen hat, seit es nämlich in der ARD eine Serie namens “Nord bei Nordwest” gibt, inzwischen ist es eher umgekehrt, da holt man sich die Filmkenner-Extrapunkte, wenn man den alten deutschen Verleihtitel von 1959 parat hat, und der lautet “Der unsichtbare Dritte”, ich schweife ab, jedenfalls gibt da gibt es auch eine Szene, in der dem Protagonisten endlich jemand erklärt, was es eigentlich mit dem ganzen Plot auf sich hat und wer der zumindest in Deutschland titelgebende unsichbare Dritte eigentlich ist, aber genau in diesem Moment laufen sie an einem startenden Flugzeug vorbei, und man versteht leider nichts. Dieser Szene hätten Untertitel wiederum sehr gut getan, das wäre ein subversiver Anschlag von einem Element des Films auf ein anderes gewesen, genau wie bei Tom Tykwer, wenngleich dort eher unbeabsichtigt, und so etwas gefällt mir. Ich wollte auch schon immer mal einen Schwarzweißfilm drehen, in dem die Figuren ständig von Farben reden, also “gib mir bitte mal die blaue Tasse” und “heute fahren wir mit dem grünen Auto” und “soll ich das rote Kleid anziehen oder das gelbe”.

Ich bin also beim Regie-Talk, trinke aus einer grünen Flasche, trage ein rotes Kleid und talke an der Bar mit einem Bekannten, während wenige Meter entfernt verschiedene wunderbare podiumsdiskutierende Filmemachende sitzen und ich weiß nicht was sagen. Vielleicht erklären sie den Plot von “Der unsichtbare Dritte” oder ziehen nach Herzenslust über Fernseh- oder Netflixredakteure her, dafür wäre hier die ideale Gelegenheit, denn das ist wie Meinungsfreiheit in Europa 2025, man kann zwar alles sagen, es kommt dann halt nur die Polizei beziehungsweise es versteht einen halt nur keiner. Und dass man sich über Fernseh- bzw. Netflix- bzw. Amazon- bzw. Apple- bzw. Paramount-Plus-oder-egal-was-Redakteur*innen nicht kritisch äußern sollte, wenn man von ihnen weiter mit Arbeit versorgt werden will, das kapiert wirklich jeder Depp.

Als ich vor Jahren von einem norddeutschen Rundfunksender, dessen Namen ich hier nicht nennen möchte, zum dritten Mal in Folge mit einem Exposé beauftragt worden war und allerhand viel Arbeit für nicht allzuviel Geld hineingesteckt hatte und mir das dann zum dritten Mal abgesagt worden war, da dachte ich mir allerdings ein gepflegtes “Fuck You” und erwähnte diesen Umstand in einem Zeitungsbeitrag. Daraufhin rief mich der Fernsehspielchef dieses Rundfunksenders an einem Berlinale-Mittwoch oder Donnerstag morgens um halb neun erzürnt an, wollte eine Entschuldigung, redete eine halbe Stunde auf mich ein und brach das Gespräch dann in einem Sorry-muß-jetzt-leider-weg-Tonfall ab, der klang, als wollte ich was von ihm und jetzt wäre meine Zeit um. Ich konnte nur erwidern, dass er mit seinem Laden doch bitte auch mal öffentlich für seine Entscheidungen geradestehen soll, schließlich gibt er ja öffentliche Gelder aus (in meinem Fall gleichwohl nicht allzu viele), und ich werde ja für meine Arbeit schließlich auch öffentlich kritisiert. Irgendwie fühlte ich mich aber auch geehrt, denn ein halbstündiges Telefonat mit einem öffentlich-rechtlichen Fernsehspielchef hatte ich bis dato noch nie gehabt und seitdem auch nie wieder. Das Projekt, um das es damals ging, fand dann noch eine glückliche Wendung, es entstand bei einem anderen Sender, nämlich dem HR, und trug den Titel “Murot und das Murmeltier”. Über den dortigen Redakteur würde ich nie ein schlechtes Wort verlieren, egal ob man mich hört oder nicht, vor allem dann nicht, wenn er endlich mal den Stoff lesen würde, den er schon seit Monaten oder einem knappen Jahr von mir auf dem Schreibtisch hat.

Die absurd performative Podiumsdiskussion mündet in eine hemmungslose Party mit dem derzeit angesagtesten DJ-Duo der Branche, nämlich meinen geschätzten Bürokollegen Pola Beck und David Wnendt (jeweils wunderbar). David hat vor Jahren auch mal einen “Tatort” für den erwähnten Rundfunksender gedreht und hinterher in der Presse öffentlich bekanntgegeben, dass er sich diese Erfahrung kein zweites Mal gönnen möchte, wurde aber trotzdem nicht gecancelt, au contraire, er dreht weiterhin schlachtschiffartig großformatige Kinoerfolgsfilme. Ich nehme das als Hoffnungsschimmer und sage weiter, was ich denke.

In dieser ganzen Schilderung bin ich übrigens noch im vierten Tag hängengeblieben. Außerdem bin ich mir nicht sicher, ob ich irgendwas schon einmal geschrieben habe. Vermutlich ja. Also habe ich die Probe aufs Exempel gemacht und ChatGPT gefragt: Hat der Filmemacher Dietrich Brüggemann auf seinem Berlinale-Blog schon einmal über die Inflation des Begriffs „wunderbar“ beim Reden über Personen in der deutschen Filmbranche geschrieben?
Die Antwort lautete:
„Ja, Dietrich Brüggemann hat in seinem Berlinale-Blog einen Beitrag mit dem Titel „Verwunderbar!“ verfasst, in dem er sich kritisch mit der inflationären Verwendung des Begriffs „wunderbar“ in der deutschen Filmbranche auseinandersetzt. In diesem Beitrag thematisiert er, wie häufig und unreflektiert dieses Adjektiv verwendet wird, insbesondere bei der Beschreibung von Personen innerhalb der Branche. Leider ist der genaue Inhalt des Artikels in den verfügbaren Quellen nicht vollständig einsehbar.„
Klingt super, ist nur kompletter Käse. Zwar gibt es eine Kolumne mit diesem Titel in EPD Film aus dem Jahr 2018, die ist nur erstens nicht von mir und handelt zweitens von etwas ganz anderem, was auch ChatGPT auf Nachfrage denn auch ungerührt zugibt.

Es gibt einen Monty-Python-Sketch, in dem jemand im Fernsehen behauptet, sämtliche Dramen und auch die Sonette von William Shakespeare geschrieben zu haben, und als der Moderator einwendet, Shakespeare sei doch schon 300 Jahre tot, erwidert er: Das ist in der Tat der einzig schwache Punkt in meiner Argumentation. Ungefähr so fühlt man sich bei solchen Konversationen mit ChatGPT. Man kann das als drollige Eigenheit einer Technologie in den Kinderschuhen abtun, aber mir scheint es doch von ziemlich zentraler Relevanz, dass die Computertechnologie in dem Moment, in dem sie immerhin zu einer Art Intelligenzsimulation in der Lage ist, zugleich nicht mehr in der Lage sein soll, das zu tun, was doch eigentlich ihre ureigenste Kernkompetenz sein sollte: Messen, zählen, rechnen. Kürzlich, als mal wieder irgendein offener Brief durch die Öffentlichkeit ging, war ich zu faul zum Zählen und wollte von ChatGPT wissen, wieviele Unterzeichner der Brief denn habe. Erst waren es 217, dann auf Nachfrage 436. Offenbar ist also niemand in der Lage, diesen möglicherweise hochintelligenten Sprachmodellen ein zweites, vergleichsweise strunzdummes nachzuschalten, das einfach nur die nackten Fakten überprüft, und was das nun wiederum über das ganze Unterfangen “Künstliche Intelligenz” aussagt, das wird mir als Frage zu komplex, da reicht meine Intelligenz nicht, da müßte ich ChatGPT fragen, aber da dreht sich die Katze in den Schwanz und beißt sich im Kreis.

An Tag 5 bin ich dann bei einem Schauspielagenturempfang, bei dem man sich seinen Namen auf ein weißes Etikett schreiben und an die Kleidung heften soll. Kurz überlege ich, “Der wunderbare Dietrich Brüggemann” zu schreiben oder gar “Der wunderbare Dietrich Allianz Daimler UberEats Music Man”, doch dann ist mir das zu lang, mir ist sogar mein eigener Name zu lang, ich schreibe einfach “Hallo”. das erweist sich als prima Eisbrecher und Konversations-Starter, und dann rede ich trotzdem nur mit Leuten, die ich schon kenne. Danach fahre ich ans Spreeufer, setze mich in die “Ständige Vertretung”, weil da die Sonne reinscheint, und schreibe den gestrigen Blogeintrag über die Uber Eats Music Lockheed Boeing Skoda Hall. Danach fahre ich zum Arte-Empfang in die Akademie der Künste, beziehungsweise zum arte-Empfang, arte wird nämlich glaube ich kleingeschrieben, und diese Eigenschreibweise übernehmen viele Leute, man steckt da immer in einem gewissen Dilemma, das ist ähnlich wie bei MacBook oder iPod oder AirPods oder iMessage oder iPhone, man macht sich irgendwie zum Konsumsklavenkomplizen, wenn man diese leicht affige Markenschreibweise mitmacht. Arte (großgeschrieben wegen Satzanfang) ist nun nicht Apple, und wenn arte kleingeschrieben werden will, komme ich diesem Wunsch gern nach. “Bei uns wird arte kleingeschrieben”, das wäre doch ein schöner Slogan, oder auch “Wir schreiben uns selber klein”.

Schluß jetzt für heute, der wunderbare Fernsehspielchef hat angerufen und sagt, ich soll das alles löschen. Mehr zu arte dann morgen.

Heute gehe ich mal ins Kino. Also genauer gesagt nicht ins Kino, sondern in die Uber Eats Music Hall. Vor sehr langer Zeit gab es mal einen Film mit dem Titel “Angst essen Seele auf”, und dieser Satz wurde dann memetisch, das heißt, er wanderte in allerhand Variationen durch die folgenden Jahrzehnte, auf Studentendemos sah man Transparente “Staat essen Bildung auf”, irgendjemand sagte mal “Förderung essen Film auf” und so weiter. Jetzt also: Uber Eats Music. Die so benannte Halle hieß letztes Jahr noch Verti Music Hall und liegt am Uber Platz, der bis vor kurzem noch Mercerdes-Platz hieß, und direkt neben der Uber Arena, die bis vor einiger Zeit Mercedes Benz Arena hieß und davor O2 World. Als nächstes heißt sie vielleicht Tinder Stadion oder Youtube Mehrzweckhalle. Es läge jetzt natürlich nahe, die massive Bescheuertheit und zudem latente Menschenverachtung zu geißeln, die darin liegt, wenn Konzerne ihren Namen auf Orte in Städten, in denen Leute leben, nach Belieben draufkleben und dann wieder wegnehmen, als wäre es ein Stück Käse, das man aus dem Kühlschrank holt und dann doch nicht ißt, es wäre nur vollkommen sinnlos, also lasse ich es. Man kann allenfalls nüchtern feststellen, dass Firmen und Konzerne mit diesem ganzen Branding und Rebranding anscheinend etwas bezwecken, denn sonst würden sie ja nicht mehrstellige Millionenbeträge für Veranstaltungshallennamensrechte ausgeben. Und was bezwecken sie? Doch wohl folgendes: Der Name soll in die Öffentlichkeit und soll in den Köpfen der Leute mit etwas verbunden werden, das sie gut finden. So funktioniert Werbung, PR und Propaganda, was übrigens drei Worte für dieselbe Sache sind. Da finde ich es dann doch erstaunlich, dass in den ganzen ausgefeilten Gehirnen der Werbepsychologen, die sich das ausdenken, offenbar kein Platz für den naheliegenden Gedanken ist, dass das beliebige Auswechseln von Namen insgesamt ungut auf die “Brand” abfärben könnte. Namen sind nämlich so beständig wie die Dinge, die sie bezeichnen, das lernen wir früh im Leben, man ändert seinen Namen eigentlich nie, allenfalls den Nachnamen, wenn man mal heiratet, und auch Fuchs und Hase heißen in zehn Jahren immer noch Fuchs und Hase und nicht etwa Löffel und Bratpfanne. Wenn nun hingegen Uber und Uber Eats und Mercedes Benz und Verti und weiß der Geier wer ständig ihre Namen ihrgendwo draufkleben und wieder wegnehmen und zu immer absurderen Konstruktionen zusammenschrauben, dann kommt bei mir als Konsument vor allem die Message an: Ihr seid nicht beständig, ihr seid eine Fata Morgana, ihr verkauft mir irgendeinen Scheiß, macht euch dann aus dem Staub, benennt mein Fußballstadion heute nach euch und übermorgen nach einer spanischen Supermarktkette, ihr könnt mich mal.

“Ihr könnt mich mal” ist nun vermutlich nicht die Botschaft, die globale Großkonzerne als erste Assoziation in ihrem Markenimage beim Konsumenten verankern wollen, ich persönlich fände es aber toll, wenn genau das passiert, also kann ich mir nur wünschen, dass immer mehr Namensrechte für immer kürzere Zeit an irgendwelche Vollidiotenkonzerne verkauft werden und erkläre mich gern bereit, daran aktiv mitzuwirken. Die Rechte an meinem Nachnamen stehen daher hiermit zum Verkauf, Laufzeit des Vertrages ist acht Monate, Einstiegsgebot faire 800.000€, und dann heiße ich halt ein knappes Dreivierteljahr Smart oder Allianz oder Amazon, bevor ich mich dann umbenenne und die nächsten paar Monate Unilever oder Bayer heiße.

Der Filmemacher und Klatschkolumnist Dietrich Allianz Daimler, demnächst Monsanto, bis vor kurzem Deutsche Bahn, geht also in die Uber Eats Music Hall, ehemals Verti, demnächst Kraft Jacobs Suchard, um sich den französischen Film “Ari” anzuschauen, der im Wettbewerb der 75. Cupra Armani Mastercard (ehemals Audi L’Oréal ZDF) Berlinale läuft. Der kämpferisch-konzernkritische Antikapitalismus, den ich hier zur Schau stelle, hatte eigentlich auch im Programm der Berlinale immer seinen Platz, da gab es Filme über die “Yes Men”, ein Aktivistenduo, das genau mit solchen Techniken der Überaffirmation arbeitet, also der grotesk übersteigerten Zustimmung als Methode der Entlarvung. Ich weiß nicht, was aus den Yes Men geworden ist und ob sie zu Corona-Zeiten dann auch an der kritischen Entlarvung beispielsweise der Pharmaindustrie versucht haben, vermutlich eher nicht, die Pharmaindustrie hat uns in dieser Zeit doch alle gerettet, wir sollten ihr auf Knien danken, denn wenn es die segensreiche Impfung nicht gegeben hätte, dann würden wir noch immer im Lockdown zuhause sitzen und uns über Ungeimpfte echauffieren, die uns mit ihrem dummen Egoismus die ganze schöne Corona-Solidarität kaputtmachen, oder so ähnlich, ich schweife ab, ich wollte doch endlich mal was über einen Film schreiben.

Der Film heißt wie gesagt “Ari” und handelt von einem äußerst sensiblen jungen Mann, der als Grundschullehrer vor einer Klasse steht und einen Nervenzusammenbruch erleidet. Ein Hauch von absurder Komik durchzieht den Film, auch als Ari dann ein paar alte Freunde abklappert und sich zwischendurch immer wieder mit seinem Vater auseinandersetzt sowie mit einer Ex-Freundin, die ein gemeinsames Kind abgetrieben hat, weil er sich nicht zum Vatersein fähig fühlte. Die Kamera ist immer sehr nah auf den Gesichtern, das Frankreich der Vorstädte und Vorgärten und Metro-Haltestellen, das er zeigt, ist trist und häßlich, all das wäre eigentlich nicht so meins, aber der Film ist sensibel und aufrichtig, und ich mag ihn. Später begegne ich einem Bekannten, der ihn auch gesehen hat und sagt, ihm sei die Hauptfigur dann doch etwas zu antriebsarm gewesen, und da kann ich schlecht dagegenhalten. Wenn man das Medium Film als Gefäß für einen Inhalt mißversteht, dann könnte man hier den Inhalt extrahieren und der wäre genau in der momentan (noch) dominanten ideologischen Strömung: Der Mann als passiver, geradezu vegetativer Jammerlappen, als Problem in der Dauerkrise, der am Ende ganz bei sich ist, als er mit seinem Kind spielt (das, Achtung Spoiler, doch nicht abgetrieben wurde) und der vom Film sozusagen selber infantilisiert wird. Auch die anderen Männer sind tendenziell kindisch, Frauen weitgehend abwesend, aber im Zweifelsfall souverän und Herrinnen des Geschehens. Ja, man kann den Film so “lesen”, und es kann gut sein, dass die Programmkommission genau das getan hat. Ich persönlich sehe Filme aber nicht so. Ich freue mich, wenn der Blick auf die Menschen nicht allzu sehr vom Kunstwollen verstellt ist, wenn die Situationen stimmig und die Dialoge gut sind, denn das ist schon sehr viel, das ist mehr, als beispielsweise die ganze Berliner Schule meistens zustandegebracht hat, und da ist es mir dann nicht so wichtig, ob der Mann jetzt ein Würstchen oder die Frau eine Furie ist, denn solange der Film mich davon überzeugen kann, dass die Figuren wirklich existieren, solange ist das nicht männer- oder frauen- oder sonstwasfeindlich, sondern: Kino.

Die Sitze in der Uber Eats Verti O2 Mercedes Allianz BMW Smart Music Hall sind unbequem, man kann sich nicht so richtig reinfläzen, das haben sie mit den Sitzen im Friedrichstadtpalast gemeinsam, in dem früher die Wettbewerbswiederholungen liefen, die sind auch winzig, ungefähr so wie die Möbel in Schlössern aus dem 16. Jahrhundert oder Ritterburgen aus dem Mittelalter, als die Menschen noch kleiner waren. In der DDR, die den Friedrichstadtpalast erbaut hat, waren sie anscheinend auch kleiner, und in der Uber Eats Aventis Toyota BASF Erdinger Weißbier Music Hall rechnet man anscheinend auch mit kleineren Menschen, vermutlich etwa mit den Größenmaßen, mit denen Fluglinien auch ihre Sitzabstände berechnen. Nach dem Film verläßt man den Ort des Geschehens dann nicht etwa durch das Treppenhausfoyer, durch das man hineinkam, sondern wird durch den Hinterausgang nach draußen geschleust. Eine lange Menschenschlange wälzt sich also durch ein großes, kahles, nacktes, leeres Betontreppenhaus, vier Stockwerke hinunter, jedes sieht exakt gleich aus, es könnten auch zehn oder fünfzig Stockwerke sein, das wäre eine schöne Idee für einen existentialistischen Film, ähnlich wie “Der Würgeengel” oder “Warten auf Godot”: Eine Gruppe von Kinobesuchern trottet ein Treppenhaus hinunter, das einfach kein Ende nimmt und auf jedem Stockwerk wieder genau gleich aussieht, es geht einfach nur immer abwärts, aber man landet nie irgendwo. Grandiose Metapher für das Leben, die moderne Gesellschaft, den Westen, die Menschheit, das globale Finanzsystem, irgendwas, alles. Ganz nebenbei frage ich ich, ob das eigentlich sicherheitstechnisch okay ist, heute muß doch immer alles Fluchtweg und barrierefrei sein, aber hier müßte nur einer “Hilfe” oder “Feuer” oder “Allahu Akhbar” schreien, und es gäbe vermutlich eine Panik mit Toten und Verletzten. Da niemand schreit, steht man dann hinten, quasi am Hinterende, vulgo “Arsch” des Gebäudes, und muß wieder ganz außen herum nach vorn gehen, weil man sein Fahrrad auf dem Uber Volkswagen Lidl Nestlé Chrysler Chevrolét General Motors Platz geparkt hat.

Zuvor war ich schon auf einer Veranstaltung, auf der mir jemand berichtet, eine uns beiden gut bekannte Berlinale-Veteranin habe gesagt, sie habe noch nie eine Berlinale erlebt, auf der schon am ersten Tag alle derartig im Eimer, kaputt und erledigt gewesen wären. Später gehe ich dann auf eine Veranstaltung, bin aber so im Eimer, kaputt und erledigt, dass ich schon beim Rausgehen wieder vergessen habe, was da eigentlich los war und um was es ging. Morgen mehr, ich gehe jetzt in mein Uber Eats Ikea Sanofi Pfizer Boeing Rheinmetall Bett.

Am zweiten Tag ist nichts Erwähnenswertes passiert, aber daran bin ich selber schuld, ich war einfach nicht auf der Berlinale, außer auf einer geselligen Veranstaltung am Abend. Mein Fernbleiben lag an unserem derzeit noch nicht ganz abgedrehten No-Budget-Film, bei dem es einen Ausfall gab und noch ein paar Drehtage organisiert werden müssen, außerdem war ich damit beschäftigt, den Blogeintrag zum ersten Tag zu schreiben, und solange man schreibt, erlebt man ja nichts Neues, über das man schreiben könnte. Irgendwann habe mir selbst die Regel gegeben: Produktion geht vor Konsum, also: Filme machen ist wichtiger als Filme gucken. Ich fürchte aber, im kategorisch Kantischen Sinne ließe sich diese Maxime meines Wollens nicht zu einem allgemeinen Gesetz machen, zumindest wäre das nicht wünschenswert, denn dann würden alle nur noch Filme machen und niemand mehr Filme gucken. Ein bißchen so fühlt sich die Berlinale ohnehin an, denn alle, die man trifft, machen irgendwas oder wollen irgendwas machen, Filme angeguckt werden dagegen eher weniger. Ich habe das schon vor neun Jahren in diesem Blog erwähnt. Damals habe ich selber noch Filme geguckt. Heute auch nicht mehr. Vielleicht aber morgen oder übermorgen.

Am dritten Tag ist dann abends der Empfang der Berlin-Brandenburger Filmförderung. Da erfährt man interessante Gesprächsfetzen, beispielsweise dass ein Filmemacher, den ich kenne, die letzten Jahre in einer Sektion der Berlinale nicht mehr eingeladen wurde, weil ihn jemand nicht mochte, dass diese Person aber jetzt woanders arbeitet und er jetzt mit seinen Filmen wieder da laufen darf. Natürlich nenne ich jetzt keine Namen, denn ich will ja selber irgendwann auch mal wieder auf der Berlinale laufen, und schon diese beiden Umstände deuten uns auf ein Problem hin, das ich schon öfters formuliert habe und auch noch öfter beim Namen nennen werde: Es gibt in der Filmproduktion, also zumindest in dem staatsfinanzierten Apparat, den wir in den europäischen Ländern haben, zwei Nadelöhre, durch die ein Film durch muß, und beide sind für mein Empfinden der Kunst nicht förderlich. Erstens die Finanzierung durch zahlreiche Fördergremien, zweitens, wenn der Film dann fertig ist, die Premiere auf Festivals, wo es für die Karriere eines Films allentscheidend ist, ob er beispielsweise auf der Berlinale im Wettbewerb läuft oder halt in Tromsö oder Tallinn in einer Nebenreihe. Man kann theoretisch einen noch so tollen Film machen, und die Welt würde es nie erfahren, wenn er aus irgendeinem Grund nicht an einem Ort liefe, wo er eine Chance häte, sich aus den Massen von Filmen, die nebenbei auch eine Folge unserer staatsfinanzierten Produktionsapparate ist, irgendwie herauszuheben.

Festivals und Förderungen sind nun aber nicht als Naturereignisse vom Himmel gefallen, sondern werden von Menschen gemacht, und die Menschen, die hier die Entscheidungen treffen, haben eine enorme Macht. Sie können Weltkarrieren auslösen oder eben nicht. Es wäre nun durchaus denkbar, dass die Festivalmacher und Förderer mit dieser Macht sorgsam umgehen, sich selbst bescheiden zurückhallten* und mit maximaler Hingabe dafür arbeiten, die bestmöglichen, ungewöhnlichsten, überraschendsten, radikal neuartigsten Filme zu ermöglichen. Es könnte aber genausogut sein, dass sie diese Bescheidenheit eher so als Pose kultivieren, sich in Wahrheit aber selber für die eigentlichen Stars halten, ihre Kumpels nach oben befördern und sich mit einem Netzwerk aus Jasagern umgeben. An Königshöfen gab es früher die sogenannten “Hofschranzen” (übrigens ein generisches Femininum, ähnlich wie “die Leiche” oder “die Person”), das waren einflußreiche Beamte, die sich als demütige Diener der Macht gerierten, in Wahrheit aber selbst Macht ausübten und das auch sehr genossen. Ich will nicht pauschal urteilen, aber die Gefahr einer gewissen Hofschranzigkeit scheint mir bei der Struktur unserer Festival- und Fördersysteme immer gegeben, und ich sehe außerdem kein wirkliches Bewußtsein für das Problem und damit auch nicht den Versuch, irgendwie gegenzusteuern. Zumindet nicht in Deutschland, in Dänemark dagegen schon, da entscheidet beispielsweise in der staatlichen Filmförderung kein Gremium, weil man der Meinung ist, dass künstlerische Radikalität in Komitees nicht möglich ist, sondern ein Einzelner, der dann für seine Entscheidung auch geradestehen muß, die Stelle ist jedoch doppelt besetzt (es gibt also einen zweiten Entscheider) und zudem auf fünf Jahre befristet, damit eben keine ungute Machtzusammenballung entsteht. Man macht den Job also fünf Jahre und ist dann wieder Drehbuchautor oder was auch immer man vorher war. Auch das habe ich schon öfter zitiert und werde es auch noch öfter zitieren, denn es erscheint mir alles sehr sinnvoll und wünschenswert.

Der Medienboard-Empfang ist auf dem Holzmarkt-Gelände, also bei Eiseskälte im Freien. Bis vor einigen Jahren war er im großen Saal des großen, klotzigen Hyatt am Potsdamer Platz, und bis vor noch einigen Jahren mehr liefen da immer Promo-Teams eines Zigarettenherstellers herum und teilten freigiebig aus. Es rauchten also alle im großen Saal des Hyatt und warfen ihre Kippen fröhlich auf den Teppich. Das hatte eine gewisse Punkrock-Attitüde und war irgendwie auch das Sinnvollste, was man mit diesem Hotelsaal tun konnte. Das kalte Holzmarktgelände ist aber auch okay. Ich bemerke nur an mir selbst eine zunehmende Unfähigkeit zu Partygesprächen. Selbst wenn ich da auf gute Freunde treffe, mit denen ich mich problemlos einen Abend lang angeregtestens unterhalten kann, stehe ich hier neben den selbigen und mir fällt nicht viel ein. Diese Sprachlosigkeit auf Partys ist, wenn ich es recht bedenke, bisher nicht wirklich erzählt worden. Es gibt zwar wahnsinnig viele Filme über Sprachlosigkeit in Familien, im Grunde handelt fast jeder deutsche Film von Sprachlosigkeit zumeist in Familien, genauer gesagt in dysfunktionalen Familien, aber andererseits sind ja in Film und in der Literatur seit mindestens 100 Jahren alle Familien dysfunktional, es gibt keine anderen mehr, die dysfunktionale Familie ist längst das Standardmodell, man kann das Adjektiv auch einfach weglassen. Sprachlosigkeit ist also ausführlich erzählt worden, Partys sind in Film und Literatur auch ausführlich erzählt worden, der Exzess der Nacht und die Ekstase auf der Tanzfläche und die Suche nach dem Kick und so weiter hat man schon das eine oder andere Mal gesehen. Die Kombination aus beidem, also Sprachlosigkeit und etwas verklemmtes Herumstehen auf einer Party, wo eigentlich die atemlose Suche nach dem Kick und dem Exzess stattfinden sollte, aber sich nicht einstellen will, wäre irgendwie neu. Sollte man also mal machen.

Man kann es natürlich versuchen, also sich auf irgendein Sofa setzen und wirklich eine eingehende Konversation starten, aber dann kommt immer jemand und setzt sich daneben und ruft “na, wie geht’s euch, Mensch, haben wir uns lang nicht mehr gesehen, gut schaust du aus, Kinostart ist leider miserabel gelaufen, danke der Nachfrage, der Verleih hat auch keine gute Arbeit gemacht und der Termin war halt irgendwie der falsche, aber wir haben trotzdem die Finanzierung für den nächsten weitgehend eingetütet, Medienboard war ganz spendabel.” Aber auch das ist ja völlig okay, denn dafür sind solche Veranstaltungen ja da, und dann weiß man wenigstens wieder, wer was macht.

Ich laufe dann noch einem Produzenten über den Weg, den ich schon ewig kenne und mit dem ich erfreulicherweise kein sprachloses, sondern ein sprachlich einwandfrei fließendes Gespräch führe, und nach dem Gespräch haben wir eine lustige Filmidee samt Titel und Besetzung sowie eine Verabredung in einem Kino im Berliner Umland für nächste Woche, um etwas Feldforschung zu betreiben. So kann es auch gehen. Medienboard Berlin-Brandenburg, ohne dich wäre dieser Film nie entstanden, zumindest wenn er denn am Ende tatsächlich entsteht.

*Eine befreundete Filmkritikerin sagte, das sei ein genialer Freudscher Verschreiber. Ich lasse ihn daher so stehen.

Mein Berlinale-Blog geht ins soundsovielte Jahr, und allmählich verliere ich den Überblick, was ich wann schon einmal geschrieben haben könnte, also schreibe ich diesmal die Jahreszahl in den Titel, damit man sich besser zurechtfindet. Ansonsten alles mehr oder weniger wie immer. Viel Spaß.

Meine Berlinale beginnt mit einer interessanten Erfahrung. Vor sehr vielen Jahren setzte ich mir eine Mütze auf den Kopf, also keine gestrickte, sondern so eine mit Schirm, und fand das Resultat vor dem Spiegel visuell ansprechend. Außerdem mußte man sich keine Gedanken mehr über Frisur oder derartiges machen, außerdem ist so ein Schirm bei tiefstehender Sonne sehr praktisch, und außerdem ist er noch viel praktischer, wenn man bei kaltem Wetter Fahrrad fährt und sich zu diesem Zwecke eine Kapuze überzieht, denn beim Radfahren muß man sich ja oft nach hinten umschauen, aber wenn man sich mit Kapuze umschaut, dann schaut man oft einfach in die Kapuze hinein, da die Kapuze die Drehung des Kopfes nicht ohne weiteres mitmacht. Der Schirm einer Mütze löst dieses Problem, und da ich sämtliche Strecken mit dem Fahrrad zurückzulegen pflege, sofern ich nicht gerade ein Klavier transportieren muß, begab es sich, dass ich einfach immer mit dieser Mütze herumlief. Leider aber wird so etwas dann zum Markenzeichen, und das finde ich leider ausgesprochen dämlich, wenn Kulturschaffende immer irgendetwas unvermeidbares an sich dranhaben, weil es halt ihr Markenzeichen ist, worüber Journalisten dann schreiben können, dass der Herr Lindenberg ja immer mit dem unvermeidlichen Hut oder der Sänger von AC/DC immer in seiner unvermeidlichen Schuluniform unterwegs ist Daher beschließe ich heute, ohne Kopfbedeckung zur Berlinale-Eröffnung zu gehen. Tempelgebäuden, in denen Gottheiten angebetet werden, hat man sich ja ohnehin barhäuptig zu nähern und beim Betreten rituelle Handlungen durchzuführen.

Die rituelle Handlung beim Betreten von Filmfestivitäten besteht darin, sich auf dem roten Teppich fotografieren zu lassen. Man wird beim Namen gerufen oder auch angeschrieen, posiert und macht irgendwas. Meine Haltung dazu ist indifferent. Ich finde es weder schrecklich noch toll. Heute aber, ohne Mütze und zudem im unauffälligen schwarzen Anzug, bin ich komplett unsichtbar. Kein Fotograf schreit meinen Namen. Auch interessant. Eigentlich sogar besser. Vielleicht bleibe ich dabei. Oder komme morgen wieder im Muskelshirt und mit Federboa.

Heute wird die neue Berlinale-Chefin feierlich inauguriert. Sie heißt Tilda Swinton. Letzteres ist eine gefährliche Falschinformation und muß bitte sofort als solche gekennzeichnet und bestenfalls auch gelöscht werden. Sie heißt vielmehr Tricia Tuttle und trägt damit denselben Namen wie der von Robert De Niro gespielte Untergrundklempner in Terry Gilliams Film “Brazil” von 1985, der mich umgehauen hat, als ich 20 war, und den ich bis heute feiere wie kaum einen anderen Film. Zumindest trägt sie denselben Nachnamen, sonst würde sie mit Vornamen Harry heißen, und auch das wäre eine gefährliche Falschinformation, gegen die ich mir ein entschlossenes Vorgehen von staatlicher Seite wünsche, denn Falschinformationen im Internet gefährden unsere Demokratie.

Um unsere Demokratie geht es bei der Eröffnungsgala nur am Rande. Ich hatte mich auf eine solide 80-Minuten-Breitseite aus Politiker:innengrußworten eingestellt, aber irgendwie hat Tricia Tuttle, die nicht Harry heißt, einen Weg gefunden, dieses Element, das kein Mensch braucht und niemand hören will, einfach wegzulassen. Daher ein Kompliment an die neue Chefin. Vielleicht hat sie mit der Länge des Eröffnungsfilms argumentiert, der solide 160 Minuten dauert, wie Tom Tykwer, als er die Bühne betritt, so ganz nebenbei fallenläßt, und er klingt dabei ein bißchen wie ein Vater, der selber ganz erstaunt ist, was sein Kind für eine große Sandburg gebaut hat. Jedenfalls geht bei dieser Information, so scheint es mir zumindest, ein stilles kollektives nach-Luft-Schnappen durch den Raum.

Berlinale-Eröffnungsfilme sind wie fast alles im Leben manchmal gut und oft grauenvoll. Vornehmster Zweck eines Berlinale-Eröffnungsfilms ist: Stars. Egal wie und woher. Das hat dann schon zu Katastrophen geführt wie beispielsweise einem Film namens “Snow Cake”, in dem Sigourney Weaver eine Person mit geistiger Behinderung spielt, die einen Kuchen aus Schnee backt, der daraufhin im Eisfach aufbewahrt werden muß, damit er sich hält, wenn ich mich recht erinnere. Dieser Film war grauenvoll, auf den heutigen hingegen freue ich mich, denn egal, wie er ist, er ist auf jeden Fall besser als letzterer.

Vorher aber: Bierchen. Oder Wässerchen. Oder auch nicht, denn die Bar im Erdgeschoß hat seit 18:15 Uhr zu und schenkt nichts mehr aus. Gehen Sie nach oben, da gibt’s noch was. Die Bar oben hat dann aber auch nichts mehr. Na dann halt nicht. Oder doch, denn die Bar im Erdgeschoß verrät mir beim zweiten Anlauf, dass die Bar im zweiten Stock bis 18:30 ausschenkt. Sinn der Übung ist, dass die Leute den Saal betreten, anstatt sich stundenlang draußen zu betrinken. Das ist bestimmt sehr sinnvoll, und ich frage mich, wer sich das ausgedacht hat: Man schickt die Leute, die im Parkett sitzen sollen, erstmal zum Bierholen rauf in den zweiten Stock, damit sie dann pünktlich wieder runtergehen. Noch sinnvoller wäre eigentlich nur, die Getränke im Saal auszuschenken, aber das geht irgendwie nicht, wir sind ja schließlich nicht im Kino, wo jeder mit einem Bier in der Hand sitzt und sich berieseln läßt.

Mich erkennt weiterhin keine Sau, aber ich muß auch öfter mal zweimal hinschauen, denn alle, die ich kenne, sind im Zeitraffer gealtert. Ehemals jugendfrische Filmhochschulabsolvierthabende schleppen sich gebeugt am Stock einher, wirre graue Strähnen im Gesicht, gichtgekrümmt zitternde Hände umklammern Sektgläser, dünne Greisenstimmen sagen auf die Frage nach dem Befinden “muss, wir machen einfach immer weiter, haben jetzt wieder drei Projekte hier und da und noch woanders zu Förderung eingereicht” und klingen dabei wie Loriot als Opa Hoppenstedt.

Vermutlich ist es hier geboten, von anderen auf sich zu schließen, also muß ich davon ausgehen, dass ich selbst auf mein Umfeld ganz genauso wirke: Steinalt, gramgebeugt, Parkinson im Frühstadium, Altersstarrsinn, Wortfindungsstörungen. Ich treffe auf den geschätzten Regiekollegen Jan Schomburg, der exakt am selben Tag im selben Jahr zur Welt kam wie ich, und schlage ihm vor, nächstes Jahr gemeinsam 100. Geburtstag zu feiern. Seine Reaktion ist ein wenig zögerlich, vermutlich befürchtet er angesichts meines rapiden Verfalls, dass ich diesen Gebuststag gar nicht mehr erreichen werde und er dann die Bürde der hundert Jahre ganz allein schultern muss.

Wir werden in den Saal gebeten. Man soll um 18:45 Uhr seine Plätze eingenommen haben. Dann dauert es noch ca. 38 Minuten und dann geht es los. Desiree Nosbusch moderiert und sagt wohlgesetzte Worte über das Filmfestival als Ort der Begegnung mit anderen Weltbildern oder Meinungen und als Gelegenheit zum Gedankenaustausch und Zuhören und so weiter. Und ich mache es jetzt mal kurz und bin so frei: Natürlich ist das völliger Bullshit. Und man kann es förmlich spüren, wie hinter den Kulissen mit zusammengebissenen Lippen und knirschenden Zähnen gebibbert und gebetet wird, dass um Himmels Willen niemand irgendetwas konkret Politisches sagt, vor allem nicht Tilda Swinton, denn dann wäre der Abend augenblicklich gelaufen, im Eimer, am Arsch, perdü, kaputt, in Scherben, nicht mehr zu retten, Totalschaden.

Der sogenannte Nahostkonflikt ist mir persönlich keineswegs egal, aber solange ich zu diesem Thema nicht mindestens 50 Bücher gelesen, fünf Jahre dort gelebt und gute Freunde auf beiden Seiten habe, solange werde ich die Welt nicht mit einer Meinung dazu behelligen. Das tun schon genügend andere. Mein persönlicher Eindruck ist, dass mir da seit zwei Jahren auf jeder Schulter jeweils eine dick aufgeplusterte PR-Agenturkrähe sitzt, die mir mit ohrenbetäubender Lautstärke ins Ohr schreit, worüber ich jetzt entrüstet und empört zu sein habe. Die britische Kulturszene ist bekanntlich stramm pro Palästina, der deutsche Staat hingegen stramm pro Israel, man kann also mutmaßen was Tricia Tuttle, die weiterhin nicht Harry heißt, und Tilda Swinton, die weiterhin nicht Festivalpräsidentin ist, jetzt vielleicht gern verkünden würden (oder auch nicht, immerhin hat Tuttle im Lauf des Abends schon Israel als eins von vielen Ländern ganz normal erwähnt, was ja für manche Leute schon ein Skandal ist), wenn mamn jedenfalls wenn man die Eröffnungsredenrhetorik beim Wort nähme, dann könnte das doch ganz wunderbar ablaufen:

–Ich bin übrigens der Meinung, dass der Genozid im Gaza-Streifen ein Genozid ist und somit ein Menschheitsverbrechen und übrigens außerdem ein Genozid.
–Oha, interessanter Gedanke! Da gibt es sicher gute Argumente, aber ich tendiere eher zur Aufassung, dass die Hamas eine Mörderbande ist, die übrigens mit David Cunio, Hauptdarsteller des Panorama-Beitrags “Youth” von 2013, auch jemanden mit Berlinale-Verbindung seit nunmehr über zwei Jahren als Geisel gefangenhält, was hier aber offenbar keinen interessiert.
–Mensch, da sind wir ja durchaus unterschiedlicher Meinung, aber ist es nicht toll, dass wir hier einen Ort des freien und offenen Austauschs gefunden haben?
–Ja! Lass uns das feiern und weiter debattieren!

Dieses Gespräch wird nun leider überhaupt gar nicht stattfinden. Man könnte das zum Anlass nehmen, die eigene Rhetorik kritisch zu hinterfragen. Natürlich sind staatstragende Weihezeremonien wie die Berlinale eben gerade kein Ort des Diskurses, sondern Orte, an denen die jeweils herrschende Ideologie gefeiert und manifestiert wird, und an denen allenfalls eine Diskurssimulation innerhalb eng gesteckter Grenzen stattfindet. Das fällt nur meistens keinem auf, denn wenn man selber drinsteckt, ist Ideologie so unsichtbar wie Wasser für den Fisch. Aber der interessante Vorgang der letzten Jahre ist doch, dass die herrschende Ideologie bis zum Zerreißen gespannt wurde und dann irgendwie zerbrochen ist. Erst Corona, wo eine grandiose Absurdität auf einmal wie ein 16-Tonnen-Gewicht vom Himmel fiel, da waren anfangs nur sehr wenige anderer Meinung. Dann der Ukraine-Konflikt, in dem schon deutlich mehr Menschen sich weigerten, das plötzlich ausbrechende Kriegsgeschrei mitzumachen, und dafür in der öffentlichen Meinung immer noch scharf sanktioniert wurden. Und schließlich Israel/Palästina, wo der Staatsmachtkomplex des sogenannten westlichen Welt, also des amerikanischen Imperiums, mit erheblicher Diskursmacht klar für Israel ist, hingegen die Intellektuellen- und Kunst- und Onlinewelt mit ebenfalls erheblicher Diskursmacht zu Palästina tendiert. Wir stecken in einer Cancel-Culture-Zwickmühle. Zwei Boxer haben sich im Clinch verbissen und kommen nicht mehr raus aus der Nummer, und jeder hofft insgeheim, dass das Problem irgendwie von selbst erschwindet, und schreit währenddessen “Antisemit” beziehungsweise “Genozid”.

Edward Berger hält also eine Laudatio auf Tilda Swinton und sagt, dass sie auf den Vornamen “Tilda” kraft ihrer Starpower quasi ein weltweites Monopol innehat. Da möchte ich aufspringen und widersprechen, denn es gibt da noch die Zeichentrickserie “Tilda Apfelkern”, der man nicht entkommt, wenn man Kinder in einem gewissen Alter hat, und die dann deutlich mehr Raum im eigenen Kopf einnimmt als Tilda Swinton. Das lasse ich lieber, obwohl es nichts zum Nahostkonflikt und somit eigentlich harmlos wäre. Dann kommt Tilda Swinton und hält eine feurige Rede über ich weiß nicht was genau, ich habe da ein gewisses Phantomgefühl, so als würde sie in einem flammenden Plädoyer den Namen des Angeklagten weglassen, aber vielleicht ist das nur mein Gefühl.

Dann also der 160-Minuten-Eröffnungsfilm von Tom Tykwer. Danach Party. Auf der Treppe treffe ich eine Produzentin, die sagt, sie sei irgendwann aus der Werbung weggegangen, weil da die Kunden jedes Detail diktiert hätten, und zum Spielfilm, und dort sei es jetzt mit Netflix & Co genau so. Ich für meinen Teil habe gerade den größeren Teil eines Films komplett ohne Geld abgedreht, ein paar Tage fehlen noch, und es war die beste Erfahrung seit sehr langer Zeit, einen Film einfach zu machen, ohne zwanzig Gremien und Sender und diesen ganzen ungeheuren Apparat, durch dessen Entscheidungsdschungel man jedesmal jahrelang watet wie durch Sirup, um Erlaubnis zu fragen. Ob das ein nachhaltiges Modell für den Rest meines Berufslebens ist, vermag ich nicht zu sagen, aber dennoch ende ich hiermit auf dieser positiven Note. Morgen mehr, wenn etwas Erwähnenswertes passiert.

Im Januar 2023 fragte mich die ZEIT, ob ich mich mit einem kurzen Text an einer Seite zum Thema „Selbstkritik nach der Corona-Zeit“ beteiligen wollte. Ich wollte. Im folgenden mein Beitrag. Der Rest findet sich hier.

Ein paar Gedanken zum sogenannten Fall Til Schweiger

Der folgende Text erschien ursprünglich am 31.5.2023 in der WELT.

Vor vielen Jahren fand ich in meinem Keller ein altes Exemplar der Bildzeitung. Es stammt vom 14. August 1969. Schlagzeile des Tages war Ermordung von Roman Polanskis hochschwangerer Ehefrau Sharon Tate sowie vier anderer Menschen. Die Überschrift dazu lautet “Die Henker von Hollywood kamen vor dem ersten Drink”. Oben ist ein Foto von Polanski und Tate, darunter steht “Ihr Leben war Liebe, Extase, Arbeit und Rausch”. Neben dem Text steht ein Bild von Sharon Tate in lasziver Mona-Lisa-Pose und dazu die Bildunterschrift “Ich brauche Sex, immer wieder Sex.” All das ist im historischen Abstand irgendwie lustig, aber vor allem ist bemerkenswert, dass der angeblich ausschweifende Lebensstil der Getöteten das Interessanteste an dieser Mordtat zu sein scheint – fast so, als sei der Mord die gerechte Strafe für das Wälzen im babylonischen Sündenpfuhl.

Aber sind wir doch mal ehrlich: Wir wissen doch alle, dass die beim Film es mit der Moral etwas lockerer nehmen, gerne feiern (mit anderen Worten: saufen), in häufig wechselnden Konstellationen in die Kiste hüpfen, dass Regisseure außerdem Despoten sind und, wenn es ganz schlimm kommmt, sexuelle Dienstleistungen von Schauspielerinnen verlangen. Genau wie man übrigens weiß, dass die Modebranche von dürrgehungerten Hexen beherrscht wird, die nach Feierabend kleine Kinder schlachten, dass in Restaurantküchen herumgebrüllt und zwischendurch gekokst wird, und was Rockmusiker so tun, das weiß man ja ohnehin. Man weiß zwar nicht, woher man all das weiß, aber man weiß es halt.

Es waren vielleicht derartige Stereotypen, die dem Stummfilmkomiker Roscoe (genannt “Fatty”) Arbuckle vor hundert Jahren zum Verhängnis wurden. Arbuckle war seinerzeit einer der ganz Großen, er hatte zudem einen Ruf als feiner Kerl, doch das half ihm nicht, als auf einer Party, deren Gastgeber er war, eine Schauspielerin zusammenbrach und kurz darauf verstarb. Sie war einschlägig vorerkrankt und dem Alkohol zugeneigt, es war ein unglückliches Zusammentreffen, doch die Boulevardpresse schoß sich auf Arbuckle ein, unversehens stand er als Vergewaltiger und Totschläger am Pranger, nichts davon stimmte, er wurde freigesprochen, aber egal, Freunde wurden gedrängt, sich zu “distanzieren” was sie selbstverständlich auch taten, nur Buster Keaton hielt zu ihm, doch Fatty Arbuckles Ruf war ruiniert und seine Karriere im Eimer. Das Ressentiment gegen Hollywood steigerte sich im Zuge dieser Affäre zur moralischen Hysterie, die schließlich zum “Production Code” führte, einem Regelsystem, in dem festgelegt war, was alles nicht gezeigt werden durfte, und der bis in die 50er Jahre galt (z.B. Küsse nur im Stehen, nicht im Liegen).

Für die Filmkunst war das vielleicht sogar gut, absurde Regeln spornen ja die Kreativität an, aber trotzdem muß man sich fragen, warum gerade die Branchen, die für Freizeitgestaltung zuständig sind, oft im Fokus eines solchen Ressentiments stehen – oder vielleicht ist das auch klar: Wer dort arbeitet, wo andere sich amüsieren, der könnte mehr Spaß haben als ich, und das darf ihm nicht gegönnt werden. Der zweifelhafte Ruf, den Filmschaffende, Skilehrer und Modemagazinchefinnen genießen, kommt bestimmt zum Teil aus diesem Neid, und ähnliches gilt möglicherweise über die Schauergeschichten von schlimmen Arbeitsbedingungen am Filmset, die alle paar Jahre hochkochen. Was wiederum nicht heißt, dass es all das nicht wirklich gäbe. Ein Klischee wird ja nicht ganz aus Versehen zum Klischee. Ich staune immer wieder über Geschichten von Kollegen, die sich spektakulär danebenbenehmen, Drehzeiten überziehen und ihre Produzenten in millionenschwere Pleiten reiten. Ich würde mich das schlichtweg nicht trauen. Ich würde es auch nicht wollen. Andererseits bin ich immer etwas skeptisch, was den Wahrheitsgehalt solcher Geschichten angeht, genauso wie ich skeptisch bin, wenn die Bildzeitung schreibt, dass Sharon Tate immer wieder Sex braucht.

Es gibt da nämlich eine Tugend namens “Medienkompetenz”: Was in der Zeitung steht, ist zunächst eine Zeitungsmeldung. Leider neigen die Leute aber nicht so sehr zur kritisch hinterfragenden Medienskepsis, dafür aber sehr zur Massenhysterie, die stets hinter einer Fassade aus empörtem Moralempfinden einen Kern aus Niedertracht enthält und die stets medial losgetreten und befeuert wird, Fatty Arbuckle kann kein Lied mehr davon singen, weil er zehn Jahre nach dem erwähnten Vorfall an Herzversagen starb, insofern wunderte es mich kein bißchen, dass nach dem Til-Schweiger-Rundumschlag im “Spiegel” allerhand Menschen aus der Filmbranche sich empört-emotional echauffierten, so gehe das jetzt aber wirklich nicht weiter, bis hin zur Kulturstaatsministerin, für die ein vorwurfsvoller Text in der Bildzeitung, ach nein, Verzeihung, im “Spiegel”, offenbar auch schon Anklage und Urteil im praktischen Vorteilspack darstellt, weitere Beweisaufnahme unnötig.

Ich kenne Til Schweiger nicht persönlich. Seine Filme erreichen regelmäßig ein Millionenpublikum. Ich muß sie deswegen nicht gut finden. Ich muß ihn deswegen nicht doof finden. Die Welt ist groß genug für uns beide. Mit anderen Worten: Er ist mir weitgehend egal. Ich fand es anerkennenswert, dass er zu Corona-Zeiten seiner Skepsis Ausdruck verliehen und sich dafür von der versammelten Oberlehrerschaft der deutschen Presse maßregeln lassen mußte. Es kann sein, dass er ein massives Alkoholproblem hat. Dann wäre Therapie eine gute Idee. Was hingegen nicht sein kann, ist, dass er für sämtliche Fehler und Pannen, die an seinen Sets passieren, persönlich haftet. Aber das will uns der Text im “Spiegel” unter anderem weismachen. Vielleicht liegt das daran, dass die wenigsten Nichtfilmleute wissen, wie ein Filmset eigentlich funktioniert. Es ist mythenumrankt. Aufklärung muß her. Im folgenden also ein Versuch.

Dreharbeiten sind eine rätselhafte Welt. Ein Filmset hat etwas, das ein Büro nicht hat: Aura. Wessen Herz nicht aus Beton besteht, der bemerkt die Magie, die hier waltet. Man findet diese Aura auch am Theater, in Musikstudios und Backstageräumen, in Ateliers und Galerien. Hier wird Kunst produziert, also ein irrationaler Mehrwert, den wir nicht völlig erklären können. Daher die Anziehungskraft solcher Orte. Viele wollen hier arbeiten, und viele wollen nie mehr in einen Bürojob, wenn sie mal hier waren. Filmdrehs sind Abenteuer. Wir werfen Gepäck und Technik auf die Ladefläche, fahren in die Walachei und machen etwas Verbotenes. Sogar in der routiniertesten Folge Großstadtrevier steckt ein Funken von diesem Abenteuergeist, und wenn der mal weg ist, dann kann man auch gleich im Großraumbüro anfangen.

Andererseits sind Filmdrehs straff durchorganisiert. Jede Abteilung hat ihre eigene Hierarchie und ihre eigenen Rituale. Über allem schwebt der Produzent. Er engagiert den Produktionsleiter, der wiederum das Team anheuert und über dessen Tisch alles Finanzielle geht. Der Herstellungsleiter macht die Verträge und die Versicherungen. Der erste Aufnahmeleiter koordiniert den praktischen Drehablauf und verhandelt z.B. mit den Vermietern der Drehorte. Der Regieassistent ist nicht etwa Assistent des Regisseurs, sondern Herr über die zeitliche und räumliche Organisation von allem, was irgendwann irgendwie vor der Kamera auftauchen soll. Die beiden letztgenannten erstellen das zentrale Dokument für jeden einzelnen Drehtag, die Disposition, abgekürzt Dispo. Sie wird abends ausgeteilt, und viele lesen nur die obere linke Ecke des ersten Blattes, in der steht, wann sie am nächsten Morgen anfangen müssen. Daher hat sich in Anlehnung an den Slogan eines bekannten Nachrichtenmagazins der Spruch “Dispo-Leser wissen mehr” eingebürgert. Ein anderer beliebter Setspruch lautet “Arbeit ist die wärmste Jacke”. Wieder ein anderer “Augen auf bei der Berufswahl”. All diese Sprüche sind nachweislich richtig. Zurück zur Set-Soziologie: Der Set-Aufnahmeleiter, genannt Set-AL, kommt morgens als erster und geht abends als letzter. Er klärt, wo die Autos parken, wo man Mittagspause macht und durch welches Fenster die Beleuchter an welche Steckdose dürfen. Das klassische Praktikum am Set passiert üblicherweise bei der Aufnahmeleitung. Wenn man mal sechs Wochen lang jeden Tag Absperrhütchen durch die Gegend gewuchtet und Brötchen herumgetragen hat, kann man besser einschätzen, ob der eigene Enthusiasmus für eine Laufbahn beim Film ausreicht.

Der Kameramann ist oft eine Frau, also öfter als z.B. der Oberbeleuchter, aber weniger oft als die Maskenbildnerin. Er oder sie sagt dem Oberbeleuchter, wie er oder sie das Licht gern hätte, daraufhin schickt der Oberbeleuchter seine Jungs (selten Mädels) los, und sie holen ihr Equipment aus einem oder zwei oder auch zwanzig LKWs. Das reicht von der Taschenlampe bis zum riesengroßen 18kW-Scheinwerfer mit armdickem Stromkabel. Was die Beleuchter hingegen nie im Gepäck haben, ist ein 12 mal 12 Meter großes Segel, wie es sich im SPIEGEL-Text dramatisch losreißt und über den Köpfen der Menschen wild herumflattert. Da hat jemand Meter mit Fuß verwechselt und nicht lang nachgedacht, wie man um Gottes Willen ein 144 Quadratmeter großes Segel aufbauen oder windsicher befestigen will. Wieder eine ganz andere Abteilung ist das Szenenbild. Deren Arbeit ist schon getan, wenn das restliche Team anrückt, denn da muß das Set ja stehen, also die Wohnung eingerichtet oder die Kulisse gebaut sein. Statthalterin der Abteilung am Set ist die Innenrequisiteurin (kann auch ein Mann sein), deren Name insofern irreführend ist, als dass sie nicht nur in geschlossenen Räumen, sondern auch draußen arbeitet. Ihr Kollege, der Außenrequisiteur, ist nicht am Set, sondern halt “außen”, er besorgt die Requisiten. Die Maskenbildner haben zumeist eine Friseurausbildung und zählen damit zu den wenigen Leuten am Set, die etwas anständiges gelernt haben. Außerdem haben sie im Maskenmobil ihr eigenes Reich, in dem die Schauspieler morgens erstmal verschwinden, und die Wichtigkeit der Atmosphäre, die hier herrscht, kann man kaum unterschätzen. Die Kostümbildnerin (ich habe in dem Job noch keine Männer gesehen, aber es gibt sie) und ihre Assistentinnen suchen nicht nur die schöne Anziehsachen aus, sondern leisten Schwerarbeit, die man leicht unterschätzt, Kleidung wiegt nämlich nicht wenig, und alles, was Schauspieler am Körper tragen, wird nach Drehschluß gewaschen. Unterm Strich: Viel Schlepperei. Je nach dem Bedarf gibt es am Set dann auch noch Hundetrainerinnen, Katzenbeaufsichtiger, Stuntleute, Pyrotechniker, Automechaniker und natürlich den Caterer, der fürs Essen zuständig ist. Der ist in gewisser Weise ist er die wichtigste Person am Set. So wie jeder andere auch. Man kann nämlich auf keinen verzichten. Deswegen sind sie ja alle da.

In Hollywood ist gewerkschaftlich geregelt, wer was zu tun hat. Niemand darf einen Gegenstand anfassen, der nicht in die Zuständigkeit seiner Abteilung fällt. In Europa ist man lockerer und packt auch mal bei den Kollegen an. Ich war mal zweiter Kameraassistent bei einem Film, der auf einem Bauernhof um die vorletzte Jahrhundertwende spielte. Auf dem Hof liefen dicke weiße Hühner herum. Das waren aber moderne Hühner, daher hatten die Ausstatter zusätzlich historisch korrekte Hühner besorgt, die schlank und braun waren. Diese diversen Hühner liefen nun harmonisch gackernd durcheinander auf dem Hof herum, also mußten vor jedem Take die dicken weißen Hühner aus dem Bild und die schlanken braunen Hühner ins Bild gescheucht werden. Bei solchen Aktivitäten ist am Set jeder herzlich eingeladen, sich zu beteiligen, gern auch die Regisseurin (kann auch ein Mann sein). Die haben wir bisher noch gar nicht erwähnt. Sie sitzt irgendwo zwischen all den Leuten am Set und ist theoretisch Chef von allen. Idealerweise hat er oder sie auch mal das eine oder andere Praktikum gemacht und weiß, was die Kameraassistentinnen und AL-Assis so alles tun. Oft hat sie das aber nicht, und oft weiß sie (er) nicht so genau, was er (sie) selber will. Exzessive Drehtage von 18 Stunden entstehen leider oft dadurch, dass Regisseur/innen nicht wissen, was sie wollen. Bei Hochschuldrehs ist das im Grunde die Regel. Man muß das auch verstehen – es geht ja nicht nur darum, das im Drehbuch enthaltene Ideenpaket (wer ist wer und wer will was von wem) einigermaßen unfallfrei und verständlich ins Bild zu bringen, es soll außerdem noch ästhetisch ansprechend und künstlerisch originell sein. Und da stehen dann 30 oder 50 Leute, schauen dich an und wollen wissen, was Sache ist und ob sie heute abend pünktlich nach Hause kommen. Regie-Muffensausen ist Berufskrankheit. Ich selber wurde davon geheilt, als ich in den nuller Jahren Regieassistent bei Musikvideos war. Da verbrannte man an einem einzigen Drehtag ein fünfstelliges Budget, die Tage dauerten 16 Stunden, und der Regisseur war ein impulsiver Überzeugungstäter, der jeder spontanen Eingebung folgte und sich fortwährend im Ton vergriff. Trotzdem war es eine schöne Zeit, und es entstanden Klassiker wie z.B. das Video zu Rammstein “Amerika”, auf Youtube mittlerweile 178 Millionen mal abgerufen. Da stehe ich gegen Ende mit einem Megafon im Bild und habe längere Haare als heute. Nach diesen in jeder Hinsicht krawalligen Drehs, bei denen ich permanent kommandieren und agieren und reagieren mußte, war mir jegliche Angst abhanden gekommen, aber irgendwann war mein Bedarf an Anpflaumerei gedeckt, und außerdem wollte ich ja selber Regisseur werden, was der Firma, die die Videos produzierte, aber egal war, also ließ ich die Musikvideoregieassistenz wieder bleiben und drehte an der Filmhochschule meinen Abschlußfilm. Danach kamen Kinofilme und Tatorte und kleine Musikvideos mit viel Freiheit für wenig Geld. Sich als Regisseur anständig aufzuführen halte ich für eine Frage des Anstandes, auch wenn mir klar ist, dass ich mir mit Schreiexzessen, impulsiven Planänderungen und sonstigen Skandalen viel leichter einen Platz in der Filmgeschichte sichern könnte.

Ich mag so etwas aber auch deswegen nicht, weil ich es von der anderen Seite erlebt habe. Bei dem erwähnten Film mit den Hühnern war mein direkter Chef, der erste Kameraassistent, nämlich ein ausgemachter Depp. Ich kann das leider auch im Abstand von 25 Jahren nicht freundlicher sagen. Ich wurde jeden Tag aufs Neue angeschnauzt, gemaßregelt und runtergemacht. Ich wurde dadurch nicht etwa besser in meinem Job, sondern im Gegenteil schlechter. Man hat dauernd Angst, etwas falsch zu machen, und verliert mit dem Selbstvertrauen auch den Überblick. Der Kameraassistent, bei dem ich zuvor gelernt hatte, war auch manchmal ruppig, aber dabei immer loyal. Für ihn hatte ich gern gearbeitet. Für den danach nicht. Ich war heilfroh, als der Dreh vorbei war, aber ich fühlte mich, als hätte man mich wochenlang geohrfeigt. Dieses autoritäre Niedermachen von Untergebenen war früher am Set tatsächlich üblich, gerade in der Kameraabteilung, aber das hat mit den Jahren nachgelassen, und diese Entwicklung begrüße ich sehr. Würde ich am Set mitkriegen, wie jemand seine Leute so behandelt, dann würde ich ihn beseitenehmen und mir diesen Ton verbitten.

Was ich jedoch nicht habe und was auch Til Schweiger nicht hat: Macht, dafür zu sorgen, dass irgendjemand nie wieder einen Job kriegt. Da wird gern geraunt, da raunt auch der SPIEGEL, die Leute hätten Angst, sich zu äußern, denn Schweiger sei ja so mächtig. Verzeihung, aber das ist Blödsinn. Ein Requisiteur oder eine Garderobiere arbeitet in erster Linie ihrer Abteilung zu. Ihr Chef ist die Szenenbildnerin oder der Kostümbildner, und wenn die beschließen, dass sie ihre Mitarbeiter auch zum nächsten Dreh mitnehmen, wo beispielsweise Tom Tykwer Regie führt, dann kann auch ein Til Schweiger wenig dagegen tun, selbst wenn er es wollen würde.

Was ich außerdem nicht zu bieten habe: Wilde Geschichten von Sauf- und Drogenexzessen am Set oder nach Drehschluß. Noch nicht mal bei den verschärften Musikvideodrehs in den nuller Jahren. Es gab Drehschlußbier. Man trank eins, dann ging man nach Hause und legte sich pennen, weil man im Eimer war. Vielleicht gab es hinter meinem Rücken Orgien. Kann sein. Mir wurde ja auch nie Koks angeboten, obwohl angeblich alle immer koksen, und zwar nicht nur beim Film, sondern überall. Möglicherweise findet man im SPIEGEL keine sensationellen Berichte über Kokainkonsum in deutschen Pressehäusern, weil da jeder über sich selbst schreiben müßte. Man hört da ja immer wieder so Geschichten. Kokain verwandelt Menschen in aufgeblasene Idioten. Sie werden manisch, unzugänglich für Gegenargumente, blind für Zwischentöne. Leute auf Koks monologisieren dich zu, stellen Fragen und reden dann weiter, ohne die Antwort abzuwarten. Sie sind sich unbeirrbar sicher, sie sind größenwahnsinnig und ein bißchen paranoid. Interessanterweise paßt diese Beschreibung gut auf viele journalistische Texte aus der letzten Zeit. Ich lasse das mal so stehen.

Zurück zum Set. Wenn nun der Regisseur nicht weiß, was er will, dann wird es vor allem eins: Teuer. Überstunden müssen nämlich bezahlt werden. Und zwar vom Produzenten. Der hat dann ein Problem, das ihn im Extremfall die Existenz kosten kann. Den Regisseur feuern wäre eine Lösung, aber rechtlich nicht so einfach, und dann braucht man umgehend einen anderen, denn aus irgendeinem Grund dreht man nicht ohne Regie, obwohl es möglich wäre und oft gar nicht auffallen würde. Insgesamt sind Produzenten also nicht zu beneiden. Sie kloppen sich um das schrumpfende Auftragsvolumen der öffentlich-rechtlichen Sender, und wenn sie darauf keine Lust mehr haben, können sie zu mehr oder weniger mafiösen Bedingungen für amerikanische Streamingdienste produzieren. Es herrscht enormer Druck, es soll viel gedreht werden, es soll toll und spannend und lustig und divers und feministisch und global verständlich sein. Und natürlich wird dieser Druck nicht selten an die Filmteams weitergegeben. Die bestehen aber nicht aus Sklaven, sondern aus freien, erwachsenen Menschen, deren Dienste außerdem knapp und gesucht sind. Will man hier die Bedingungen verbessern, dann hilft keine moralische Empörung über Til Schweiger, sondern die guten alten Methoden des Arbeitskampfes: Gewerkschaftliche Organisation, Verhandlung, Druck, im Zweifelsfall auch Streik. Ich bin sehr dafür, dass alle am Set fair und gern auch fürstlich bezahlt werden. Dass ein Filmset trotzdem ein Abenteuer ist, bei dem ein Tag auch mal länger dauern kann, wenn das Gewitter sich um zwei Stunden verschiebt und der Hundetrainer sich den Knöchel verstaucht, daran wird sich nie etwas ändern, und wer sich da beschwert, dem sei gesagt: Augen auf bei der Berufswahl. Und wenn gelegentliches Jammern auch zum Handwerk gehört, so ist man doch meistens stolz darauf, zu diesem Wanderzirkus zu gehören. Man kommt herum, man sieht die Welt, man trifft interessante Leute, jeder Tag ist anders.

Damit das aber nicht gar zu harmonieselig wird, hätte ich zum Ende doch noch eine handfeste Skandalgeschichte im Gepäck. Der erwähnte Dreh mit den historischen Hühnern war nämlich nicht nur für mich, sondern auch für andere Beteiligte unerfreulich. Das erfuhr ich 17 Jahre später, als ich zufällig der Hauptdarstellerin wiederbegegnete und sie mir erzählte, dass von ihren zwei männlichen Kollegen der Jüngere sie fortdauernd ins Bett kriegen wollte und der ältere Kollege sie nach Lust und Laune mobbte. Ich hatte es damals vor lauter Selbergemobbtwerden nicht mitbekommen. Und natürlich kenne ich nur ihre Seite der Geschichte. Also Vorsicht. Aber es scheint mir kein Zufall zu sein, dass in dieser Episode nicht die Regie im Mittelpunkt steht, sondern eben Schauspieler. Diese haben am Set nämlich deutlich mehr Zeit, sich Niederträchtigkeiten auszudenken und durchzuführen. Momentan prügeln alle auf den despotischen Regisseur ein, aber ich fürchte, das Aufkommen an Machtmißbrauch, das von Schauspieler*innen ausgeht, ist unterm Strich größer. Der hier beschriebene Me-Too-Horror wäre heutzutage wohl nicht mehr denkbar – wobei ich mich auch da frage, ob prominente Darsteller, wenn sie gerade “hot” und gefragt sind, sich nicht auch heute, in Zeiten von Compliance-Regeln und “Codes of Conduct”, bedauerlich viel leisten können. Ich habe zumindest den leisen Verdacht, dass all diese Versuche, etwas zu kodifizieren, das selbstverständlich sein sollte, nämlich gutes Benehmen, am Ende nach hinten losgehen, indem sie ein Klima von Angst und Petzerei schaffen, das vor allem dem Team die Arbeit vergällt, während ein paar überbezahlte Starflachpfeifen sich weiterhin nach Lust und Laune aufführen können, wie sie wollen. Und ich werde auch den Verdacht nicht los, dass ein guter Teil der Empörung, die ausgekippt wird, wenn es mal wieder jemanden erwischt hat, aus Freude darüber besteht, dass es einen nicht selbst erwischt hat. Das ist nur so ein Gefühl, aber wir wissen doch schließlich alle, wie die beim Film so drauf sind.

Schlechte Filme haben etwas von Propaganda. Sie zwingen jede Figur und jede Szene in den Dienst einer Message. Gute Filme können Widersprüche und Zwischentöne aushalten und geben jeder Figur ihr eigenes Leben. Bei journalistischen Texten ist es so ähnlich. Man kann offen in die Welt hinausspazieren und sie sich von verschiedenen Seiten anschauen. Oder man kann mit einer Agenda losziehen und Beweise dafür suchen. Der SPIEGEL-Text, um den es hier geht, scheint mir zur zweiten Sorte zu gehören. Selbst wenn faktisch alles stimmt, was da steht, bleibt es dennoch ein von Autoren geschriebener Text, der nicht mit objektiv vorhandener Wahrheit verwechselt werden sollte. Er rührt drei verschiedene Themen zusammen (Alkoholismus, Arbeitsbedingungen, Machtmißbrauch), er generalisiert Einzelereignisse zu Belegen für seine Kernthese, die er nirgends hinterfragt, er läßt garantiert auch einiges weg, das ihm nicht in den Kram paßt, das machen Journalisten nämlich besonders gern, und er tut damit genau das, was ein schlechter Film auch tut. Ich wünsche mir mehr Medienkompetenz, auch von unserer Kulturstaatsministerin, ich habe nämlich ein höchst ungutes Gefühl, wenn Repräsentanten der Staatsmacht Haltungsnoten an einzelne Künstler austeilen. So etwas hat in einer Demokratie nichts zu suchen. Kultur war in Westdeutschland nicht von ungefähr Ländersache, der Bund hatte da nichts zu melden. Die DDR hatte gewiss nicht nur schlechte Seiten, aber Kulturstaatsminister, die hämisch über Kulturschaffende herziehen, nachdem diese in der Presse zum Abschuß freigegeben wurden, hatten wir dort schon und brauchen wir nicht wieder. Ich sollte als Regisseur am Set auch nicht über einzelne Leute herziehen, egal was diese verbrochen haben. Ich sollte noch nicht mal vor versammelter Mannschaft ein Urteil fällen. Öffentliche Verurteilung einzelner Grupenmitglieder aus einer Machtposition heraus ist nämlich auch schon Mobbing. Mit anderen Worten: Machtmissbrauch. Und den wollen wir nicht, da sind wir uns doch alle einig. Sei nett am Set, mißtraue den Klischees und halte dich fern von Massenhysterien. Mit dieser Haltung bin ich bisher gut gefahren und gedenke das auch weiter zu tun.

Kürzlich kopierte ich einen Beitrag von X-ehemals-Twitter, in dem sich jemand anläßlich der jüngsten AfD-Wahlerfolgen Gedanken zum Umgang mit selbiger machte, und teilte ihn auf Facebook. Es folgten rege Diskussionen, wobei ich die Kommentare auf Facebook nie besonders gewissenhaft verfolge, und danach machte ich mir selber nochmal ein paar Gedanken zum Thema. Hier sind sie.

Es ging (wie gesagt) um den Umgang mit der AfD.
Geschrieben hatte das jemand, dem die ritualisierte Anti-Nazi-Empörungspose der letzten Jahre zunehmend sauer aufstieß.
Wenn man fertig ist mit Empören und kurz Luft holt, wird man nämlich mit Blick auf die Wahlergebnisse feststellen, dass Demos und Omas und sonstwas gegen Rechts am Ende nichts bewirken. Eher im Gegenteil. Das ganze sieht mir immer mehr aus wie ein abgekartetes Spiel, bei dem die Rollen und Interaktionen von vornherein feststehen. Im Theater ist das sehr schön, in der Realität ermüdend. Oder wollt ihr das selber? Eure immergleiche Rolle in einer Tragikomödie spielen, bei der man den Ausgang sowieso schon kennt? Riesengroße Demo gegen rechts, und dann gewinnt die AfD?

Man kann bei allem, was man tut, zwei Fragen stellen:
–Ist es moralisch geboten?
–Bewirkt es das, was ich bewirken will (also Gutes)?
Gesinnungs- bzw. Verantwortungsethik nennt sich das. Den Deutschen wird oft nachgesagt, sie neigten zu ersterem. Mag sein. Ich bevorzuge letzteres, denn die schönste Gesinnung nützt nichts, wenn ich am Ende damit nichts oder sogar Schlimmes bewirke.

Im konkreten Fall (AfD) kann man also immer lauter und immer schriller „Nazis!“ schreien und immer steilere historische Vergleiche bringen, man kriegt dafür garantiert Applaus von der eigenen Bubble, man ist „aufrecht“ und zeigt „Haltung“ (ironischerweise zwei Wörter mit einer stolzen rechten Tradition), aber wenn die vermeintlichen oder echten Nazis dann trotzdem Wahlen gewinnen, dann sollte man vielleicht das eigene Handeln kritisch hinterfragen. Und auch die eigene Gesinnung und auch das eigene Verhältnis zur Idee von Demokratie. Letztere ist nämlich, dass die Staatsgewalt vom Volke ausgeht, das seinen Willen in Wahlen und Abstimmungen kundtut. Was wäre denn, wenn eine signifikanter Anteil der Leute nun mal Sachen will, die ihr schlimm findet? Beispielsweise weniger CO2-fokussierte Klimapolitik, strenger kontrollierte Migration und kritische Aufarbeitung der Corona-Crazytimes? Sind das alles Nazithemen, die man nicht mit der Feuerzange anfassen darf? Wollt ihr die Wähler, die das wollen, also alle verbieten? Ausbürgern? Einsperren? Oder was genau ist eure demokratische Idee dazu?
Mehr Aufklärung?
(Wenn ja: Wann habt ihr das letzte Mal eure Meinung fundamental geändert, weil jemand euch erst beschimpft und dann „aufgeklärt“ hat?)
(Und Einsperren wolltet ihr Ungeimpfte ja sowieso schon, das wäre also gar nicht so weit hergeholt.)

Zu ersterem, also zur Gesinnung: In ganz Europa sind sogenannte rechtspopulistische Bewegungen im Aufwind. In vielen Ländern sind sie deutlich stärker als bei uns. Das ist ein Phänomen unserer Zeit, das meines unmaßgeblichen Erachtens damit zu tun hat, dass Regierungen in allen westlichen Ländern in ihren Entscheidungen seit Jahrzehnten nicht die Interessen des kleinen Mannes bedienen, sondern ausschließlich (!) die von Reichen und Konzernen. Das ist empirisch belegt. Und man merkt es im Alltag: Bis irgendwann in die 80er oder 90er wurde das meiste im Leben immer einfacher, bequemer und preiswerter. Diese Entwicklung kam irgendwann zum Stillstand, und seitdem wird es immer komplizierter, anstrengender und teurer. Das, was einem erzählt wird, läßt sich immer weniger mit der eigenen Lebensrealität in Deckung bringen. Unvornehm ausgedrückt: Man fühlt sich verarscht. (Die Politik wäscht ja gern ihre Hände in Unschuld, das sind hochkomplexe globale Prozesse, da läßt sich leider überhaupt nichts machen, aber das halte ich für, Verzeihung, Bullshit. Die Politik könnte so einiges, wenn sie wollte, aber Geld regiert nun mal die Welt, altes linkes Lieblingsthema, isso.)

Gleichzeitig sitzt in den Großstädten eine saturierte Bürgerschicht auf gut bezahlten Jobs (und zwar sehr oft öffentliche Hand/Ö.-R. Medien/Stiftungen/NGOs/etc.), produziert dort im Grunde nichts als Ideologie und erfreut sich der alleinigen Deutungshoheit über das Weltgeschehen. Außerdem besitzt diese Schicht die Allzweck-Wunderwaffe, um jeglichen Dissens zum Schweigen zu bringen: Den Nazi-Vorwurf. Wer nicht unserer Meinung ist, der ist rechts. Und das klappt in Deutschland natürlich besonders gut.

Wir sind hier aber nicht in der Weimarer Republik, die unter Kriegsschuld und Reparationen und Nationalismus ächzte und nie eine Chance hatte. Eure schöne Anti-Nazi-Gesinnung will euch keiner wegnehmen, aber sie ist schlicht nicht das geeignete Werkzeug, um den heutigen Rechtspopulismus zu verstehen oder zu bekämpfen. Und das ständige Gleichsetzen aller möglicher Sachen, die euch nicht passen, mit historischen Naziverbrechern – dieses Schwert wird immer stumpfer.
Nochmal zum Mitschreiben:
ES NUTZT SICH AB.

Und ich kann euch auch genau sagen, wann dieser Bogen überspannt wurde: Im Frühjahr 2020.

Ich muß das nicht alles nochmal aufrollen, aber wenn auf einmal elementare Grundrechte einkassiert werden, der Staat mit beispielloser Härte durchregiert und jeder, der Zweifel äußert oder gar dagegen ist, als „rechts“ diffamiert wird, dann stimmt da etwas ganz gewaltig nicht. Mir konnte bis heute keiner erklären, was daran inhaltlich rechts gewesen sein soll, die Corona-Maßnahmen zu hinterfragen. (Die AfD war ja übrigens im Januar/Februar, als alle anderen noch abgewiegelt haben, sehr FÜR Maßnahmen und schwenkte dann um 180°.) Im Nachhinein stellt sich immer mehr heraus, dass die Maßnahmen möglicherweise zur Gänze sinnlos waren, zumindest aber nicht wissenschaftlich geboten, sondern politisch gewollt, siehe RKI-Protokolle (und Schweden hat ohne Maßnahmen weniger Sterblichkeit als Deutschland etc. etc. etc. an nauseam).
Wenn das nun so ist und Maßnahmenkritik tatsächlich “rechts” gewesen wäre – dann hätten die Rechten ja recht gehabt! Oh Gott! Oh Schreck! Kann also nicht sein. Zumindest wenn man sich den Kopf, der ja rund ist, damit das Denken die Richtung ändern kann, in ein viereckiges Betongefängnis eingemauert hat.

Oder war Maßnahmenkritik am Ende doch nicht rechts und auch nicht links, sondern einfach sinnvoll und oft berechtigt?
Hätte man dann Leuten fälschlicherweise den Maximalvorwurf an den Kopf geworfen?
Das wäre ein bißchen doof, oder?
Daher: Es ist vorbei. Ich habe den maximalen Shitstorm mitverursacht und überlebt, ich bin immer noch da, ich würde es wieder tun, denn es war sehr berechtigt, und es war ungefähr so “rechts” wie Pumuckl oder der Weihnachtsmann. Wenn jetzt mal wieder irgendwer ankommt und Geschrei macht, weil ich Gemüse anbaue oder Papierflieger falte oder irgendwas auf Facebook schreibe und angeblich deswegen “rechts” bin, dann kann ich mich nur noch totlachen. Fuck off. Die Masche zieht nicht mehr. Komm mir gefälligst inhaltlich oder zieh Leine, du Fascho.

Genug davon und noch zu etwas anderem. Ich habe vor bald zehn Jahren den Film “Heil” gedreht. Er handelte von zwei Dingen: Nazis und den übrigen Deutschen. Ich hatte nämlich schon immer das Gefühl, dass eine NS-Aufarbeitung, die sich nur um “Gedankengut” dreht, zu kurz greift. Inhalte sind nämlich leicht austauschbar. Und ich beobachtete schon damals seit geraumer Zeit, dass auch Linke und Halblinke und alle möglichen Leute sich vor allem im Internet in einer Weise aufführten, die mich sehr unangenehm berührte. Es ging immer gleich an die Person, es wurde immer gleich mit Bloßstellung und Vernichtung der Existenz gedroht, man war immer ganz und gar im Recht. Genug Material für einen Film, der dann leider immer aktueller wurde.

So wie es Gesinnungs- und Verantwortungsethik gibt, so gibt es in der Kommunikation die Sach- und die Beziehungsebene. Es gibt den Inhalt und die Struktur. Wenn ich dich ins Gesicht schlage, weil da eine Mücke sitzt, die eine tödliche Krankheit überträgt, dann habe ich dir damit vielleicht das Leben gerettet. Das wäre die Sachebene. Sie kann stimmen oder nicht. Es bleibt die strukturelle, die Beziehungsebene: Ich habe dich ins Gesicht geschlagen. Das ist erstmal so.

Sehr viele Menschen haben die letzten Jahre als einen fortwährenden Schlag ins Gesicht erempfunden. Die Struktur dessen, was da geschehen ist, war eindeutig und bekannt von autoritären Regimes: Ausgangssperren, Kontaktverbote, Überwachung, Strafen, Drohungen, Zugangsbeschränkungen, Ausweispflicht und so weiter. Das hat objektiv stattgefunden. Auf der Sachebene wurde es legitimiert mit der Erzählung vom tödlichen Virus. Ich finde es immer noch bemerkenswert, dass für viele Leute diese Erzählung ausreicht, um all die obengenannten Dinge komplett zu neutralisieren. Da kann die Polizei noch so sehr auf wehrlose ältere Damen einprügeln, die das Grundgesetz in die Höhe halten – es ist für den guten Zweck und gegen das Virus und außerdem gegen Rechts. So geht Gesinnungsethik.

Und so bringt man die AfD zu Wahlerfolgen. Das war zumindest mein erster Gedanke. Ich habe 2013, als noch niemand von “Willkommenskultur” sprach, warme Klamotten eingesammelt und eigenhändig in Erstaufnahmestellen gefahren. Es ergab sich, weil eine iranische Freundin dort dolmetschte und von allgemeinem Mangel berichtete, also tat ich etwas (und das war dann wohl Verantwortungsethik). Ich dachte 2015 trotzdem: Könnt ihr ja machen, aber dann habt ihr halt bei der nächsten Wahl 15% AfD im Bundestag. So kam es dann auch. Und ich dachte 2020, als der Corona-Wahnsinn losbrach: Könnt ihr ja machen, aber dann werden es halt 20% AfD. Da lag ich zunächst falsch. Könnte aber noch passieren. (Die iranische Freundin wurde dann übrigens auch scharfe Maßnahmenkritikerin und sieht die derzeitige Migration mit gemischten Gefühlen.)

Die interessante Frage ist also nicht die, wie gesichert oder ungesichert rechtsextrem die AfD ist (na sicher findet man da üble Neonazis), sondern was für Anliegen es sind, die zu diesen Wahlergebnissen führen, und ob diese Anliegen per se unredlich sind, und warum keine andere Partei sich dazu herbeiläßt, diese Lücke zu schließen. Und ich frage mich mehr und mehr, was aus einer Gesellschaft werden soll, die sich den Kopf immer mehr zumauert. Auf allen Gebieten, ob Umwelt-, Gesellschafts-, Verkehrs-, Migrations- oder Gesundheitspolitik, gibt es im Grunde nur eine Haltung, die man einnehmen muß, wenn man nicht vom Polit-Medien-Literaturbetriebs-Feuilleton-Musikbranchen-Öffentliche-Meinungszirkus als “rechtslastig” benaserümpft werden will. Gleichzeitig wird der Widerspruch immer lautstärker und ärgert die Mächtigen immer mehr, was man z.b. daran sieht, dass die Grünen jetzt die Plattform, die ich immer noch Twitter nenne, gern verbieten möchten. Und in persönlichen Gesprächen merkt man immer mehr, dass viele Leute die Augen verdrehen und es ihnen irgendwann einfach egal ist, ob sie jetzt als “rechts” gelten. Mir zumindest ist es seit geraumer Zeit völlig egal, denn dieser Vorwurf hat mit Corona jegliche inhaltliche Berechtigung eingebüßt. Die Bruchstelle ist und bleibt diese Zeit, die ich weiterhin als Massenhysterie bezeichne und deren rückblickende Einschätzung sich allmählich doch immer mehr dem annähert, was ich weiterhin als Vernunft bezeichne. Da aber andererseits die kollektive Betonköpfigkeit gerade in diesem Punkt unermeßlich zu sein scheint, habe ich keine Ahnung, wie das weitergehen soll und was als nächstes kommt, außer weiteren Wahlerfolgen der AfD mit entsprechender medialer Begleitmusik, aber dazu habe ich jetzt wirklich genug gesagt.

(Ganz nebenbei noch: Völlig unklar ist ja generell die Frage, wie sehr der Verfassungsschutz eigentlich bei politischen Bewegungen, die der Staatsmacht gefährlich werden könnten, unter falscher Flagge selbst aktiv wird. Erwiesen, aber nicht wirklich aufgearbeitet ist das bei den 68ern: Peter Urbach, der die Studenten seinerzeit mit Waffen versorgte und zur Springer-Schlacht die Molotowcocktails mitbrachte, war ein V-Mann. Der Staat hat sich seine Feinde also selber inszeniert, um dann draufhauen zu können. Das „Celler Loch“ gehörte in dieselbe Kategorie. Aber auch bei rechten Parteien sind bekanntlich jede Menge V-Leute, man erinnere sich nur daran, woran das NPD-Verbotsverfahren scheiterte, und es wäre völlig naiv zu glauben, dass nicht auch bei der AfD genügend Verfassungsschutzagenten sitzen. Beeindruckend ist auch die Geschichte eines Mitgliedes der damaligen „Republikaner“, der sich immer mehr radikalisierte, irgendwann ein schneidiges Interview im „Playboy“ gab und die Demokratie in Frage stellte, später dann ein Rechtsrocklabel gründete und anscheinend die ganze Zeit beim Verfassungsschutz war (wobei die Beleglage hier nicht ganz so gut ist, man findet das nur hier bei Erika-Steinbach, und ich hätte gern mal jemanden, der das für mich zu Ende recherchiert). Man könnte also sagen, dass man zur AfD überhaupt nichts sagen kann, solange der Verfassungsschutz da nicht seine Leute abzieht. Ich sage auf alle Fälle, dass jegliche derartige Aktivitäten aufhören müssen, weil eine derartige politische Geheimpolizei in einer Demokratie nichts verloren hat und ein absolutes Unding ist.)

Ich hatte den brühwarmen Insiderbericht von der angesagtesten Geheimparty versprochen, dann kam was dazwischen, aber jetzt reiche ich ihn nach, und damit endet denn auch mein diesjähriger Berlinale-Blog. Die Berlinale dauert zwar zehn Tage, aber nach dem siebten ist die Luft raus, zumindest bei mir, der Rest ist Schweigen, nächstes Jahr geht es weiter oder auch nicht.

Also: Veranstaltet wird die Party aller Partys von einem Schauspieler. Nennen wir ihn XY. Wer sich mit XY gut stellt, der erfährt im Lauf des Tages eine geheime Handynummer, die muß man anrufen, und da wird dann durchgesagt, wo die Party ist.

Ich kenne XY so mittelgut. Ich habe ihm geschrieben und gefragt, wann die Party ist. Er verriet mir den Termin. Danach kam nichts mehr. Vielleicht stehe ich nicht so gut mit XY. Keine Ahnung. Aber in mir ist der feierwütige 16jährige erwacht, der ich mit 16 nicht war, also organisiere ich mir über anderweitige Freunde die Info und erfahre: Direkt am Potsdamer Platz, ab 21:30 Uhr. Man soll sich spektakulär kleiden. Kein Problem, kriege ich hin: Ringelshirt, Anzug, irgendeine Krawatte, absurder Hut. Ich wohne nicht weit, also lasse ich die Jacke weg, schwinge mich einfach so aufs Rad und fahre gegen 22 Uhr rüber. Als ich ankomme, war ja klar: Schlange. Ziemlich lange Schlange. Sowas vermeide ich eigentlich. Wenn es nicht unbedingt sein muß, dann stelle ich mich nicht in Schlangen. Aber egal. Ich will auf die Party, also stelle ich mich nicht so an, sondern stelle mich hinten an.

Die Schlange ist aber nur im hinteren Teil schlangenförmig. Vorne ist sie ausgebeult wie eine Schlange, die gerade einen Elefanten verschlucken will, und zwar, weil sehr viele Leute erstmal vorn gucken, ob man vielleicht gleich reinkommt, wenn man jemanden kennt, der jemanden kennt. Kern der Menschentraube ist eine unscheinbare Tür, hinter der sich eine Aufzugtür befindet, und diese wird von drei oder vier Türstehern bewacht.

Ich stehe jetzt aber 30 Meter entfernt am hinteren Ende der Schlange. Die nächsten Ankömmlinge sind zwei mitteljunge Herren in teilweise femininen Klamotten. Man kommt ins Gespräch. Sie sind nett. Dann kommt ein Bekannter dazu und hat einen Bekannten dabei. Die sind auch nett.

Die Schlange bewegt sich ein bißchen. Leute in übelst verschärften Edelkleidern spazieren an uns vorbei, um das vordere Ende der Schlange zu besichtigen. Ich habe keinen Überblick, ob sie zurückkommen oder vorn reingelassen werden. Und dann passiert es: XY tritt höchstselbst leibhaftig auf die Bühne! Er hat ein Handy in der Hand. Er telefoniert. Er würdigt mich eines Seitenblickes. Ich fühle mich privilegiert. Er schaut wieder weg. Ich fühle mich nicht gesehen. Er lotst ein paar Leute, darunter prominente Gesichter, in die andere Richtung, um das Gebäude herum. Anscheinend gibt es da noch einen anderen Eingang.

Mittlerweile ist eine halbe Stunde vergangen. Einer von den mitteljungen Herren sponsort eine selbstgedrehte Zigarette. Rauchen verbindet. Ich unterhalte mich mit dem Bekannten des Bekannten. Er war auch auf der Filmhochschule, macht jetzt aber “immersiven” Film. Also: 360°-Rundum-Kino. Kann man beispielsweise in Planetarien zeigen. Oder in der Kuppel des Gebäudes, vor dem wir stehen, das wurde nämlich mal als Imax-Kino errichtet und hatte zwei verschiedene Leinwände, eine sehr große und eine extrem riesengroße, und eine dieser Leinwände konnte man mit einem spektakulären Mechanismus vor die andere fahren. Dann stellte sich aber heraus, dass nebenan im Sony Center ein zweites Imax-Kino eröffnet wurde, zwei Imax-Kinos waren offenbar zuviel für den Standort, also wurde dieses hier geschlossen und zum Spielort für die “Blue Man Group”. Dort stehen wiederum viele Musiker, die ich persönlich kenne und schätze, in Lohn und Brot. Blue Man Group also positiv konnotiert. Das andere Imax-Kino ist hingegen mittlerweile auch geschlossen und tot. Schon ein einziges Imax-Kino war anscheinend zuviel für den Standort, aber für diesen Standort ist ja offensichtlich alles zuviel. Man kann am Potsdamer Platz irgendwas machen, egal, nach einem Jahr steht es leer und scheitert kläglich vor sich hin. Sogar die vernichtenden Urteile über den Potsdamer Platz als gescheiterte Urbanitätsvision eines inhuman bescheuerten Kapitalismus, die zu jeder Berlinale wieder rausgeholt werden, scheitern irgendwie kläglich vor sich hin. Nur die Schlange, in der ich stehe, ist eisern stabil, die bewegt sich so wenig wie die Cum-Ex-Ermittlungen gegen unseren Bundeskanzler. Ich schwadroniere mit dem Bekannten des Bekannten darüber, dass 3D anders als Ton und Farbe nie fester Bestandteil des Kinos wurde, sondern immer nur als kurzlebiger Hype kam und wieder ging. XY ist zwischenzeitlich ein paar Mal vorbeigekommen, aber mir gelang keine weitere Kontaktaufnahme.

Zwischendurch denke ich kurz und mit leisem Bedauern an die andere angesagte Berlinale-Party, auf der ich dieses Jahr leider nicht war, nämlich die von den Lass-Brüdern im SO36. Keine Gästeliste, keine Geheimniskrämerei, man steht zwar auch Schlange, aber vor einer normalen Tür, nicht vor einem unregelmäßig verkehrenden Fahrstuhl, und dann zahlt man Eintritt und ist drin. Jaja, so kann man das auch machen, jaja, aber jetzt stehe ich hier, ich kann nicht anders.

Gerüchte werden von vorn durchgereicht: In den Aufzug passen nur fünf Leute, und er ist anscheinend sehr langsam. Dann läuft XY ein viertes oder siebtes Mal vorbei und geleitet Promis zum anderen Eingang. Diesmal hat er Tilda Swinton, Hanns Zischler, Lavinia Wilson, Wilson Gonzalez Ochsenknecht, Iris Berben, Hildegard Knef und Johannes Heesters im Schlepptau. Diese Liste ist bewußt falsch und irreführend. Ich winke, er ignoriert mich. Ich könnte aus der Schlange ausscheren und mich einfach an diese Truppe dranhängen, XY würde mich höchstwahrscheinlich nicht wegschubsen, aber mein Schlangesteh-Ethos verbietet das, ich verharre solidarisch in der Schicksalsgemeinschaft der Frierenden und trage weiterhin keine Jacke über meinem Dress-to-impress-Anzug. Die Uhr zeigt 70 Minuten seit Beginn der Steherei. Ich schnorre noch eine Zigarette und bleibe standhaft, während vor und hinter mir allmählich die Flucht ergriffen wird.

Nach neunzig Minuten ist die Schlange zusammengeschrumpft. Vor uns wurden jetzt so ziemlich alle reingelassen, hinter uns ist schon seit einiger Zeit niemand mehr dazugekommen oder alle wieder abgehauen, es sind vielleicht 50 Leute übrig, und allmählich macht sich Unmut bemerkbar. Die Türsteher regieren wie souveräne Feldherren, alle paar Minuten kommt der legendär langsame Aufzug, dann schleusen sie nach einem undurchschaubaren System irgendwelche Leute durch und weisen den Rest ab. Ich einige mich mit dem Bekannten des Bekannten, dass der Begriff “Selektion” hier total falsche Assoziationen weckt, aber “selection” (auf Englisch) kann man dazu schon sagen. “Selection ist ja nebenbei auch das, was Filmfestivals machen, nämliche aus tausenden Bewerbern zwanzig reinlassen und den Rest nicht. Dann erscheint an der Seitenlinie ein Mann mit einem gewissen Bauchumfang und geht nach vorn. Es ist die lebende Legende des Berliner Nachtlebens, der Türsteher Frank Künster, bekannt aus der ehemaligen “King Size Bar”, in der ich nie war, was ich übrigens mit Lars Eidinger gemeinsam habe. Keine Ahnung, warum Lars Eidinger in diesem Blog so oft auftaucht, ich kenne ihn kaum, aber das hat er zwei Abende zuvor zufällig erzählt.

Frankie Künster wechselt ein paar Worte mit den Kollegen, aber den Aufzug oder den Selektionsprozess beschleunigen kann er auch nicht, also kippt die Stimmung ins immer Sauerere. Ich friere jetzt doch ganz schön und stelle mit dem Bekannten des Bekannten Betrachtungen darüber an, dass das Nachtleben ja eigentlich merkwürdig paradox ist, weil es eine Art Feier-Exzess-Gegenwelt zur Alltagswelt verspricht, wo man dem gnadenlosen Leistungs- und Konkurrenzdruck der modernen Erwerbswelt entflieht und sich in egalitärer Entgrenzung ergeht, aber dass die Schlangestehfolter mit nachfolgendem Auswahlprozess durch kafkesk arrogante Party-Beamte dieser Utopie eigentlich höhnisch ins Gesicht lacht. Das Nachtleben ist also mitnichten eine konträre Gegenwelt zu unserer Leistungsdruckgesellschaft, sondern vielmehr deren äußerste Steigerung, deswegen habe ich mich auch nie in Clubschlangen gestellt, und mein bisher einziger Besuch im Berghain war Sonntag morgens ohne Schlange. Die Soziologie kennt das “Rockerparadox”, das ist so ähnlich: Motorradrocker feiern zumindest rhetorisch die absolute Freiheit von allen gesellschaftlichen Zwängen, unterwerfen sich in ihrer Rockergesellschaft noch viel rigideren Zwängen.

Eine neue Information wird nach hinten durchgereicht: Der Aufzug ist jetzt leider kaputt. Was das bedeutet, ist unklar. Ist aber auch schon egal. Wir bleiben hier stehen, wir gehen nicht mehr weg, drei Tage wach. Und dann sagt einer der Herren direkt vor mir den denkwürdigsten Satz des Abends, als nämlich sein Begleiter vorschlägt, man könne doch auch allmählich mal das Handtuch werfen, und er in einem Tonfall, den man mit Fug und Recht “stinksauer” nennen kann, erwidert: 



Nee. Wir sponsorn die Scheiße.

Ich frage nach und vergewissere mich: Ihr macht was?
Jawohl, der Mann gehört zu einem nicht näher bezeichneten “Wir”, von dem der Wein stammt, der heute dort oben ausgeschenkt wird.

Wow.
Mehr fällt mir dazu nicht ein. Aber es fällt mir zweimal ein. Also nochmal:
Wow.

Der Bekannte und sein Bekannter beschließen, dass es jetzt reicht, und verschwinden. Daraufhin fühle ich mich auch nicht mehr so richtig an die Schlangesteh-Solidaritätsgemeinschaft gebunden, und als XY ein weiteres Mal vorbeikommt und Leute in die andere Richtung lotst, laufe ich einfach hinterher. Der Weg geht wie vermutet um das Gebäude herum, und siehe da: Dort gibt es einen total stinknormalen Eingang, hinter dem drei total stinknormale Aufzüge auf Publikum warten. Zulässiges Gesamtgewicht: 1500kg oder 18 Personen. Ich steige ein, fahre nach oben und kann es nicht glauben, kann mein Glück nicht fassen, schnappe über vor Begeisterung, anderthalb Stunden Herumstehen, Frieren, Fluchen, Rauchen und Betrachtungen über Welt und Gegenwelt haben sich am Ende gelohnt: Ich bin auf der Party.

War dann durchaus nett. Mit ein paar Leuten geredet, zwei oder drei Bier getrunken, nach zwei Stunden wieder gegangen.

Ich mach den Kram hier schon ziemlich lang, ich bin steinalt, ich hab alles gesehen. Seit ich mich erinnern kann, sitze ich in Festivalkinosälen und gucke Nachwuchsfilme. Da gibt es alle paar Jahre so eine Welle, da tritt jedesmal eine neue Generation an und rebelliert mit flashiger Optik und knalligem Soundtrack gegen die in Routine versackten alten Säcke. Zwanzig Jahre später sind die Rebellen von damals selber auf dem Weg zum alten Sack und drehen Soko Solingen, aber das ist der Lauf der Welt, who am I to judge. Als ich Ende 20 war, da hieß das angesagte Ding “Mini-DV-Wackelhandkamera”, in meinem unmittelbaren Umfeld entstanden No-Budget-Mini-DV-Wackelfilme, die dann explosive Hypes auslösten und Preise im oberen zweistelligen Bereich gewannen. Ich hatte damals nicht so Lust auf Mini-DV-Wackelhandkamera, also machte ich stattdessen einen Film aus zehnminütigen festen Einstellungen. Der Hype hielt sich in Grenzen. Aber vielleicht mache ich dafür mit 50 einen fiebrig-flashigen Film voller Jump Cuts über 19jährige, die sich im Nightlife das Hirn wegballern, und dann 30 Jahre später, mit 80, lege ich noch einen drauf und mache eine Orgie aus Halbsekundenschnitten über polytoxikomane 10jährige, ausschließlich mit Stroboskopblitzen beleuchtet, 82 gnadenlose Minuten lang. Aber ich schweife ab, ich wollte eigentlich was ganz anderes sagen, nämlich: In all diesen Jahren sind die Nachwüchse gekommen und gegangen, aber eins hat sich nie geändert, und zwar die Asynchronität der Bühnenauftritte. Typischerweise steht ein*e Filmemachende*r auf der Bühne und sagt: In der Rolle der Lina Luhmann bitte einen riesengroßen Applaus für die wunderbare Luna Lehmann! Daraufhin steht die wunderbare Luna Lehmann irgendwo im Saal auf und begibt sich gemessenen Schrittes zur Bühne, doch als sie dort ankommt, hat die Person auf der Bühne bereits fünf weitere wunderbare Menschen aufgerufen, also begegnen sich da auch die wunderbare Lena Lohmann, die wunderbare Julina Jacobs, die wunderbare Lilja Schulzinger und die wunderbare Agathe Bauer, außerdem die wunderbare Debütredakteurin und der wunderbare Music Supervisor, und man hat keine Chance, herauszufinden, wer wer ist, denn hinzu kommt, dass all diese wunderbaren Menschen beim Erklimmen der Bühne dem Publikum überwiegend das Hinterteil zuwenden. Am Ende stehen sie dann in einer langen Reihe auf der Bühne und schweigen vor sich hin, während die moderierende Person die regieführende fragt, wie die Arbeit mit der wunderbaren Kamerafrau war.

Man verstehe mich nicht falsch: Ich wüßte wirklich gern, wer wer ist. Man hört und sieht ja immer wieder tolle Sachen, und natürlich will ich dann wissen, wer die dazugehörigen Menschen sind, aber so habe ich wenig Chancen, es herauszufinden. Wenn der wunderbare Lars Eidinger auf die Bühne käme, dann würde ich den selbstverständlich auch von hinten erkennen, aber vielleicht verbirgt sich da irgendwo der wunderbare Lars Eidinger von morgen, und das muß man ja erstmal herausfinden.

Was mir außerdem noch einfällt: Man kann ja in Mitte oder Neukölln ohne Englischkenntnisse noch nicht mal mehr eine Tasse Kakao bestellen, aber kann mal bitte jemand den Berlinale-Conferenciers verraten, dass der englische Ausdruck für “Filmteam” nicht “film team” lautet, sondern “cast and crew”? Gern auch “the wonderful cast and crew”, wenn man der Meinung ist, dass die in der Mehrzahl wunderbar sind.

Wunderbar ist übrigens auch der Film, den ich gestern noch gesehen habe. Im Katalog steht: Sprengt die Grenzen der Vorstellungskraft, er ist gleichzeitig sehr realistisch im Stil und völlig surreal in seinem Konzept, und er zeigt, dass sogar die menschliche Mimik verzichtbar ist, will man Mitgefühl, Lachen oder Tränen hervorrufen. Es ist wie immer bei Berlinale-Katalogtexten: Ich habe überhaupt keine Ahnung, was mich da erwartet. “Sasquatch Sunset”, so heißt der Film, entpuppt sich dann als eine Art Mittelding aus 70er-Jahre-Actiontheater und bekifftem Teenagerwitz. Menschen in haarigen Affenkostümen laufen durch den Wald, popeln in der Nase, machen allerhand Blödsinn und begegnen schließlich den Spuren der Zivilisation. Es ist ein bißchen so, als wäre in “2001” der Monolith nie aufgetaucht und die Anfangssequenz einfach 90 Minuten weitergangen, nur mit mehr Spaß. Die Landschaftsaufnahmen sind majestätisch, die Musik ist gut, die SFX-Maske und die Kostüme sind erstaunlich professionell, und bei aller Quatschigkeit hat der Film einen gewissen ernsten Kern. Am Ende erfährt man dann, was man schon wußte, aber wieder vergessen hatte: In einem der Kostüme steckt Jesse Eisenberg, vor zehn Jahren noch als Facebook-Gründer in “The Social Network”, jetzt als Affenmensch unter Mammutbäumen, ist das ein Auf- oder Abstieg, ich bin mir nicht sicher. Unprofessionell erscheinen mir vor allem die Lautäußerungen der titelgebenden Viecher, die bestehen nur aus einem einzigen Laut, der so klingt wie ein ausgesprochenes Gendersternchen, also der berühmte “Glottisschlag” vor “-innen”. Die Sasquatche laufen also 88 Minuten lang durch den Film und sagen immer nur “*, *, *”, und ich freue mich, dass solche Kinoerlebnisse auf der Berlinale noch möglich sind. Ich freue mich allerdings auch, dass wir eine Flasche Rotwein in den Saal geschmuggelt haben.

Einen Tag später dann zwei Folgen “Zeit Verbrechen”. Der Erfolgspodcast wurde verfilmt, und zwar für den Streaminganbieter Paramount+, der dann aber im Zuge eines “Strategiewechsels” beschlossen hat, das fertige Werk doch nicht zu veröffentlichen. Die ganze Branche schüttelt die Köpfe, man kann ja über ARD und ZDF viel sagen, aber so etwas haben sie sich bisher meines Wissens noch nicht geleistet. Was genau mit den Filmen passieren soll, ist unklar, vielleicht werden sie nach dieser Berlinale nie wieder zu sehen sein, also einmalige Gelegenheit, nix wie hin. Ich habe vor langer Zeit aufgehört, Kritiken zu schreiben, vor allem über deutsche Filmem, denn wenn man selber welche macht, sollte man nicht über andere schreiben, daher will ich hier nicht viele Worte verlieren, aber eins muß ich loswerden, das hat nämlich nur bedingt mit dem spezifischen Film zu tun, sondern ist ein generelles Phänomen, und zwar: Die Darstellung von Jugendlichen mit Migrationshintergrund. Vielleicht bin das nur ich, aber ich fand schon mit 16 das Brüllaffen-Testosteron-Gehabe meiner Altersgenossen schwer erträglich, und ich habe wenig Lust, mir das in Breitwand und Surround wieder anzutun, nachdem ich die Schulhöfe, auf denen es stattfand, einige Jahrzehnte hinter mir gelassen habe. Ich möchte bitte keine weitere Minute in Gesellschaft dieser bekloppten Vollhonks verbringen, das ist so ungefähr die emotionale Spontanreaktion bei einer gewissen Sorte Film. Dann fällt mir ein, wie ich vor einigen Tagen am Rand des Regie-Panel-Tages zwei Frauen von einem Verein begegnete, der Jugendliche aus der Unterschicht zum Film vermittelt (ich verwende bewußt kein beschönigendes Wort für “Unterschicht”, denn diese Verschleierung der Herrschaftsverhältnisse dient ja auch nur den Interessen der herrschenden Klasse), die hatten einige ihrer Schützlinge mitgebracht, da standen vier oder fünf junge Männer mit schwarzen Haaren, die mir ein wenig verlegen und sehr höflich und respektvoll die Hand reichten und in die Augen schauten. Warum, denke ich mir da auf einmal, gibt es für euch in Filmen eigentlich IMMER nur diese Krawalldeppenrollen? Warum zwingt die Gesellschaft euch, dieses Bild von euch selbst zu produzieren und immer weiter zu perpetuieren? Was ist das Interesse der oberen Mittelschicht, die ja überwiegend die Filmfestivals mit Inhalt befüllt, kuratiert und besucht, sich immer wieder dieses Schreckensbild von euch zu machen? Und können wir das vielleicht mal irgendwie anders aufziehen, Folks and Kupferstechers?

Und jetzt die antiklimaktische Pointe: Die Frau von diesem Verein hat mir eine Visitenkarte gegeben, aber die finde ich jetzt nirgends mehr. Falls sie dies liest, möge sie mir bitte schreiben, wir drehen im Frühjahr einen “Tatort” und vielleicht geht da was, denn das Thema liegt mir wirklich am Herzen.* Einen Abend später treffe ich dann meine türkische Lieblingstante Sema Poyraz. Wir haben vor 17 Jahren miteinander gedreht, in der damaligen Serie war sie zwar keine türkische, sondern eine indische Tante, aber seitdem bezeichnet sie sich selbst immer so. Sema hat in den frühen 70ern an der DFFB studiert, ist dann an die Schauspielerei geraten, sie ist die gute Seele von jedem Raum, den sie betritt, wir haben uns einige Zeit nicht gesehen, und dieses Wiedersehen inspiriert in mir eine Filmidee: Ich möchte das Leben von Angela Merkel verfilmen. Als öffentlich-rechtlichen Dreiteiler. Titel: “Merkel – die Mutter der Macht” oder sowas. Und in der Hauptrolle: Sema Poyraz. Das wäre mir ein innerer Reichsparteitag.

Den anderen Zeit-Verbrechen-Film fand ich übrigens gut. Es scheint mir außerdem die nächste Generation des flashigen Filmemachens zu sein, die da auf die Bühne klettert, dem Publikum den Hintern zuwendet und sich dann in die Reihe einreiht. Nach Wackel-DV (00er Jahre) und Impro (10er Jahre) ist es jetzt eine gewisse hochglänzend-quietschbunte ADHS-Gleichzeitigkeit des gesamten Weltgeschehens, die der stilprägende Flaggschiff-Film dieser Richtung, “Everything Everywhere All At Once”, bereits im Titel trägt. Aber ich bin ja wie gesagt kein Filmkritiker, ich bin Klatschkolumnist, also raus aus dem Kino und dorthin, wo die Magic auf der Berlinale vor allem passiert: Parties. Genauer gesagt: DIE Party. Die einzig wahre Party. Die sogenannte “Off-Berlinale”. Die ist legendär und geheimnisumwölkt. Daher an dieser Stelle: Cliffhanger. Davon erzähle ich morgen. Oder vielleicht ist die Party sogar so fett, dass ich erst übermorgen wieder in der Lage bin, mehr als zwei Sätze aufzuschreiben. Stay tuned. Love.

*

Ich mach den Kram hier schon ziemlich lang, ich bin steinalt, ich hab alles gesehen. Seit ich mich erinnern kann, sitze ich in Festivalkinosälen und gucke Nachwuchsfilme. Da gibt es alle paar Jahre so eine Welle, da tritt jedesmal eine neue Generation an und rebelliert mit flashiger Optik und knalligem Soundtrack gegen die in Routine versackten alten Säcke. Zwanzig Jahre später sind die Rebellen von damals selber auf dem Weg zum alten Sack und drehen Soko Solingen, aber das ist der Lauf der Welt, who am I to judge. Als ich Ende 20 war, da hieß das angesagte Ding “Mini-DV-Wackelhandkamera”, in meinem unmittelbaren Umfeld entstanden No-Budget-Mini-DV-Wackelfilme, die dann explosive Hypes auslösten und Preise im oberen zweistelligen Bereich gewannen. Ich hatte damals nicht so Lust auf Mini-DV-Wackelhandkamera, also machte ich stattdessen einen Film aus zehnminütigen festen Einstellungen. Der Hype hielt sich in Grenzen. Aber vielleicht mache ich dafür mit 50 einen fiebrig-flashigen Film voller Jump Cuts über 19jährige, die sich im Nightlife das Hirn wegballern, und dann 30 Jahre später, mit 80, lege ich noch einen drauf und mache eine Orgie aus Halbsekundenschnitten über polytoxikomane 10jährige, ausschließlich mit Stroboskopblitzen beleuchtet, 82 gnadenlose Minuten lang. Aber ich schweife ab, ich wollte eigentlich was ganz anderes sagen, nämlich: In all diesen Jahren sind die Nachwüchse gekommen und gegangen, aber eins hat sich nie geändert, und zwar die Asynchronität der Bühnenauftritte. Typischerweise steht ein*e Filmemachende*r auf der Bühne und sagt: In der Rolle der Lina Luhmann bitte einen riesengroßen Applaus für die wunderbare Luna Lehmann! Daraufhin steht die wunderbare Luna Lehmann irgendwo im Saal auf und begibt sich gemessenen Schrittes zur Bühne, doch als sie dort ankommt, hat die Person auf der Bühne bereits fünf weitere wunderbare Menschen aufgerufen, also begegnen sich da auch die wunderbare Lena Lohmann, die wunderbare Julina Jacobs, die wunderbare Lilja Schulzinger und die wunderbare Agathe Bauer, außerdem die wunderbare Debütredakteurin und der wunderbare Music Supervisor, und man hat keine Chance, herauszufinden, wer wer ist, denn hinzu kommt, dass all diese wunderbaren Menschen beim Erklimmen der Bühne dem Publikum überwiegend das Hinterteil zuwenden. Am Ende stehen sie dann in einer langen Reihe auf der Bühne und schweigen vor sich hin, während die moderierende Person die regieführende fragt, wie die Arbeit mit der wunderbaren Kamerafrau war.

Man verstehe mich nicht falsch: Ich wüßte wirklich gern, wer wer ist. Man hört und sieht ja immer wieder tolle Sachen, und natürlich will ich dann wissen, wer die dazugehörigen Menschen sind, aber so habe ich wenig Chancen, es herauszufinden. Wenn der wunderbare Lars Eidinger auf die Bühne käme, dann würde ich den selbstverständlich auch von hinten erkennen, aber vielleicht verbirgt sich da irgendwo der wunderbare Lars Eidinger von morgen, und das muß man ja erstmal herausfinden.

Was mir außerdem noch einfällt: Man kann ja in Mitte oder Neukölln ohne Englischkenntnisse noch nicht mal mehr eine Tasse Kakao bestellen, aber kann mal bitte jemand den Berlinale-Conferenciers verraten, dass der englische Ausdruck für “Filmteam” nicht “film team” lautet, sondern “cast and crew”? Gern auch “the wonderful cast and crew”, wenn man der Meinung ist, dass die in der Mehrzahl wunderbar sind.

Wunderbar ist übrigens auch der Film, den ich gestern noch gesehen habe. Im Katalog steht: Sprengt die Grenzen der Vorstellungskraft, er ist gleichzeitig sehr realistisch im Stil und völlig surreal in seinem Konzept, und er zeigt, dass sogar die menschliche Mimik verzichtbar ist, will man Mitgefühl, Lachen oder Tränen hervorrufen. Es ist wie immer bei Berlinale-Katalogtexten: Ich habe überhaupt keine Ahnung, was mich da erwartet. “Sasquatch Sunset”, so heißt der Film, entpuppt sich dann als eine Art Mittelding aus 70er-Jahre-Actiontheater und bekifftem Teenagerwitz. Menschen in haarigen Affenkostümen laufen durch den Wald, popeln in der Nase, machen allerhand Blödsinn und begegnen schließlich den Spuren der Zivilisation. Es ist ein bißchen so, als wäre in “2001” der Monolith nie aufgetaucht und die Anfangssequenz einfach 90 Minuten weitergangen, nur mit mehr Spaß. Die Landschaftsaufnahmen sind majestätisch, die Musik ist gut, die SFX-Maske und die Kostüme sind erstaunlich professionell, und bei aller Quatschigkeit hat der Film einen gewissen ernsten Kern. Am Ende erfährt man dann, was man schon wußte, aber wieder vergessen hatte: In einem der Kostüme steckt Jesse Eisenberg, vor zehn Jahren noch als Facebook-Gründer in “The Social Network”, jetzt als Affenmensch unter Mammutbäumen, ist das ein Auf- oder Abstieg, ich bin mir nicht sicher. Unprofessionell erscheinen mir vor allem die Lautäußerungen der titelgebenden Viecher, die bestehen nur aus einem einzigen Laut, der so klingt wie ein ausgesprochenes Gendersternchen, also der berühmte “Glottisschlag” vor “-innen”. Die Sasquatche laufen also 88 Minuten lang durch den Film und sagen immer nur “*, *, *”, und ich freue mich, dass solche Kinoerlebnisse auf der Berlinale noch möglich sind. Ich freue mich allerdings auch, dass wir eine Flasche Rotwein in den Saal geschmuggelt haben.

Einen Tag später dann zwei Folgen “Zeit Verbrechen”. Der Erfolgspodcast wurde verfilmt, und zwar für den Streaminganbieter Paramount+, der dann aber im Zuge eines “Strategiewechsels” beschlossen hat, das fertige Werk doch nicht zu veröffentlichen. Die ganze Branche schüttelt die Köpfe, man kann ja über ARD und ZDF viel sagen, aber so etwas haben sie sich bisher meines Wissens noch nicht geleistet. Was genau mit den Filmen passieren soll, ist unklar, vielleicht werden sie nach dieser Berlinale nie wieder zu sehen sein, also einmalige Gelegenheit, nix wie hin. Ich habe vor langer Zeit aufgehört, Kritiken zu schreiben, vor allem über deutsche Filmem, denn wenn man selber welche macht, sollte man nicht über andere schreiben, daher will ich hier nicht viele Worte verlieren, aber eins muß ich loswerden, das hat nämlich nur bedingt mit dem spezifischen Film zu tun, sondern ist ein generelles Phänomen, und zwar: Die Darstellung von Jugendlichen mit Migrationshintergrund. Vielleicht bin das nur ich, aber ich fand schon mit 16 das Brüllaffen-Testosteron-Gehabe meiner Altersgenossen schwer erträglich, und ich habe wenig Lust, mir das in Breitwand und Surround wieder anzutun, nachdem ich die Schulhöfe, auf denen es stattfand, einige Jahrzehnte hinter mir gelassen habe. Ich möchte bitte keine weitere Minute in Gesellschaft dieser bekloppten Vollhonks verbringen, das ist so ungefähr die emotionale Spontanreaktion bei einer gewissen Sorte Film. Dann fällt mir ein, wie ich vor einigen Tagen am Rand des Regie-Panel-Tages zwei Frauen von einem Verein begegnete, der Jugendliche aus der Unterschicht zum Film vermittelt (ich verwende bewußt kein beschönigendes Wort für “Unterschicht”, denn diese Verschleierung der Herrschaftsverhältnisse dient ja auch nur den Interessen der herrschenden Klasse), die hatten einige ihrer Schützlinge mitgebracht, da standen vier oder fünf junge Männer mit schwarzen Haaren, die mir ein wenig verlegen und sehr höflich und respektvoll die Hand reichten und in die Augen schauten. Warum, denke ich mir da auf einmal, gibt es für euch in Filmen eigentlich IMMER nur diese Krawalldeppenrollen? Warum zwingt die Gesellschaft euch, dieses Bild von euch selbst zu produzieren und immer weiter zu perpetuieren? Was ist das Interesse der oberen Mittelschicht, die ja überwiegend die Filmfestivals mit Inhalt befüllt, kuratiert und besucht, sich immer wieder dieses Schreckensbild von euch zu machen? Und können wir das vielleicht mal irgendwie anders aufziehen, Folks and Kupferstechers?

Und jetzt die antiklimaktische Pointe: Die Frau von diesem Verein hat mir eine Visitenkarte gegeben, aber die finde ich jetzt nirgends mehr. Falls sie dies liest, möge sie mir bitte schreiben*, wir drehen im Frühjahr einen “Tatort” und vielleicht geht da was, denn das Thema liegt mir wirklich am Herzen. Einen Abend später treffe ich dann meine türkische Lieblingstante Sema Poyraz. Wir haben vor 17 Jahren miteinander gedreht, in der damaligen Serie war sie zwar keine türkische, sondern eine indische Tante, aber seitdem bezeichnet sie sich selbst immer so. Sema hat in den frühen 70ern an der DFFB studiert, ist dann an die Schauspielerei geraten, sie ist die gute Seele von jedem Raum, den sie betritt, wir haben uns einige Zeit nicht gesehen, und dieses Wiedersehen inspiriert in mir eine Filmidee: Ich möchte das Leben von Angela Merkel verfilmen. Als öffentlich-rechtlichen Dreiteiler. Titel: “Merkel – die Mutter der Macht” oder sowas. Und in der Hauptrolle: Sema Poyraz. Das wäre mir ein innerer Reichsparteitag.

Den anderen Zeit-Verbrechen-Film fand ich übrigens gut. Es scheint mir außerdem die nächste Generation des flashigen Filmemachens zu sein, die da auf die Bühne klettert, dem Publikum den Hintern zuwendet und sich dann in die Reihe einreiht. Nach Wackel-DV (00er Jahre) und Impro (10er Jahre) ist es jetzt eine gewisse hochglänzend-quietschbunte ADHS-Gleichzeitigkeit des gesamten Weltgeschehens, die der stilprägende Flaggschiff-Film dieser Richtung, “Everything Everywhere All At Once”, bereits im Titel trägt. Aber ich bin ja wie gesagt kein Filmkritiker, ich bin Klatschkolumnist, also raus aus dem Kino und dorthin, wo die Magic auf der Berlinale vor allem passiert: Parties. Genauer gesagt: DIE Party. Die einzig wahre Party. Die sogenannte “Off-Berlinale”. Die ist legendär und geheimnisumwölkt. Daher an dieser Stelle: Cliffhanger. Davon erzähle ich morgen. Oder vielleicht ist die Party sogar so fett, dass ich erst übermorgen wieder in der Lage bin, mehr als zwei Sätze aufzuschreiben. Stay tuned. Love.

*(Nachtrag: Es hat funktioniert! Hier wäre der erwähnte Verein.)

Ich wiederhole mich. Vor fünf Jahren habe ich nämlich auch schon mal festgestellt, dass die Leute ihren Festivalausweis nicht mehr um den Hals tragen. Das hatte ich total vergessen und habe es jetzt wiedergefunden. Wenn ich mich irgendwann beim Filmemachen wiederhole und Sachen mache, die ich schon vor fünf oder 15 Jahren gemacht habe, dann soll mir bitte irgendwer bescheid sagen. Andererseits ist man in der Kunst, wenn man was werden will, ja eigentlich gut beraten, die Variationsbreite gering zu halten und sich möglichst umfassend zu wiederholen. Wes Andersons Filme sind wiedererkennbarer als die von, sagen wir mal, Steven Soderbergh. Letztere sind mir trotzdem lieber. Wes-Anderson-Filme kann man mir, wie man so schön sagt, auf den Bauch binden. I don’t get it. Keine Ahnung, was das soll, wenn alle sich benehmen wie Schaufensterpuppen abwechselnd auf Speed und auf Valium. Es gibt da im derzeitigen amerikanischen Independentkino diese Masche, dass die Größenordnung der Reaktionen nicht stimmt. Die Akteure reagieren auf existentielle Ereignisse (Freundin ausgespannt, Mutter gestorben oder was auch immer), als hätte man ihnen schlimm auf den Fuß getreten. Auf Kinkerlitzchen hingegen folgt tödliches Beleidigtsein oder merkwürdig plumpe Gewalttaten. Das habe ich bestimmt auch schon mal irgendwo geschrieben und wiederhole es hiermit.

Lars Eidinger legt schon wieder auf. Diesmal bei der Party, die auf das Podiumsgespräch von gestern folgt. Davor hat eine Filmemacherin sich auf die Bühne getraut und ihn gefragt, ob er in ihrem Film mitspielen würde, und zwar als er selbst. Darauf erwiderte Lars Eidinger, Lars Eidinger sei die Rolle, die ihm am häufigsten angeboten würde, aber die wolle er nicht spielen. Ich verstehe das, würde aber gern mal einen Film machen, in dem Lars Eidinger einen Filmemacher spielt, der unbedingt Lars Eidinger besetzen will. Der Lars Eidinger im Film wird wiederum von Robert Gwisdek oder Matthias Brandt oder Otto Waalkes gespielt und entzieht sich allen Anwerbeversuchen. Das fände ich lustig. Außerdem müßten dann noch abwechselnd Campino, Dieter Bohlen und Oliver Kahn auftreten, die aber alle vom selben Schauspieler gespielt würden, bis dann irgendwann jemand im Film mit der Verschwörungstheorie ankommt, diese drei seien in Wahrheit ein und derselbe Mensch, was sich dann am Ende auch als zutreffend erweist. Und dann beschließt der von Lars Eidinger gespielte Filmemacher, Lars Eidinger einfach mit einem anderen Schauspieler zu besetzen, also nicht mit dem von Otto Waalkes gespielten echten Lars Eidinger, sondern beispielsweise mit Dieter Bohlen oder Heidi Klum.

Das Festival ist jetzt auf der Zielgeraden. Alles Wesentliche passiert an den ersten fünf Tagen. Danach ist die Branche weg oder im Koma oder wieder im Büro. Wer jetzt im Wettbewerb Premiere hat, steht schon damit in der zweiten Reihe, es sei denn, es läuft so wie bei “Boyhood” 2014, der am letzten Tag Premiere hatte, damit die Macher gleich zur Preisverleihung bleiben konnten. Unvergessen bleibt mir die Premiere meines allerersten Films “Neun Szenen” in der “Perspektive Deutsches Kino” im Jahr 2006, die war nämlich am aller-allerletzten Tag, am letzten Sonntag abend, als wirklich schon überall die roten Teppiche eingerollt und der Müll weggebracht wurde. Der Saal war begeistert, aber ansonsten hat niemand es mitgekriegt. Mit etwas mehr Selbstbewußtsein hätten wir damals gesagt: Nö, da warten wir lieber auf etwas besseres. Da hätte man sich aber aufspalten müssen in ein ehrgeiziges Über-Ich, das den Film bestmöglich positionieren will, und eine devote Assistentengestalt, die das dann im Auftrag weiterkommuniziert. Aber das wird einem auf keiner Filmhochschule beigebracht, da muß man selber drauf kommen. Mein nächster Film lief dann immerhin zur Eröffnung der “Perspektive”, und den danach wollte die Sektionsleiterin auch wieder haben, ich hingegen wollte lieber endlich mal im sonstigen Teil des Festivals unterkommen, aber daraus wurde nichts, da kam eine Absage von irgendeiner Assistentenperson, damit war für mich die Rolle der “Perspektive” als Tor zur Berlinale irgendwie entzaubert, und ich nahm mir vor, als nächstes einen Film zu machen, den der Wettbewerb nicht ablehnen konnte.

Vor einigen Tagen schon traf ich in einer Warteschlange auf eine Produzentin, so alt wie ich und auch mal an der HFF in Potsdam gewesen, die erzählte, dass man, wenn man für Netflix produzieren will, mindestens fünf Angestellte haben muß. Die wollen einen Head of Finance und Head of Creation und Head of whatever als Ansprechpartner. Ich sage darauf, dass ich auch schon mit dem Gedanken gespielt habe, mich in Mails als meine eigene Assistentin auszugeben. David Graeber beschreibt in dem Buch “Bullshit Jobs” eine ganze Kategorie von Tätigkeiten, deren Funktion darin besteht, Untergebene zu sein und dadurch dem Chef mehr Bedeutung zu verleihen, denn wer mehr Leute unter sich hat, ist schon dadurch weiter oben. Aber das kann man ja auch einfach simulieren, indem man sich eine Mailadresse namens office@website macht und dann schreibt: Liebe ARD, liebe Players, meine Name ist Stefanie Bornemann, ich bin die Assistentin von Herrn Brüggemann und wollte hiermit nachfragen, ob Sie für meinen Chef noch eine Einladung hätten. Die Produzentin, die ihren Laden auch als Ein-Frau-Unternehmen betreibt, ist Feuer und Flamme, und wir beschließen, dass wir das ab sofort, wenn es um Telefongespräche geht, füreinander gegenseitig machen werden: Sie ruft als meine Assistentin an und ich als ihr Adlatus.

Meine Berlinale-Maxime dieses Jahr ist klar: Vier Jahre nicht hiergewesen, zwischendurch ist Deutschland einmal kurz wahnsinnig geworden, alle wollten meinen Kopf und den von Volker Bruch, also spaziere ich jetzt einfach mal über die ganzen Empfänge und demonstriere den verehrten Kollegen mein eigenes Vorhandensein. Irgendwann reicht es aber, auch das will ich ja nicht allzu sehr wiederholen, also gehe ich jetzt doch mal ins Kino und gucke drei Filme. Das ist wiederum gelogen, einen dieser drei Filme habe ich schon am Freitag abend gesehen, aber jetzt fasse ich sie hier zusammen, weil mir das besser in den Kram passt, so geht Dramaturgie.

Im Panorama läuft der französische Science-Fiction-oder-so-Film “Pendant ce temps sur terre”. Eine junge Frau, die in einem Seniorenheim arbeitet und deren Bruder als Astronaut irgendwie verschollen ist, nimmt Kontakt zu einer außerirdischen Macht auf, die sich als leuchtender Schleimfaden in ihrem Ohr einnistet und ihr Befehle gibt. Es ist eine Art Variante auf “Invasion of the Body Snatchers”, die außerirdische Macht will noch weitere Menschen haben, zwischendurch gibt es eine etwas vom Drehbuch forciert wirkende Vergewaltigungsszene, die per Kettensäge beendet wird, und ein merkwürdig antiklimaktisches Ende, das ich erst nicht verstanden und dann wieder vergessen habe. “Funktionieren” tut das alles für mein Empfinden nicht, der Arbeitsplatz im Altenheim wirkt überaus real und das ganze Science-Fiction-Ding daneben krampfhaft ausgedacht und genauso behauptet wie die Statue des Astronauten, die auf einer Kreisverkehrsmittelinsel so offensichtlich preiswert vom Szenenbild hingestellt wurde, dass es fast weh tut. Was der Film aber kann, ist etwas, von dem alle deutschen Filme sich viele Scheiben abschneiden könnten, und zwar: Er feiert seine Hauptfigur (die Darstellerin trägt den für eine französische Schauspielerin ungewöhnlichen Namen Megan Northam), ihre Schönheit und Eleganz und Bewegung im dreidimensionalen Raum, wie es wirklich nur die Franzosen können. Werft mir ruhig das stumpfe Abfeiern von Nationenklischees vor, es ist einfach so, sorry, ich kann nichts dafür, und dass ich mich gern wiederhole, haben wir ja schon eingangs geklärt.

Später dann ein weiterer französischer Film, wieder mit “Zeit” im Titel: “Hors du temps” von Olivier Assayas. Zwei Brüder sitzen im Corona-Lockdown im Landhaus ihrer Kindheit, der eine ist voll von der Viruspanik erfaßt, er faßt die Amazon-Pakete nur mit Handschuhen an und guckt immer die neuesten Händewaschvideos, dem anderen geht diese Hysterie zunmehmend auf den Keks. Dazwischen gibt es autobiografische Off-Erzählungen zum Spielort des Films, der anscheinend auch das reale Kindheitshaus von Olivier Assayas ist. Der Film ist ziemlich lustig und ziemlich typisch französisch. Die Brüder und ihre Frauen sitzen im Landhaus und reden. Ab und zu brät einer sich einen Crêpe, und man macht Psychotherapie per Zoom-Konferenz. Der Viruspaniker ist Filmregisseur und im Grunde eine Witzfigur. Interessant ist die Publikumsreaktion: Es wird gelacht. Man kann die ganze Corona-Folklore nicht mehr so richtig ernst nehmen, das tut auch der Film nicht, und das funktioniert im Saal ziemlich gut. Vor zwei Jahren wäre hier vermutlich noch eisiges Schweigen gewesen, denn es ging ja schließlich um Menschenleben, jeder nicht desfinizierte Eierkarton konnte im Zweifelsfall einen Menschen töten, verdammt nochmal, und wer darüber Witze machte, der hatte ja wohl den Schuß nicht gehört, aber ich will mich ja nicht dauernd wiederholen, auch das wiederhole ich hiermit zum wiederholten Mal.

Interessant ist übrigens auch der Katalogtext des Films. Man muß die Berlinale dafür bewundern, dass sie es schafft, diese kurzweilige und kluge Komödie so zu beschreiben, als wäre es ein bleischwer antidramaturgisches Brett. Ich zitiere:

“Der Filmregisseur Etienne und sein Bruder Paul, ein Musikjournalist, verbringen zusammen mit ihren neuen Partnerinnen Morgane und Carole den Lockdown im Haus ihrer Eltern. Jedes Zimmer, jeder Gegenstand erinnert sie an ihre Kindheit und an abwesende Personen – ihre Eltern, Nachbar*innen … Wie viel trennt die Brüder voneinander und von ihren gemeinsamen Wurzeln? Während die Welt um sie herum immer beunruhigender wird, schleicht sich das Gefühl der Unwirklichkeit und eine verstörende Fremdheit in ihren Alltag ein.”

Chapeau, mesdames et messieurs. “Ein Gefühl der Unwirklichkeit und eine verstörende Fremdheit” – um ein Haar hätte ich mir den Film nicht angeschaut, denn mit sowas habe ich schon hundert quälende Berlinale-Stunden abgesessen. Zum Glück habe ich es doch getan.

Abends kam dann noch einer, aber den behandeln wir morgen, muß jetzt mal pennen.

Heute ist Welttag der Künstlichen Intelligenz. Das habe ich mir zwar gerade ausgedacht, aber das macht die sogenannte Künstliche Intelligenz ja auch die ganze Zeit. Man stellt eine Frage, dann fabuliert der Algorithmus sich irgendwas zusammen, und am Ende steht da, ich wäre der Regisseur von “Babylon Berlin”, und auf Nachfrage wird kleinlaut zugegeben, das sei falsch, ich sei der Regisseur von “Notruf Hafenkante” und “Das Lachen der lustigen Landfrauen” oder so.

Bevor ich jetzt weiter auf dem KI-Gaul herumreite, ein scharfer Themenwechsel, weil mir gerade noch was anderes einfällt: Schon vorgestern sprach ich auf einem Agenturempfang mit einem Schauspieler, der gebürtiger Hamburger und als solcher ein großer Lokalpatriot war und der sich beklagte, dass es gar keinen wirklich Hamburger Tatort gebe. Der, den es gebe, spiele nämlich immer eher im Umland. Mir fehlt da der Überblick, aber wenn das so sein sollte, dann wäre das natürliche ein schmerzliche Lücke in der Tatortlandschaft. Hamburch, Diggä, hat eine Identitäit, deren Auss-trahlung schon haat an Penetranz grenzt, näch! Ich sach nur: Schanze, Doum, Bunkä, Landungsbrücken, Reeperbahn, Fischbrötchen, Hafen, Flora, Alster, Altona, etcetera! Der besagte Schauspieler (übrigens nicht nur Hanseat, sondern nebenbei auch Afghane) war ein ausgesprochen sympathischer junger Zeitgenosse, der als Hamburger Tatort-Kommissar ganz bestimmt eine hervorragende Figur machen würde. (Ich bin mir nicht sicher, ob ich seinen Namen verraten soll, man kann die Dialektik der Branche schlecht einschätzen, also wer es wissen will, möge mir eine Mail schreiben). An seiner Seite bräuchte man dann noch eine biodeutsche starke Frau und fertig ist das Tatort-Team. Vielleicht bräuchten die beiden dann auch “Brüche” und “Abgründe”, sie ritzt sich und er war heroinabhängig, vielleicht aber auch nicht. Für mein Gefühl ist die Zeit der Kommissare mit Brüchen und Abgründen auch schon wieder vorbei, die machen nämlich höchstens zwei oder drei Filme lang Spaß, dann nervt es, und man darf jetzt wieder normaler sein. Falls also beim NDR (genauer gesagt bei den Redakteuren Christian Granderath und Sabine Holtgreve) Interesse an der Entwicklung eines lokalpatriotisch lebensprallen Hamburch-Tatorts vorhanden sein sollte, erkläre ich mich hiermit freudig bereit. Wer dies liest und zufällig gerade im NDR unnerwechs ist, möge den beiden Bescheid sagen und dazu liebe Grüße, wir haben zwar schon öfter etwas miteinander versucht, hat leider nie geklappt, aber diesmal könnte es ein rauschender Hafengeburtstag werden, Leude, ich fühl das.

Dass bei der Berlinale allgemein viel abgesperrt ist, liegt irgendwie in der Natur der Sache, aber “gefühlt” wird es immer mehr. Vor dem Berlinale-Palast am Potsdamer Platz ist mittlerweile ein ungeheuer langes Stück Straße von Geländern umgeben, und wenn man einfach mal schnell von links nach rechts will, also beispielsweise von McDonalds zum Hyatt, dann wird man zu einem enormen Umweg gezwungen. Das ist, wie wenn man vom Großen Stern zum Zoo-Palast will, das wäre geradeaus total schnell zu machen, aber man muß halt einen Riesenumweg um den Zoo herum machen, oder wenn man zu Ostzeiten von Ost-Berlin nach Potsdam wollte, da mußte man einen Riesenumweg um Westberlin herum machen, es dauerte Stunden, Leipzig war im Grunde näher an Ost-Berlin als Potsdam. Nichts gegen West-Berlin und seinen Zoo, aber auch abseits der Berlinale ist immer mehr abgesperrt, in Lokalen beispielsweise heißt es immer öfter “please wait to be seated” und “wir zeigen Ihnen Ihren Platz”, und ich sehe das in gewisser Weise als Abbild der Gesellschaft, denn da wird einem auch der Platz gezeigt, den man einzunehmen hat. Vielleicht bin ich da in der Minderheit, aber ich bevorzuge eine Gesellschaft, in der man sich seinen Platz selber suchen darf, und außerdem führt das zu, Verzeihung, beschissenem Feng-Shui, wenn wunderschöne mondän-glamouröse Freitreppen und Eingangshalle mit irgendwelchen aus dem Keller geholten Schrottmöbeln oder Holzpaletten abgesperrt werden, damit die Gäste sich brav beim Concierge anstellen, der ihnen dann vor halbleerem Lokal verkündet, es sei leider alles voll und man müsse warten. Da ist dann gleich so miserable Energie, da gehe ich lieber wieder und setze mich irgendwo hin, wo ich will.

Vorgestern war ich schon beim Empfang vom Goethe Institut und traf da eine alte Freundin, die erzählt, dass sie drei Monate lang in der von ebendiesem Institut betriebenen Villa Kamogawa in Japan war. Bis vor kurzem konnte man sich da für ein Stipendium bewerben, jetzt nicht mehr, man muß jetzt vorgeschlagen werden. Wie und wodurch und von wem, bleibt mir zumindet bei einem kurzen Besuch auf der Goethe-Website unklar. Das scheint mir in die ähnliche Richtung zu gehen wie die eben erwähnten Restaurants: Wir zeigen Ihnen Ihren Platz. Wer von draußen oder aus der falschen Schicht oder aus der falschen Richtung kommt und keine Kontakte hat, der hat Pech, denn wir bleiben lieber unter uns.

Aber heute ist ja vor allem Welttag der deutschen Filmregisseur*innen, da gibt es Panels und Talks von mittags bis abends, und ich darf dabeisein, hurra. Natürlich redet man da vor allem von der Sau, die gerade nicht nur durchs Dorf getrieben wird, sondern das ganze Dorf über den Haufen rennt, nämlich der künstlichen Intelligenz, die in Zukunft nicht nur Drehbücher schreiben, sondern auch Regie führen, Musik komponieren und die Bilder nicht etwa drehen, sondern einfach generieren wird und sich das Endergebnis dann vermutlich auch anschauen und dazu ein Feierabendbier trinken wird. Mittags ist erstmal ein Vortrag von einem, der erzählt, wie man Chat GPT nutzen kann, um zu überprüfen, ob man kompatibel mit der angestrebten Zielgruppe bleibt, denn der Köder, so sagt er, müsse ja dem Fisch schmecken und nicht dem Angler. Als ich das höre, verlasse ich den Saal, gehe erstmal wieder nach Hause und schreibe den Blogeintrag von vorgestern (die Zeitebenen gehen in diesem Tagebuch ein wenig durcheinander, aber die Zeit, die man zum Schreiben braucht, ist nicht zu unterschätzen), und dann gehe ich zum Arte-Empfang, weil die mich netterweise eingeladen haben.

Dort stehen zwei Menschen, die ich schätze, und dazu ein dritter, gegen den ich auch nichts habe, der sich bei meinem Erscheinen aber abwendet und davongeht. Es ist der Berliner-Schule-Produzent, mit dem ich schon vor fünf Jahren ein denkwürdiges nächtliches Gespräch hatte. Vielleicht hat er einfach was anderes vor, vielleicht ist er mir immer noch böse, wer weiß. Selber schuld, ich hätte ja einfach den Mund halten und mit den Fischen heulen können. Wenn der jetzt in irgendeiner Jury oder Kommission oder Gremium sitzt und irgendwas von mir auf den Tisch kommt, dann senkt der bestimmt den Daumen, und aus vielen solchen Puzzleteilen werden Karrieren gemacht oder eben nicht. Man muß im Klüngel mitklüngeln, und damit mich hier keiner falsch versteht: Mache ich gern. Nix gegen Austausch und Gemeinschaft mit enthusiastischen Leuten, die gute Filme wollen. Meine Meinung sage ich im Zweifelsfall trotzdem.
Warum tue ich mir das an?
Ganz einfach: Weil ich ein gehorsamer Staatsbürger bin. Und als solcher wurde mir mein Leben lang gesagt: Wenn man von etwas inhaltlich überzeugt ist, dann soll man es äußern, auch gegen Widerstände und wenn man sich damit unbeliebt macht. Meines Wissens gilt diese Maxime weiterhin, aber wenn sie eines Tages kassiert wird und die neue Ansage lautet, dass man im Zweifelsfall den Mund halten und nur das sagen soll, was gesellschaftlich erwünscht ist, dann mache ich das natürlich und werde konform bis zum Exzess.

Bei Arte treffe ich eine Regiekollegin, die sagt: Na ja, wenn deine Tätigkeit durch KI ersetzt werden kann, dann hattest du ja schon vorher ein Problem. Ich pflichte bei und nehme mir vor, das auf dem Podium beim Regieverband genau so zu wiederholen. (Wenn die Kollegin Wert darauf legt, die Lorbeeren für diesen Satz einzustreichen, dann werde ich ihre Identität natürlich gern entschleiern, aber ich will ja niemanden ungefragt in meinen Blog zerren.)

Dann fahre ich zurück zum Regieverband, setze mich da mit einer lustigen Truppe, bestehend aus Anno Saul, Jobst Oetzmann, Radu Mihailenu und ein paar weiteren Leuten, deren Namen ich momentan nicht mehr recherchiert bekomme, auf ein Podium. Was KI und auch große Streaminganbieter angeht, brennt derzeit wirklich die Hütte, und ich bin natürlich absolut auf der Seite von Autorenrechten und europäischem Kulturbegriff samt unveräußerlichem Urheberrecht. Was man allerdings auch sagen muß: 90% of everything is crap. Wir können uns als Menschen noch so sehr überhöhen, der Großteil unserer Produktion ist trotzdem unorigineller Kram, der ungefähr so ist wie tausend Sachen, die es schon mal gegeben hat. Und das ist ja zufällig genau das Arbeitsprinzip der KI. Die macht auch Sachen, die so sind wie der Querschnitt aus Milliarden Sachen, die es schon mal gegeben hat. Ich bin skeptisch, ob KI jemals einen einzigen wirklich originellen Gedanken denken wird. Ist aber auch gar nicht so einfach. Deutlich einfacher, aber für KI auch kaum zu machen: Sich gemeinsam betrinken und schlechte Witze erzählen. Fußball gucken und herumbrüllen. Sex haben und sich davor oder danach fürchterlich mit der Freundin streiten. Oder auch: Sich die Gesamheit der derzeitigen Filmproduktion angucken, mit der eigenen Lebenserfahrung abgleichen und feststellen, dass da eine enorme Lücke klafft: Jeder und jede und wirklich alle, die ich kennen, schlagen sich auf die eine oder andere Art mit dem ganzen political-correctness-wokeness-Cancel-Culture-Komplex herum. Ich sehe aber weit und breit keine Filme über Leute, die sich damit herumschlagen. Wäre vielleicht schon “rechts”, wenn man das machen würde. Es wäre aber auch einfach eine ehrliche Erzählung aus dem Leben, das wir derzeit führen.

Wir sollten, finde ich, jedenfalls nicht nur auf unserer eigenen Kreativität und Einmaligkeit herumreiten, sondern auch die typischen Bedenkenträger, die Angsthasen und Hemmschuhe überzeugen, zu denken wie radikale Künstler und das zu ermöglichen, was noch nie da war. Wer einfach immer weiter den Kram macht, der schon tausendmal da war, der wird von Maschinen ersetzt werden, denn das können die besser. So einfach ist das. Natürlich muß der Köder dem Fisch schmecken und nicht dem Angler, aber fürs Filmemachen gilt das nur, wenn man sein Publikum wie einen Fisch betrachtet, den man fangen und totschlagen und essen will. Ich hingegen sehe Kunst nicht als Fisch, sondern Kommunikation und Austausch unter Menschen, ohne Angel und Köder und übrigens auch ohne Zielgruppe. Wenn KI mich mit sowas versorgen kann: Super. Her damit. Dann kann ich endlich, faul wie ich bin, die Füße hochlegen und keine Filme mehr machen, sondern nur noch Berlinale-Blog schreiben.

Das Wort “genial” wird heutzutage inflationär verwendet, aber der geniale österreichische Comiczeichner Mahler hat einen genialen Cartoon gezeichnet, in dem ein “typisch österreichischer Film” dargestellt ist. Ein Männchen sagt zum anderen: “Blas mir einen”, und das andere Männchen antwortet: “I will sterben”. Man kann eigentlich nur hinzufügen, dass nicht nur ein typisch österreichischer, sondern auch ein typisch deutscher Berlinale-Beitrag und überhaupt ein typischer Berlinalefilm so aussieht.

Dazu später mehr, jetzt erstmal in die Akademie der Künste zur Verleihung des Preises der deutschen Filmkritik. Vor acht Jahren habe ich den selber gewonnen, und zwar für das Drehbuch zu “Heil”. Ich sehe die Kritiker generell sehr kritisch, aber wenn sie mir Preise geben, dann mag ich sie natürlich gern, obgleich ich dieses ganze Ding mit den Preisen auch kritisch sehe, aber man kann sich ja keine eigene Welt erfinden, sondern muß die nehmen, die man hat, und da gibt es halt Preise, und die will man gewinnen. Den Preis für Schnitt (oder Montage oder Editing) kriegt Andreas Wodraschke für seine Arbeit an “Sonne und Beton”. Die Moderatorin fragt ihn, ob sie im Schneideraum die Musik öfter mal laut aufgedreht hätten, Wodraschke erwidert, nein, das hätten sie nicht getan, und an dieser Stelle möchte ich aufspringen und protestierend ausrufen: Von wegen! Ihr habt es ganz schön krachen lassen! Ich saß nebenan, denn der Schneideraum, in dem dieser Film geschnitten wurde, ist nämlich Teil meiner kleinen Bürogemeinschaft (zur Gründungszeit sagte man noch nicht Coworking Space), die ich vor vielen Jahren mit ein paar Freunden (damals sagte man noch nicht Freund*innen) ins Leben rief, als die Filmhochschule vorbei war und ich keine Lust hatte, fortan immer zuhause oder in Cafés zu sitzen. Da wurde also “Sonne und Beton” geschnitten, und da kamen ein halbes oder Dreivierteljahr lang fette Beats durch die Wand. Es hat mich nur nicht besonders gestört, und wenn doch, habe ich halt an die Tür geklopft, ach was, gehämmert, und um Lautstärkereduktion gebeten. Ich mag meine Coworking-Bude nämlich samt der darin coworkenden Leute sehr gern, denn alles was da stattfindet, gibt einem das angenehme Gefühl, Teil einer sinnstiftenden Gemeinschaft zu sein mit dem, was man da so vor sich hinwurstelt. Dasselbe Gefühl oder dieselbe Illusion bekommt man übrigens auch auf der Berlinale. Allein die Energie dieser vielen Leute, die zusammenkommen, sich die Nächte um die Ohren schlagen und nichts als Film im Kopf haben, macht irgendwas mit mir. Die Idee zu “Kreuzweg” entstand auf einer Berlinale, und zwar, wenn man es ganz genau wissen will, auf dem Fahrrad auf der Potsdamer Straße, vor dem Sony Center, Fahrtrichtung Philharmonie. Der Unterschied zwischen der Berlinale und meiner kleinen Coworking-Community ist vor allem, dass es in letzterer auch vorkommen kann, dass wochenlang keiner auftaucht und man komplett allein da sitzt. Wir hatten sogar schon Mitmieter, die eingezogen sind, ihren Schnittplatz aufgebaut haben und dann jahrelang nicht mehr gesehen wurden. Auf alle Fälle herzlichen Glückwunsch an Andreas Wodraschke, und wenn’s nach mir geht, kann er jederzeit gern wiederkommen, auch wenn der nächste Film auf einer Baustelle oder in einem Stahlwerk spielt.

Abends gehe ich dann endlich mal in einen Wettbewerbsfilm. Heute hat der Film Premiere, der das zum Titel hat, was der geniale Comiczeichner Mahler eingangs schon erwähnt hat und was man in Berlinale-Filmen sowieso oft tun möchte: Sterben. Ich habe mir ja vorgenommen, mal positiver zu werden, und hier kommt die Gelegenheit, der Film ist nämlich wirklich und wahrhaftig und tatsächlich gut. Er hat kluge, doppelbödige, dem Leben abgelauschte Dialoge. Er ist dadurch lustig, ohne dabei den Ernst zu verlieren. Er bietet ein gar herrliches Wiedersehen mit Robert Gwisdek, mit dem ich vor langer Zeit gleich bei zwei Filmen die Ehre hatte, bevor er sich aus der Branche verabschiedete, um lieber Rapper zu werden. Matthias Glasner hat da anscheinend mehr oder weniger sein eigenes Leben verfilmt (die Rolle von Hans-Uwe Bauer heißt wahrhaftig “mein Vater”), und das finde ich ja ohnehin gut, wenn Leute das machen, denn das wird immer interessant und oft zwingend. Ich fand den Terence-Malick-Film “The Tree of Life” beispielsweise etwas merkwürdig, aber die Sequenzen in den 50er Jahren mit Brad Pitt als autoritärem Vater waren grandios, die waren nämlich garantiert verfilmtes eigenes Leben. “Sterben” ist ähnlich zwingend, die drei Stunden sind gefühlte zwei-zwanzig, die Musik von Lorenz Dangel ist ungewöhnlich und toll, nur die Figur von Lilith Stangenberg zieht es für mein Gefühl etwas herunter, denn diese junge Frau auf dem glamourös-krassen Selbstzerstörungstrip habe ich irgendwoanders schon ein- oder zweimal gesehen, aber egal, danach wird er wieder gut, der Film pustet irgendwas im Kopf frei, und das gefällt mir sehr. Außerdem sagt Robert Gwisdek in seiner Rolle als Komponist etwas sehr Tolles, grundlegend Wichtiges über Kunst und Kitsch, nämlich: “Es gibt einerseits Kitsch für die breite Masse, andererseits Kitsch für die Schlauberger, und ich kann mich gar nicht entscheiden, was ich schlimmer finde.“ Allein da möchte ich schon aufspringen und ausrufen: Endlich sagt’s mal einer! So isses! Und ein Großteil dieser Blas-mir-einen-ich-will-sterben-Berlinalefilme ist genau das: Kitsch für die Besserwisser und Schlaumeier!
Da nehme ich “Sterben” aber ausdrücklich raus, der ist klug und groß und wird bestimmt irgendwas gewinnen.

Der Body Count ist für einen Film mit diesem Titel eher moderat. Wir haben am Ende drei Tote.
Dann: Standing Ovations.
Danach: Party. Lars Eidinger legt auf.
Am Anfang der Party auflegen, bevor Lars Eidinger auflegt, ist vermutlich der undankbarste Job des Festivals. Als Eidinger dann auflegt, halten alle ihre Handys in die Höhe und dokumentieren, wie Lars Eidinger auflegt.
Habe ich dann natürlich auch gemacht. Das Foto ist aber unscharf und verwischt. So soll es sein.

Heute gehe ich zum Empfang der bayerischen Filmförderung, und da fällt mir auf, dass fast niemand mehr seinen Festivalausweis an einem Band um den Hals trägt. Früher hat das jeder gemacht. Als ich vor vielen Jahren die glitzernde Welt der Filmfestivals zum ersten Mal betrat, da tat ich, was die Kinder nun mal tun: Ich imitierte die Erwachsenen und hängte mir meinen Festivalausweis um den Hals. Dann war das halt so, man lief so herum, bis eines Tages bei irgendeinem Festivalgespräch irgendein alter weißer Mann neben mir stand und sinngemäß sagte: Ich bin doch nicht bekloppt und hänge mir so ein Hundehalsband um. Eigentlich hat er recht, dachte ich mir, und seitdem steckt der Festivalausweis im Portemonnaie neben Personal- und Organspendeausweise und wird genau wie dieser hervorgeholt, wenn man ihn braucht. Das war vielleicht im Jahr 2015, und jetzt machen es anscheinend alle so.

Natürlich signalisiert der Ausweis, egal ob sichtbar oder unsichtbar getragen, die Zugehörigkeit zu einer auserwählten Gruppe. In Cannes wird das besonders weit getrieben, da kommt man ohne Ausweis überhaupt nicht aufs Festivalgelände, und dann gibt es noch eine verwirrende Vielzahl an hierarchischen Ausweis-Abstufungen, die durch bunte Streifen und Sternchen kenntlich gemacht werden. Irgendwie bin ich nie das Gefühl losgeworden, dass dieses Getue um auserwählte Zirkel eigentlich gegen den Geist des Kinos ist, das ja ursprüngliche eine sehr demokratische Kunst war – der Eintritt ist im Vergleich zu Theater und Oper billig, es werden keine großen Schranken aus Bildung und Distinktion errichtet, es ist ein Jahrmarktvergnügen, wo jeder, der zehn Pfennige erübrigen kann, rein darf. Auf der Produktionsseite hingegen ist Film äußerst undemokratisch, exklusiv und restriktiv, einen Film überhaupt machen zu können ist schon ein unerhörter Erfolg, auch in unseren komplett geförderten europäischen Produktionslandschaften, denn dieses viele Geld zieht eben auch eine große Menge an Leuten an, die es haben wollen, und so kloppen sich immer zuviele Leute um zuwenig Geld, und am Ende sind da zuviele Filme für zu wenige Zuschauer. “You have to fight to get into the bloody war”, soll mal ein Produzent ausgerufen haben. Das war allerdings in Hollywood, wo nicht so viel Staatsknete unterwegs ist, aber Filmemachen dafür noch teurer und mit noch mehr Hysterie umgeben.

Deutschland ist ja ungeheuer international und weltoffen geworden, aber es wird immer noch miserables Englisch gesprochen, das fällt einem auf, wenn ausnahmsweise mal jemand eine Rede auf Englisch zu halten versucht. Und alle positionieren sich “gegen rechts”, das ist nach “Maske tragen und zuhause bleiben” und “Lasst euch impfen” und “Stand with Ukraine” das derzeitige Ding. Zwischendurch war noch irgendwas mit Israel, aber da war nicht so richtig klar, was man sein mußte, für oder gegen Gaza oder Israel. Ziemlich lustig finde ich es, wenn genau dieselben Leute, die auf jeden fahrenden Hurra-Hashtag-Zug aufspringen, dann behaupten, es seien die anderen, also die “Rechten”, die “einfache Antworten auf komplexe Fragen” bieten würden. Das ist wirklich die stets wiederkehrende Formel: Verführerisch einfache Antworten auf komplexe Fragen. Aber vielleicht bin nur ich es, der da eine gewisse Diskrepanz sieht.

Es ist bekanntlich meine erste Berlinale seit dem enthemmten Irrsinn, den ich mit ein paar Freunden vor drei Jahren mit ein paar lustigen Videos losgetreten habe, und was wirklich auffällt: Ständig kommen irgendwelche Wildfremden und bedanken sich, gratulieren, äußern Anerkennung. Und viele andere, nicht wildfremde sagen im Gespräch, dass sie die gesellschaftliche Stimmung auch grauenhaft fanden und aus dem Kopfschütteln bis heute nicht herausgekommen sind. Ansonsten ist Corona total weg. Maske und Abstand ist ein Witz von vorgestern. Die neue Normalität, von der sich im Frühjahr 2020 alle einig waren, dass sie AB JETZT FÜR IMMER gelten würde und eine Rückkehr zur alten Normalität GARANTERT NIEMALS passieren würde und dass das auch gut sei, weil unsere bisherige Lebensweise so AUF GAR KEINEN FALL hätte weitergehen können, also dass wir ab sofort quasi immer mit Maske und Abstand und Kontaktreduktion zuhause sitzen würden – diese “Neue Normalität” ist verschwunden und vergessen, und je eifriger jemand sie bejubelt hat, desto weniger will er daran erinnert werden.

Heute ist Vollversammlung der Deutschen Filmakademie. Auf dem Programm steht ein Gespräch mit Daniel Kehlmann, geführt von Ulrich Mattes, zum Thema “Wie politisch ist die Kunst”. Das finde ich eine interessante Wahl, da muss ich an die Zeit vor drei Jahren zurückdenken, als die Kunst mal kurz sehr politisch wurde und genau derselbe Ulrich Mattes vor laufender Kamera meinte, wir, also die Mitwirkenden der Aktion „Allesdichtmachen“, seien ja anscheinend “balla-balla.“

Ich frage mich, warum da nicht Ulrich Tukur sitzt oder Jan Josef Liefers oder Volker Bruch. Die hätten doch vielleicht substantiellere Beiträge zum Thema parat als jemand, dem im Zweifelsfall nichts besseres einfällt, als den eigenen Kollegen (und zwar wohlgemerkt als oberster Würdenträger der Branche) zu verkünden, sie wären balla-balla. Nichts wäre einfacher gewesen, als wohlgesetzte präsidiale Worte zu finden, irgendwas von Meinungsfreiheit und Kunstfreiheit gerade in Zeiten der Kontroverse (wann denn sonst) hätte einem unschwer einfallen können, aber nein, balla-balla.

Die Filmakademie organisierte damals einen Online-Vortrag (natürlich keine Debatte, wie es die Engländer gemacht hätten) von einem Philosophieprofessor zum Thema “Dynamiken der Radikalisierung” oder so ähnlich. Wir, die Protagonisten der ganzen Aufregung, waren zunächst gar nicht vorgesehen, man wollte über uns reden, aber um Gottes Willen nicht mit uns. Auf Beschwerde hin durften wir uns dann doch dazugesellen, aber als wir uns dann äußern wollten, wurde uns unter dem Hinweis auf Redezeit der Ton abgedreht. Aber Ulrich Mattes kriegt jetzt so viel Redezeit, wie er will. Ich bin damals in Reaktion auf genau diesen Vorfall der Akademie beigetreten, quasi unter Protest, während andere unter Protest ausgetreten sind, aber ich dachte mir: Nee, jetzt rein in die Institutionen und da den Mund aufmachen.

An Ulrich Mattes hätte ich eine ganz simple Frage: Steht er weiterhin zu seiner Aussage von damals? Oder nicht mehr? Diese beiden Möglichkeiten sehe ich. Und wenn letzteres der Fall ist, dann wäre es vielleicht ein Anlass, das auch öffentlich zu sagen, die eigene Rolle zu reflektieren und die ganze Zeit überhaupt mal kritisch zu betrachten. Das wäre ja vielleicht sowieso die Rolle der Kunst. Aber da liege ich natürlich falsch, die Rolle der Kunst ist, das “current thing” zu supporten, also den Hashtag zu feiern, der gerade angesagt ist. Schon der Hashtag von vorgestern könnte einen in Schwierigkeiten bringen. Ich würde gerne mal rausfinden, was passiert, wenn ich mich mit einem Schild auf den roten Teppich stelle, auf dem steht “Impfen ist Liebe”. Leider fällt mir das erst jetzt ein, aber dann mache ich es halt nächstes Jahr.

Vor einigen Jahren erfand ich mich als Berlinale-Klatschkolumnistin neu. Vorausgegangen war ein Moment des Zweifels, ob es eigentlich irgendeinen Sinn hat, jedes Jahr auf die Berlinale zu gehen, sich dort ungeheuer viele Filme anzuschauen, die man zumeist schnell wieder vergessen hat, und Gespräche zu führen, für die das gleiche gilt. Also beschloß ich, darüber zu schreiben. Einige Jahre lang bereitete mir das große Freude, dann kam eine merkwürdige Massenhysterie, und ich tat das, was ich schon immer getan hatte: Ich sagte meine Meinung. Der Rest ist, wie man so sagt, Geschichte, und je länger sie zurückliegt, desto lustiger finde ich sie. Jetzt gehe ich nach vier Jahren Pause mal wieder auf die Berlinale und hole hiermit auch meinen Berlinale-Blog aus der Versenkung.

Meine letzte Berlinale war 2020, da ist man der Pandemie gerade noch so von der Schippe gesprungen, es wurde schon Klopapier gehamstert und von Masken gemunkelt, und ich war sauer, man hatte nämlich meinen Film “Nö” abgelehnt. Diese Ablehnung war sozusagen die erste Amtshandlung des damals noch recht neuen Festivaldirektors Carlo Chatrian gewesen, sie war uns schon im Sommer 2019 durch irgendeinen untergeordneten Angestellten mitgeteilt worden, und dass ich das hier so verkünde, ist auch schon wieder ein Tabubruch, denn sowas macht man anscheinend irgendwie nicht, zumindest macht es sonst niemand.

Vorausgegangen waren lange Jahre unter Direktor Dieter Kosslick, der glühende Verehrer und ebensolche Feinde hatte. Ich hatte nichts gegen ihn, ich kannte ihn aber auch kaum. Andere Festivalleiter lernt man kennen und kennt sie dann, oft mag man sie auch, man kann mit ihnen eine lustige Zeit haben, sich über Filme und Gott und die Welt austauschen, sie versprühen Enthusiasmus, Offenheit und Neugier. Kann sein, dass Dieter Kosslick das auch versprüht hat, aber wenn, dann nicht in meine Richtung. Meine einzige Interaktion mit ihm blieb ein Handschlag auf dem roten Teppich bei der Premiere von “Kreuzweg” und vermutlich dann noch einer bei der Preisverleihung, aber daran kann ich mich nicht erinnern, da hatte ich Fieber und hätte ins Bett gehört, was sehr schade war. Danach hatte ich endgültig die Schnauze voll von der Berliner-Winter-Berlinale-Grippe, da wurde eine Sauna angeschafft und regelmäßig benutzt samt Eisbad hinterher und kalter Dusche morgens, seitdem ist Kranksein kein Thema mehr, aber das ist eine andere Geschichte, und deswegen hatte ich auch von Anfang an nicht so wahnsinnige Angst vor Corona, aber auch das ist eine andere Geschichte. Als sich Kosslicks Amtszeit jedenfalls dem Ende entgegenneigte, da mußte man sich unwillkürlich an einige schlimme Bauchlandungen erinnern, die die Berliner Kulturpolitik in Personalentscheidungen hingelegt hatte, beispielsweise beim DFFB-Direktor und bei der Volksbühne, wo in obskuren Hinterzimmerentscheidungen Böcke zu Gärtnern gemacht wurden, um gleich darauf spektakulär zu scheitern, also tat ich mich mit einem Regiekollegen zusammen, und wir starteten eine Petition, die sich nicht so sehr gegen Kosslick richtete, sondern vor allem die Politik auffordern wollte, ein anständiges Verfahren zu machen, und die am Ende an die 80 Unterschriften hatte. Das gab dann aber großes Geflatter und Geschrei, Kosslick fühlte sich anscheinend angegriffen und soll diverse Leute angerufen haben, das sind aber nur Gerüchte, mich hat er nicht angerufen, vielleicht haben wir einfach nicht so einen Draht. Die dreiköpfige Findungskommission fand dann in Gestalt von Mariette Rissenbeek sich selbst, außerdem erwählte sie Carlo Chatrian, und als der seinen Job antrat, dachte ich mir: Hey, vielleicht habe ich zu dem ja einen besseren Draht als zu Dieter Kosslick, eigentlich mag ich Festivalleute doch oft sehr gern, beispielsweise die aus München oder Karlovy Vary oder Jerusalem oder Palič in Serbien oder sonstwo, also schrieb ich ihm und regte einen gemeinsamen Kaffee an. Nach holpriger Terminfindung trafen wir uns dann morgens um neun in einem Kreuzberger Café, er hatte 40 Minuten, und leider hatten wir auch keinen so richtigen Draht. Ich meine mich zu erinnern, dass ich den einen oder anderen Scherz versucht habe, wie man das halt gemeinhin so macht, aber dieses Phänomen, das die Hirnforscher “Resonanz” nennen, wollte sich nicht einstellen. Ein paar Monate später wurde dann unser Film abgelehnt, was ich sehr bedauerlich fand, und damit begebe ich mich auf dünnes Eis, denn Anpreisung der eigenen Werke samt Eingeschnapptsein, wenn die irgendwo auf Ablehnung stoßen, ist natürlich ein schimmer Fauxpas, aber ich preise hier ja gar nichts an, ich versuche es mal umgekehrt: Ich habe auf der Berlinale schon derart viele unerfreuliche Filme gesehen, da wäre mein Werk im Jahr 2019 vermutlich nicht besonders negativ aufgefallen.

Jetzt ist Carlo Chatrian auch schon wieder Geschichte, offenbar hat er seinen Job anders interpretiert, als das von der Politik gewünscht war, und als ein offener Brief zu seiner Unterstützung herumging, habe ich den natürlich nicht unterzeichnet, ich dachte kurz darüber nach, aber irgendwie ging es nicht. Das Problem sind aber nicht einzelne Enscheidungen oder einzelne Leute, sondern das ganze System der Festivals, das man meiner Meinung nach gar nicht scharf genug kritisieren kann. Das englische Wort für “Einreichung” lautet Submission, es bedeutet außerdem auch “Unterwerfung”, und das ist kein Zufall. Man unterwirft sich einem Hofstaat aus Hofschranzen. Alle schauen nur noch auf Rangordnungen, Hackordnungen, Wettbewerbe, Nebenreihen, Preise, Jurys, Gremien, Shortlists, Longlists, A-Festivals, Förderentscheidungen, Stoffentwicklungs-Labs und so weiter und so weiter. Jedes Gespräch auf jedem Empfang irgendwo in Tallinn oder Toronto oder sonstwo klingt ungefähr gleich: Wir haben XYZ eingereicht, hoffen aber auch noch auf ABCDE, dann gibt es noch CCC und BBB, wir waren in Cannes so kurz davor, setzen aber sonst auf Telluride oder Sundance, wir haben hier diese lobende Erwähnung und da diesen Preis, der Gewinner aus Venedig ist “amazing” und “passionate” und “daring” und “boring”, ach nein, sorry, “boring” sagt natürlich niemand, obwohl es das zutreffendste wäre. Natürlich tut man so, als stünde man darüber, und niemals würde man einfach so verkünden, wo man abgelehnt wurde und wie doof man den ganzen Laden findet, aber in Wahrheit ist man von krampfhaftem Ehrgeiz durchdrungen und muß das leider auch sein, denn beim Film hängt leider die Produktion direkt am Erfolg. Als Schriftsteller oder Komponist kann ich völlig erfolglos sein und trotzdem genau die Werke produzieren, die ich produzieren will. Beim Film geht das leider nicht. Erfolg schafft überhaupt erst die Gelegenheit zum nächsten Werk, und der Erfolg bemißt sich darin, in diesem unerfreulichen Hofschranzensystem möglichst weit nach oben zu kommen, und das begünstigt eben Persönlichkeitsstrukturen, die genau darin gut sind. Jahrelang stand ich neben solchen Gesprächen, wollte mich vor Langeweile an meinem Festival-Badge-Bändchen irgendwo aufhängen und dachte: Ihr seid doch die Künstler, die Freigeister, die Hochseilartisten, ihr solltet euch über diesen ganzen Zirkus totlachen, aber ihr steht hier wie Höflinge und Kleingartenvereinsmeier, die sich darüber auslassen, wer am nächsten beim König sitzt und welcher Punkt in der Satzung wie geändert werden sollte! Ich möchte euch packen und schütteln! Doch dann fiel mir auf: Nein, ihr seid gar keine Künstler und Freigeister, ihr seid hier genau richtig. Die Künstler und Freigeister, die findet man durchaus auch, aber oft sind sie gar keine Regisseure, sondern Produzenten oder Kameraleute oder Festivalleiter, und damit schließt sich ein Kreis. Jedenfalls ist mir mittlerweile alles egal. Ich sage, was ich denke, und ich möchte bitte, dass möglichst offen und öffentlich diskutiert wird, wer was wo abgelehnt hat, und außerdem möchte ich, dass dieses ganze System abgeschafft und durch was besseres ersetzt wird. Man stelle sich vor, in Woodstock wären am Ende Preise für “Best Male Vocal Performance” oder sowas vergeben worden. How much not Rock’n’Roll can you be.

Über die diesjährige Berlinale habe ich jetzt bisher gar nichts geschrieben und bitte vielmals um Verzeihung. Zur Eröffnung war ich diesmal nicht eingeladen, was mir das Nachdenken erspart hat, ob ich hingehen soll, denn Eröffnungsfilme sind traditionell schlecht (und wenn sie doch mal gut sind, so wie “Hail Caesar”, dann mäkelt das Publikum). Den ganzen Papierstapel samt Festivaltasche, den man früher überreicht bekam, gibt es nicht mehr. Das finde ich eine erfreuliche Neuerung. Schon vor vielen Jahren habe ich nach kurzem Nachdenken zehn Jahrgänge kiloschwere Berlinale-Kataloge aus meinem Regal entfernt und entsorgt. In den Büroräumen, die ich mir mit Freunden teile, liegt auf dem Klo noch ein Berlinale-Katalog von ca. 2012, manchmal blättert man ihn durch, und es ist eine Lektion in Demut. Ein serbischer Filmproduzent, mit dem ich sehr gut befreundet bin, erzählte mir gestern abend, dass er sämtliche Festivalkataloge einem befreundeten Bauern gibt, der sie als Brennmaterial zur Herstellung von Rakija verwendet. Sie brennen wohl nicht gut, aber trotzdem schließt sich da ein weiterer Kreis, damit wären für heute genug Kreise geschlossen, ich verabschiede mich und gehe jetzt wieder in den Festivalzirkus. Macht ja doch auch irgendwie Spaß.

Ich bin mit einer schwerstbehinderten Schwester aufgewachsen. Ich war Zivi in der „individuellen Schwerstbehindertenbetreuung“. Ich weiß, was Pflege ist. Und ich weiß, dass viele in der Pflege zur Zeit sehr wütend sind. Wütend auf eine Politik, die sie nicht erst seit Corona, sondern seit Jahren im Stich läßt. Die ihren grundlegend menschlichen Impuls des Helfens ausnützt, um sie unter katastrophalen Bedingungen bei schlechter Bezahlung zu verheizen. Die jetzt noch wütender sind, weil sie weiter verheizt, aber zugeich heroisiert und instrumentalisiert werden, um den immer längeren Lockdown zu rechtfertigen. Zum Glück hat die Politik vorausschauend gehandelt, und wir erinnern uns ja alle an den großen Aufruf im Sommer 2020, der da lautete:

Alle mal herhören! Da rollt was auf uns zu! Jeder, der mal in der Pflege gearbeitet hat oder in Ausbildung ist, möge sich melden! Wir legen 500€ auf jedes Gehalt drauf, bringen den Laden auf Vordermann und kommen um den zweiten Lockdown herum!

Äh, nein. Ist bekanntlich nicht passiert. Stattdessen wurde auf dem Berliner Messegelände eine Notklinik mit 500 Plätzen aus dem Boden gestampft, die bis heute leersteht. Und mir möge jetzt keiner damit kommen, das sei alles nur von hochqualifizierten Fachkräften zu erledigen. Das stimmt zum Teil, und zum anderen Teil stimmt es nicht, wie dieser sehr lesenswerte Text es klar erläutert. Und Geld sollte ja eigentlich keine Rolle spielen. Ärzte in Impfzentren verdienen um die 130€ pro Stunde. Also, ich würde mal sagen, die Politik hat keine Ausrede. Wirklich keine.

Ich weiß noch, wie ich im März 2020 zuhause saß und mir dachte: Okay, wenn jetzt wirklich die Killerviruspandemie heranrollt und in den Krankenhäusern das absolute Chaos ausbricht, dann melde ich mich freiwillig und schiebe Betten. Als Ex-Zivi bin ich ja sozusagen Reservist, und die Analogie des Pandemiegeschehens zum Krieg bekam man ohnehin überall serviert. So kam es nicht, es kam anders, ein Jahr später sitzen wir am hundertachtzigsten Tag des 28tägigen Wellenbrecher-Shutdowns zuhause und lassen uns immer noch erzählen, das liege an den überlasteten Pflegekräften, da könne man leider nix machen, deswegen müsste Restaurants, Kinos und Museen leider weiter geschlossen bleiben, während die Leute sich in die U-Bahn und ins Büro pferchen dürfen wie eh und je.

Ich halte dieses Thema für weithin konsensfähig. Ich kenne niemanden und ich kann mir auch niemanden vorstellen, der sagen würde: Die sollen mal alle nicht so rumjammern. Ich glaube, wir sind uns da alle einig. Und das ist ein guter Anfang. Denn in einer Zeit, in der sich alle fürchterlich uneinig sind, ist es doch gut, wenigstens in einem Punkt Einigkeit zu finden.

Vor zwei Tagen meldete sich eine alte Bekannte aus HFF-Zeiten, die seit einem Jahr tatsächlich in der Pflege arbeitet. Sie hat jetzt mit Freunden eine Aktion namens „Pflegerebellion“ gestartet. Ich mach’s kurz: Ich bin dabei. Und ich will, dass alle dabei sind. Von links bis rechts, von oben bis unten, vom Hardline-Corona-Kritiker bis zum Zero-Covid-Apostel. Der Pflegenotstand passiert direkt hier in der Mitte unserer Gesellschaft, er betrifft uns alle, und ich kenne eigentlich niemanden, der keinen ausreichenden Grund hätte, sich da nicht am 12.5. um 5 vor 12 mit einem Handtuch im solidarischen Protest vor die Parlamente zu legen. Ich werde zumindest dabeisein. Und bis dahin will ich, dass sich das herumspricht. Helft alle mit. Danke.

Zur Zeit senden Journalisten mir immer wieder Listen von Fragen, die sich oft ähneln. Daher fasse ich sie hier zusammen und beantworte sie nacheinander gebündelt. Wer sie abdrucken will, darf das unter Nennung der Quelle gern tun. In den nächsten Tagen werden vermutlich auch noch welche dazukommen. Stört Euch nicht am irritierenden Wechsel von Sie- und Du-Form, und werfen Sie mir den teilweise etwas inquisitorischen Duktus der Fragen nicht vor, denn ich habe sie nicht verfasst.

Jan Josef Liefers kritisiert in seinem Beitrag vor allem die Rolle der Medien. Sehen Sie das ähnlich? Fühlen Sie sich nicht informiert bzw. falsch informiert durch die Presse in der Pandemie? 

Ich lese viele englische und amerikanische Medien, und im Vergleich erscheint mir die deutsche Presse weniger facettenreich. Die Mehrzahl der Berichte unterstützt unsere Maßnahmen oder setzt sie einfach als gegeben voraus. Hinterfragung der Maßnahmen hat weniger Raum, und wenn, dann meist eher in der Ausgestaltung von Detailfragen. Berichte über die Schäden durch die Maßnahmen sehe ich selten, dann meist eher in regionalen Medien, und das steht in einem eklatanten Mißverhältnis zu anekdotischen Berichten aus dem Freundes- und Familienkreis, aus denen man hochrechnen kann, dass ein ganzes Land unter dem Lockdown ächzt. Diese Berichte sind außerdem stets sachlich-referierend, nie emotionalisierend. Nach hochemotionalen Berichten von der Corona-Station muß ich nicht lange suchen, aber den hochemotionalen Besuch bei fünf Familien, die Angehörige wegen immer wieder verschobener OPs verloren haben, den suche ich bis heute. Und am lautesten ist ein ständiger Strom an grellen Panikmeldungen, die mir stets aufs neue Angst vor der nächsten großen Infektionswelle machen, die dann doch immer etwas milder ausfällt, was dann stets durch Maßnahmen erklärt wird. Diese Berichterstattung scheint mir übrigens gegen Ziffer 14 des deutschen Pressekodex zu verstoßen: „Bei Berichten über medizinische Themen ist eine unangemessen sensationelle Darstellung zu vermeiden, die unbegründete Befürchtungen oder Hoffnungen beim Leser erwecken könnte.“

Haben Sie die Teilnehmer der Aktion #allesdichtmachen über deren wahres Ziel getäuscht?

Nein. Ziel der Initiative „allesdichtmachen“ war, nach einem Jahr Lockdown inhaltliche Kritik mit filmischen Mitteln zu äußern. Das habe ich den Teilnehmer:innen, mit denen ich sprach, genau so kommuniziert, und das war auch der Ansatz, auf den alle sich problemlos einigen konnten, wobei der Grad der Kritik bei den Einzelnen jeweils unterschiedlich war. Und auch darüber wurde offen geredet. Die Texte wurden als Angebot kommuniziert, und alle waren auch eingeladen, selbst etwas zu schreiben.  Die fertige Seite wurde allen Beteiligten mehrere Tage vor der Veröffentlichung zugänglich gemacht und Einverständnis eingeholt (mit zwei Ausnahmen, was ein organisatorischer Fehler war, der mir leid tut, allerdings lief nur einer dieser Kontakte über mich). Wir antizipierten durchaus Gegenwind, aber keine derart krasse Reaktion, und zwar aus drei Gründen: 1. Kritik am Lockdown ist ja in den Medien durchaus vorhanden. 2. Das gewählte Mittel (Satire über das Leben mit Corona-Maßnahmen) hat es auch bereits in Comedy-Formaten im TV gegeben. 3. Die gewählte Form (Persiflage von PR-Spots) enthält Kritik an Regierungskommunikation, und auch das sollte eigentlich nicht so kontrovers sein. Die Kampagne „Besondere Helden“ wurde ja z.B. auch heftig kritisiert.

Kannst du sagen, wann das erste Treffen der Leute mit der Ursprungsidee stattgefunden hat? Und wann bist du dazu gestoßen?

Wir haben entschieden, möglichst wenig über die Initiatoren der Aktion preiszugeben, um jeden einzelnen zu schützen.


Woher kamen Geld und Equipment für den Dreh?

Die Aktion hat ein paar Euro für Kaffee gekostet und einige Freundschaftsdienste. Equipment war vorhanden und wurde von Freunden geliehen. Die derzeitigen Spekulationen über Hintermänner und Strippenzieher sind amüsant, lenken aber von unserem Anliegen ab. Wir hinterfragen mit unseren Mitteln die Sinnhaftigkeit und Verhältnismässigkeit der Maßnahmen. Nicht mehr und nicht weniger.  Dafür braucht man kein Geld, sondern Leidenschaft. 

Aber Experten sagen: Die Filme müssen ganz klar einiges gekostet haben.

Echte Experten wissen, dass man einen billig produzieren Film am Ton erkennt. Für schöne Bilder braucht man heutzutage eine gute Kamera (leiht man sich von Freunden), eine Software namens DaVinci (kostet nichts) und jemanden, der damit umgehen kann. Für guten Ton ist etwas mehr Aufwand notwendig. Aber wenn man den auch mit Bordmitteln produziert, dann empfiehlt sich die Entrauschungssoftware „Brusfri“ der schwedischen Firma Klevgrand (Kostenpunkt €59.99, falls nicht gerade mal wieder eine Sonderaktion läuft), und für schöne Filmmusikklänge empfiehlt sich das kostenlose Plugin „Labs“ des britischen Anbieters Spitfire Audio.

Ich habe gesehen, dass du Unterstützer von „1 bis 19“ bist. Bei deren „Stimmen unserer Mitglieder“ bin ich über dieses Statement hier gestolpert: »Ein Stück Stoff dient wieder dazu, die Menschen in Gut und Böse zu trennen. Vor allem in Deutschland sollten wir es besser wissen.« Was hältst du davon? Desavouiert das nicht das ganze Unterfangen für dich? Meines Erachtens ist das Holocaust-Verharmlosung.

Dieses Statement rückt andere in die Nähe des Nationalsozialismus und ist damit indiskutabel. Man sollte andere nicht in die rechte Ecke stellen. Ich habe den Verein darauf hingewiesen und sie haben das Zitat entfernt. Mir ist jedoch nicht klar, wieso hierdurch das Anliegen von 1bis19 desavouiert sein soll. Sorge um unsere Grundrechte hat mit NS-Positionen nicht so viel zu tun. Wir sollten über Inhalte reden, anstatt uns gegenseitig in irgendwelche Ecken zu stellen. Lesen Sie sich mal das Positionspapier durch, es ist hervorragend.

Auf Ihrem Twitter-Feed teilen Sie die Website der „Freien Linken“. Wie stehen Sie zu der Organisation? Sind Sie Mitglied oder Teilnehmer der Telegram-Gruppe?

Mein Herz schlägt für die gute alte linke Idee der Solidarität. Ich fragte mich seit einem Jahr, wo die linke Kritik an den Corona-Maßnahmen bleibt. Dann tauchte diese Gruppe auf. Der Chat ist ungeheuer aktiv, und zumindest mir erscheint er im Duktus und Inhalt wie eine linke Diskussionsgruppe, wobei ich natürlich nicht ausschließen kann, dass da auch Unholde oder  Undercover-Journalisten mitdiskutieren.

Wie beurteilen Sie sinngemäße Aussagen von Querdenken-Gründer Michael Ballweg, der keine Unterschiede zwischen rechts und links macht, solange man für die „gemeinsame Sache“ kämpft? 

Ich würde gern dafür kämpfen, dass die Kritik an den Corona-Maßnahmen wieder da ankommt, wo sie hingehört: In der Mitte der Gesellschaft. Dafür möchte ich mich gemeinsam mit Menschen einsetzen, die mir sympathisch sind. Menschen, die andere Menschen abwerten, ausgrenzen und dehumanisieren, sind mir nicht sympathisch, und mit denen kämpfe ich nicht gemeinsam.

Sympathisieren Sie mit den friedlichen Demonstrationen von Querdenken 711? Oder braucht es eine andere Alternative, um den Unmut über die Politik auf die Straße zu tragen? 

Ich sympathisiere mit jedem Menschen in diesem Land, der ein Leben in Frieden, Freiheit, Gleichheit und Solidarität führen will. Nach Medienberichten, in denen die Teilnehmer dieser Demos als seltsame Trolle dargestellt wurden, ging ich im Sommer 2020 mal hin, um mir das anzuschauen, und sah dort in auffälligem Kontrast zu den Berichten die Mitte der Gesellschaft versammelt: 90% Normalos und Normalinas, 5% Spinner:innen, 5% obskure Gestalten, bei denen man nicht so genau sagen kann, ob sie vom Bayerischen Geheimdienst waren oder vom Parkour-Verein Tempelhof oder vom Mars. Angesichts der medialen Berichterstattung und auch des robusten Auftretens der Polizei erscheinen mir Demos aber zur Zeit nicht besonders sinnvoll.

Stecken Sie hinter dem SoundCloud-Pseudonym „Noisy_Nancy“ und wenn ja, wieso haben Sie einzelne Songs wieder gelöscht? 

Das Profil ist meins. Im ersten Lockdown dachte ich mir: Jetzt sind die Clubs zu, jetzt mache ich elektronische Musik. Die Tracks, die dort entstehen, hantieren stets mit verfremdeten Stimmsamples. Der Song, den Sie meinen, ist ein Remix. Im Netz kursierte ein Video, in dem jemand mit einem Auto durch irgendeine Stadt fuhr, aus dem eine lautstarke Computerstimme völlig emotionslos einen obszönen Text gegen die Maßnahmen aufsagte. Ich dachte mir: Warum macht der das? Wieso muß er seine Stimme so verstärken? Und wieso ruft er das nicht selber, sondern nimmt eine Computerstimme, also die anonymste aller Stimmen? Vielleicht macht er es, weil er tatsächlich keine Stimme hat. Die, die unter den Maßnahmen leiden, werden von der Politik nicht gehört. Ich kenne Leute, die 800€ Hilfe kriegen und 900€ Miete zahlen. Menschen stehen vor den Trümmern ihrer Existenz. Und diese Not treibt dann jemanden zu so einer verzweifelten Ein-Mann-Demo, die fast einer absurden Kunstperformance gleicht: Er setzt sich ins Auto, fährt durch die Stadt und delegiert seinen Protest an eine anonyme Computerstimme. Aus diesem Impuls entstand der Remix. Kunst ist auch dazu da, diesen maximalen Tabubruch kurz explodieren zu lassen – um sich abzureagieren, oder um eine Debatte zu öffnen. Ein Punksong dauert zwei Minuten. Die Maßnahmen dauern jetzt ein Jahr, und das führt dann zu solchen Aktionen. Als unser Shitstorm losging, wollte ich den Song in diesem Kontext nicht unbedingt um die Ohren gehauen bekommen und habe ihn daher vorübergehend entfernt. Ich kann ihn aber durchaus vertreten und werde ihn irgendwann wieder einstellen, wenn wir alle etwas friedlicher auf diese Zeit zurückschauen können. Einstweilen hätte ich Lust, einen neuen Song zu produzieren, diesmal mit echten Stimmen. Ich glaube, was wir jetzt brauchen, ist eine Stimmung namens: Wir machen auf. Wir packen an. Wir kriegen das hin. Wir krempeln die Ärmel hoch. Die Leute sind nicht nur pandemiemüde, sondern auch pandemierfahren und außerdem tatendurstig. Man muß Ihnen jetzt endlich mal Eigenverantwortung zugestehen und sie „empowern“. Wenn mir also ein paar Leute solche kurzen Sprachaufnahmen schicken möchten, dann würde ich mit Freude einen Song daraus stricken. Mailadresse steht im Impressum.

Im Interview mit dem Fernsehsender Welt sagen Sie, man müsse endlich wieder alles aufmachen. Sind Sie also für eine sofortige Beendigung aller Maßnahmen inklusive Maskenpflicht etc.? 

Ich bin dafür, diese Option nicht von vornherein aus dem Diskurs auszuschließen. Verschiedene amerikanische Bundesstaaten haben es uns ja vorgemacht, auch schon vor der Impfung. Wir können hier nur sinnvoll diskutieren, wenn keine mögliche Position von vornherein verboten ist. Und ich bin auf alle Fälle dafür, den Leuten wieder mehr Entscheidungsfreiheit zu geben. Ich glaube, dass die Menschen gut verstehen, wie sie für sich und andere sorgen können, wenn man auf sie zugeht und sie aufklärt, anstatt mit Regeln und Zwängen zu arbeiten. Nach einem Jahr Pandemie sind die Leute bereit dafür. Wir schaffen das.

Stecken Sie mit einem gewissen Paul Brandenburg unter einer Decke?

Ich unterstütze die Arbeit der von Paul Brandenburg mitgegründeten Initiative 1bis19, weil ich die Aussagen ihres oben bereits erwähnten Positionspapiers für richtig halte. Darüber habe ich Paul Brandenburg kennengelernt und halte ihn für einen integren Mediziner und Staatsbürger. Volker Bruch erging es genauso: Er las das Positionspapier und war überzeugt. Wenn die Initiative 1bis19 durch dieses mediale Interesse jetzt mehr Bekanntheit erfährt, dann freut mich das, denn in der bisherigen Berichterstattung war Corona-Prostest ja immer eine Sache von Spinnern. Aber das stimmt eben nicht. Es ist ein Anliegen, das in die bürgerliche Mitte der Gesellschaft gehört.
NACHTRAG, 2.5.2021 14h04:
Mon dieu, jetzt hat der Tagesspiegel aber nachgelegt. Ein solches Geraune mit unscharfen Begriffen wie „Nähe“ und Kontaktschuld erscheint mir hochproblematisch, und die Vermutung eines geheimen Netzwerks in der Filmbranche ist ja selbst eine Art Verschwörungstheorie. Anscheinend hat man beim Tagesspiegel Schwierigkeiten mit dem Gedanken, daß Kritik an den derzeitigen Maßnahmen eine Sache breiter Schichten sein könnte, und spinnt lieber Theorien, in denen ein finsterer Hintermann andere manipuliert. Also: Die Initiative 1bis19 war an der Produktion von „allesdichtmachen“ in keiner Weise beteiligt. Weder floß Geld noch wurde dienstgeleistet noch sonst irgendwas. Die Aktion wurde initiiert aus dem gemeinsamen Willen einer Gruppe von Schauspieler:innen, Kritik an den Corona-Maßnahmen zu äußern. Ich stieß dazu, und die Aktion nahm Gestalt an. Ansonsten stimme ich garantiert nicht mit allen Aussagen von Paul Brandenburg überein, er vermutlich auch nicht mit allem, was ich von mir gebe, aber da sollten wir uns wiederum alle einig sein, dass das Selbstverständlichkeiten sind. Herr Brandenburg wusste im Vorfeld von der Aktion, aber da war er nicht der einzige – sehr viele deutsche Schauspieler:innen und Filmschaffende wussten davon, meine Bandkollegen wußten davon, alle meine Freunde und viele Bekannte wussten davon. Wenn mehrere Leute in einem Netzwerk zahlreiche weitere Leute für eine gemeinsame Aktion anfragen, macht Geheimhaltung keinerlei Sinn.

Aber wir haben da was rausgefunden: Im Impressum auf Ihrer Website steht dasselbe Postfach wie bei diesem Paul Brandenburg..!

Dort stand bis vor einer Woche die Adresse des Arbeitsraums, den ich mir mit Freunden teile. Als der Shitstorm losging, wollte ich diese Freunde aber vor jeder noch so entlegenen Gefahr einer Belästigung schützen und bin daher vorübergehend Untermieter in Paul Brandenburgs Postfach geworden. Ich muß gestehen, dass ich ein gewisses Vergnügen daran empfand, Investigativjournalisten diese Freude zu bereiten. Hätte ich eine Verbindung zu 1bis19 verschleiern wollen, dann hätte ich schon eine andere Adresse gefunden. Es war nicht als Dauerlösung gedacht und ist auch schon wieder vorbei, denn jetzt steht im Impressum meiner Website die Anschrift meines Medienanwalts, der ein sehr friedfertiger Mensch ist, aber dennoch in der Lage, Verleumdung und üble Nachrede als solche zu benennen. Das mußte anscheinend sein. Wie auch immer: Ich habe nichts zu verbergen.

Im Einladungstext der Aktion ist von „Propaganda“ die Rede. Finden Sie das legitim, die Kommunikation der Bundesregierung als Propaganda zu bezeichnen? Die meinen es doch nur gut. Propaganda ist das, was die Bösen machen.

Ich möchte diese Frage strukturell betrachten und nicht moralisch. Und zwar, weil die Struktur die Moral offenlegt. In der Wikipedia steht: „Propaganda bezeichnet…die zielgerichteten Versuche, politische Meinungen oder öffentliche Sichtweisen zu formen, Erkenntnisse zu manipulieren und das Verhalten in eine vom Propagandisten oder Herrscher erwünschte Richtung zu steuern.“ Was sehen wir in der Kommunikation der Regierung, also z.B. bei „Besondere Helden“, „Wir bleiben zuhause“ oder „Meine Disziplin ist die beste Medizin“? Die Maßnahmen, also etwas äußerst Unangenehmens, das uns in der Essenz unseres Menschseins trifft und nebenbei viele Leute massiv finanziell und gesundheitlich schädigt, werden uns als nett, harmlos und irgendwie lustig verkauft. Es findet also eine Umwertung statt. Der Begriff „Propaganda“ hat in der Tat eine abwertende Konnotation, man sagt heute „PR“ dazu, aber man könnte fragen, ob diese Umbenennung nicht selbst schon wieder PR oder Propaganda ist. Es hängt am Ende davon ab, ob man ein feststehendes moralisches Bewertungssystem hat, also eine Doktrin, die die Welt zuerst in Gut und Böse einteilt und sie dann erst betrachtet – oder ob man ein  diskursives Weltverständnis pflegt, in dem man sich zunächst auf Werte und Normen einigt, dann die Phänomene analysiert, sie mit dem Wertesystem abgleicht und dann über ihren moralischen Wert entscheidet. Wenn wir uns darauf einigen, daß PR gut und Propaganda schlecht ist, dann müssen wir jetzt über den moralischen Wert einer Kommunikation befinden, die uns den Lockdown als netten Spaß verkauft. Und jetzt geht es um die Wurst. Wer doktrinär denkt, also „die Bundesregierung ist gut, und damit ist das, was sie tut, gut“, dann haben wir es hier mit PR zu tun. Denke ich jedoch diskursiv, dann betrachte ich die Struktur und sehe: Hier wird etwas Schädliches zu etwas Harmlosem umgewertet. Dieses Manöver ist unehrlich,  moralisch zumindest fragwürdig, und damit kann man es durchaus als Propaganda bezeichnen.

Hätten Sie vielleicht abschließend einen Tipp, wie wir Sie noch weitergehend diffamieren könnten? (Nein, diese Frage kam bisher nicht, aber sie steht ja  im Raum.)

Was Sie bestimmt ohnehin schon tun: Meinen gesamten Facebook-Feed inklusive sämtlicher Kommentare auf möglichst knallige Formulierungen durchsieben. Das ist alles ganz bewußt auf „öffentlich“ gestellt, weil es das ja sowieso ist. Ich zitiere nur seriöse Medien und versuche Beleidigungen zu vermeiden, auch wenn ich selbst beleidigt werde. Aber da läßt sich trotzdem bestimmt ein Zerrbild zusammenzitieren, ich rechne also mit Schlagzeilen wie „seit einem Jahr verbreitet er Querdenker-Narrative – ein Best Of“ oder so ähnlich. Sie könnten sich auch die Mühe machen, sämtliche Schauspielerinnen durchzutelefonieren, mit denen ich jemals gearbeitet habe, um herauszufinden, ob ich mich da jemals unkorrekt verhalten habe. Das wird nichts ergeben, aber sehr viel Arbeit kosten, ich empfehle es Ihnen also ausdrücklich. Andererseits würde ein solcher Themenwechsel Ihre Angriffe als Kampagne entlarven, bei der es überhaupt nicht um die Sache geht, und wäre somit für Sie eher kontraproduktiv. Sie könnten schließlich auch aus meinen Äußerungen auf sozialen Medien schließen, dass ich mich nicht immer streng an die jeweils gelten Kontaktbeschränkungen gehalten habe und vielleicht sogar andere zu Ähnlichem aufgefordert haben könnte. Ich halte es da mit Sascha Lobo: Ich mache meine eigenen Corona-Regeln. Und ich fände es schön, wenn wir da ehrlich miteinander wären, wir tun das nämlich alle. Was auch immer Sie tun, und selbst wenn es Ihnen am Ende gelingen sollte, mein Ansehen nachhaltig zu beschädigen (bisher beschädigen Sie ja eher das Ansehen Ihres Arbeitgebers) – die Videos unserer Aktion sind dennoch in der Welt, haben Wirkung erzielt und wirken weiter. Das Rad lässt sich nicht zurückdrehen.

Stimmt es, dass Sie die veraltete Schreibweise „daß“ verwenden?

Meistens schon, manchmal auch nicht. Ich gendere ja auch manchmal und manchmal nicht. Meistens verwende ich diese Schreibweise, und zwar weil ich sie schöner finde, weil ich sie klarer finde, und weil ich die Buchstabenkombination „ss“ nicht mag. Falls jetzt noch mehr Fragen zu Rechtschreibthemen kommen, würde ich dafür aber einen zweiten Thread aufmachen und mich hier wieder mehr ums Inhaltliche kümmern.

Noch ein kurzer Gedanke zu den Videos der Aktion #allesdichtmachen:

Natürlich kann man aus diesen Videos inhaltliche Botschaften herauslesen. Und zwar jeweils unterschiedliche. Niemand muß sich diese Standpunkte zueigen machen. Aber es sind legitime Standpunkte. Kritik an den Corona-Maßnahmen ist legitim. Kritik an der Absurdität einer Situation, in der jeder schon durch bloßes Atmen eine Gefahr für seine Mitmenschen darstellt, ist legitim. Kritik an Abstandsgeboten, die uns im Kern dessen treffen, was unsere Menschlichkeit ausmacht, ist legitim. Kritik an Ausgangssperren ist legitim. Kritik an Kontaktbeschränkungen, an die sich niemand konsequent halten kann, ist völlig legitim. Natürlich darf man diese Regeln in Frage stellen. Keines der Videos stellt Fragen, die man nicht völlig legitimerweise stellen darf.

Wir kennen es doch alle: Unter vier Augen gibt fast jeder zu, daß er die Regeln für sich etwas großzügiger handhabt und einiges auch gar nicht für sinnvoll hält. In der Öffentlichkeit sagt man dagegen: Natürlich halte ich mich an die Maßnahmen, trage Maske und so weiter. Natürlich steckt in diesem Auseinanderklaffen von Reden und Handeln eine ordentliche Portion Heuchelei. Und diese Heuchelei satirisch aufzuspießen, auch das ist völlig legitim.

Ich glaube, wir kämen als Gesellschaft weiter, wenn wir das, was wir im Privaten tun, auch öffentlich bekennen würden. Also z.B.: Ich halte mich nicht immer ganz konsequent an die Maßnahmen, weil das gar nicht möglich ist. Und ich mache mir auch manchmal Gedanken, ob sie allesamt so sinnvoll sind. Oder ob sie in unserem Leben etwas kaputtmachen, das sich so leicht nicht mehr reparieren läßt.

Oder wir bewegen uns in eine Gesellschaft, in der das öffentliche Bekenntnis streng getrennt ist von dem, was man im Privaten tut. Das wäre Doppelmoral. Wir kennen sie aus religiösen Gesellschaften. Wollen wir dorthin zurück? Ich glaube nicht.

Also lasst uns offen reden.

Gestern abend erreichte mich folgende Email. Ich dokumentiere sie hier, darunter mein Antwortschreiben.

Sehr geehrter Herr Brüggemann,

die Bildungsstätte Anne Frank kritisiert bei Twitter eine Ihrer Aussagen in Ihrem Clip zu #allesdichtmachen: https://twitter.com/BS_AnneFrank/status/1385536582795595778

Die Bildungsstätte schreibt: „Nach 75 friedlichen Jahren sind uns die Geschichten längst ausgegangen, wir brauchen neue (…) also (liebe Politiker) lasst es eskalieren!“ (Dietrich Brüggemann, Filmregisseur). Kleiner als NS-Vergleiche geht es nicht? (…) Wir haben mehr als genug geschmacklose KZ-Uniformen, Anne-Frank-Vergleiche und Judensterne auf Querdenken-Demos gesehen. Promis, die bei ihrer Kritik jetzt mit NS-Vergleichen operieren, bestärken eine Szene, die ohnehin kaum noch Zurückhaltung kennt.)“

Können Sie dazu Stellung beziehen?
Vielen Dank bereits im Voraus!

Mit freundlichen Grüßen
XXX
dpa

––––

Guten Tag!

Na klar. Verzeihen Sie mir, wenn ich dazu etwas ausholen muß. Man erklärt ja immer ungern den Witz, aber wenn es sein muß, voila.

Man muß schon um einige Ecken denken, um in einen Verweis auf 75 friedliche Jahre einen NS-Vergleich hineinzukonstruieren. Aber selbst das geht an der Sache vorbei.

Die Sache ist nämlich:
Wir haben es hier nicht mit einem Sachreferat zu tun, sondern mit einem eindeutig ironisch gehaltenen Video. Inhaltlich ist es eine Travestie. Dramaturgisch: Komödie. Die Figur, die da steht, ist also eine Kunstfigur und sagt Dinge, die ich als Privatmann möglicherweise genau umgekehrt sehe. Aber nicht zwingend. Einige Aussagen sind „straight“ und uncodiert, andere stehen auf dem Kopf, andere sind ins äußerste Extrem übertrieben. Um herauszufinden, was was ist, müßte man den Text decodieren und mit seinen eigenen Vorstellungen abgleichen. Das ist die Aufgabe des Zuschauers in der Komödie.

Man kann in diesem Video die Aussage finden, daß die darstellende Kunst ihre Stoffe oft dort sucht, wo es Menschen schlecht geht. Krisen sind Stoff für Bücher und Filme.

Man kann dort auch Kritik an diesem Sachverhalt herauslesen und sich fragen: Muß das so sein? Und: Stimmt das überhaupt?

Man kann sich dann daran erinnern, daß die NS-Zeit ja wirklich oft herhalten muß für Filme jedweder Qualität. Man könnte auch hieran Kritik herauslesen. Sollte die ARD vielleicht mal ihre Stoffe woanders finden? Vielleicht brauchen wir gar nicht so viele historische Schmonzetten?

Man kann sich fragen: Stimmt es, daß die Corona-Zeit eines Tages Stoff für Historienepen hergeben wird? Also: Könnten all diese Bilder von Polizeigewalt, die wir derzeit sehen, vielleicht eines Tages wirklich umcodiert werden von „gerechtfertigt“ zu „skandalös“?

Man kann nicht zuletzt auch die Aussage herauslesen, daß diese Zeit für viele Menschen aus vielen Gründen eine ungeheure Belastung ist, und je drakonischer die Regierung agiert, desto größer ist die Belastung.

Was man jedoch nicht herauslesen kann, ist die Aussage „das ist jetzt wie damals“. Der ironische Aufruf zur Eskalation enthält nämlich klar die Aussage: Das ist jetzt nicht wie damals. Ganz einfach.

Was auch immer man aus dem Text herausliest – Komödie lebt stets von der optimistischen Annahme, daß es zwischen Werk und Publikum einen Grundkonsens gibt. Dieser wird in der Komödie stets aufs Neue getestet und neu austariert. Wer diesen Grundkonsens aufgibt und dem anderen nur noch Böses unterstellt, der spielt seine eigene Komödie, und die heißt: Von einem der auszog, überall Nazis zu entlarven. Und die ist ähnlich traurig wie die Geschichte vom Mann, für den die Welt aus Nägeln besteht, weil er nur einen Hammer besitzt.

Beste Grüße
Dietrich Brüggemann

Wer mir vor einem Jahr erzählt hätte, daß im Februar 2021 in der Zeitung unter „Kriminalität“ stehen würde, daß die Polizei einen illegalen Kindergeburtstag aufgelöst hat, dem hätte ich einen an der Waffel bescheinigt. Ist jetzt aber Realität. Als Drehbuchautor kann ich da nur staunen – und mir ein Beispiel nehmen. Ab sofort geht einfach alles. Zum Beispiel die folgende Chronologie einer möglichen Zukunft. Die denke ich mir jetzt aus, und wer mir erzählen will, das sei unrealistisch, den schicke ich auf einen aufgelösten Kindergeburtstag.

16.3.2021
Die Inzidenzwerte sinken langsamer. Das RKI etabliert daher einen neuen Indikator, die sogenannte Sinkrate S, die anzeigt, wie schnell die Werte sinken. S=1 bedeutet, daß die Zahlen so schnell sinken wie im Durchschnitt der Vorwoche. Höhere Werte bedeuten schnellere Sinkgeschwindigkeit. Damit wäre zum ersten Mal ein Wert etabliert, bei dem nicht mehr möglichst niedrige, sondern möglichst hohe Zahlen erstrebenswert sind. Man verspricht sich davon mehr Akzeptanz. Außerdem ist „die Zahlen sind niedrig“ jetzt genauso eine schlechte Nachricht wie „die Zahlen sind hoch“.

18.3.2021
Eine Gruppe von Epidemiolog*innen, Virolog*innen, Mathematiker*innen und Statistiker*innen weist mit einer Modellrechnung nach, dass 167,3% sämtlicher Wissenschaftler*innen weltweit die No-Covid-Strategie unterstützen.

21.3.2021
Umfragen zeigen, dass eine überwältigende Mehrheit der Deutschen den Maßnahmen der Regierung umfassendes Vertrauen entgegenbringt.

24.3.2021
Modellrechnungen ergeben, daß die fünfte Welle, die uns ab November treffen wird, um 38% schlimmer wird als bisher berechnet.

27.3.2021
Die Sinkrate S ist schon wieder gesunken. Das RKI schlägt einen neuen Wert vor, der die Sinkgeschwindigkeit der Sinkrate mißt: Die sogenannte Meta-Sinkrate, abgekürzt Meta-S. Spätestens jetzt weiß niemand mehr, wovon eigentlich die Rede ist. Der Gesichtsausdruck von Nachrichtensprechern beim Verkünden besorgniserregender Meta-S-Werte bleibt aber unverändert besorgt.

1.4.2021
Regierungssprecher Seibert verkündet ein Ende aller Maßnahmen ab dem 2. April.

2.4.2021
April, April.

6.4.2021
Weil der S-Wert chronisch zu niedrig und Meta-S weiterhin besorgniserregend hoch ist, spricht die Kanzlerin ein Machtwort, und Deutschland bleibt bis Anfang Juni 2021 im Lockdown. Umfragewerte zeigen, daß eine breite Mehrheit der Deutschen der Regierung weiterhin großes Vertrauen entgegenbringt.

9.4.2021
Die brasilianische Mutante hat sich mit der norwegischen Mutante gepaart und eine sogenannte Hybride hervorgebracht. Die brasilianisch-norwegische Hybride ist nochmal um 42% infektiöser als alle bisher bekannten Varianten, verursacht bei 98% der Infizierten keinerlei Symptome und bei den übrigen 2% leichte Übelkeit. ARD und ZDF schalten sich zusammen für eine dreistündige Sondersendung unter dem Titel „Die Horror-Hybride – müssen wir noch mehr Angst haben?“

11.4.2021
Die Horror-Hybride hat bisher niemanden getötet. Karl Lauterbach erläutert bei Maischberger, warum die gute Nachricht eigentlich eine schlechte ist.

14.4.2021
Ein Messebauer aus NRW, ein Reiseveranstalter aus Husum und ein Restaurantbetreiber aus Niederbayern, die ihre Betriebe und gesamtes Vermögen samt Haus und Hof und Ersparnissen verloren haben, ketten sich an den Zaun vorm Kanzleramt, übergießen sich mit Benzin und zünden sich an.

16.4.2021
Fotos von den brennenden Menschen vorm Kanzleramt verbreiten sich in sozialen Medien und Messengerdiensten.

17.4.2021
„Selbstverbrennung“ trendet auf Twitter. BILD veröffentlicht ein Foto von drei verkohlten Leichen. Umfragen zeigen, dass die Deutschen der Regierung weiterhin voll vertrauen.

18.4.2021
Die ARD Faktencheck zu den Selbstverbrennungsbildern: Der Messebauer hatte bereits vor der Pandemie einen Kredit aufgenommen hatte, war also verschuldet, der Restaurantbetreiber war schon vor der Pandemie beim Konsum von Alkohol beobachtet worden, war also Alkoholiker, und der Reiseveranstalter hatte schon vor der Pandemie eine Scheidung hinter sich, war also aus privaten Gründen verzweifelt. Resultat: „Selbstverbrennung aus Verzweiflung wegen Corona“ ist Fake News. Und über Suizide soll ja ohnehin möglichst nicht berichtet werden.

19.4.2021
BILD kassiert eine Rüge vom Presserat wegen sensationslüsterner Berichterstattung. Politiker aller Fraktionen zeigen sich besorgt über die unkontrollierte Verbreitung von Fake News in Messengerdiensten. Die Grünen fordern ein Gesetz, das Presseberichte über Suizide generell unter Strafe stellt. Daraus wird ein Hashtag, Menschen gehen auf die Straße, eine NGO gründet sich. Die Kanzlerin zeigt sich sehr emotional bewegt über diese Bewegung und verspricht, das Thema bevorzugt zu behandeln.

20.4.2021
Die Umfragewerte für die Regierung sind auf einem Allzeithoch. Der Meta-S-Wert allerdings auch.

23.4.2021
In Schwäbisch Hall verbrennt sich auch jemand.

25.4.2021
Die Anstalten der ARD ändern ihre Richtlinien. Bisher kamen Masken und Abstand in den deutschen Fernsehfilmen nicht vor. Das ändert sich. Was ab jetzt gedreht wird, spielt in der Corona-Welt. Dabei stellt sich jedoch heraus, daß das alles irgendwie monströs wirkt, sobald man eine Kamera draufhält. Also hält man die Schauspieler dazu an, sich besonders natürlich und fröhlich zu geben, und schreibt außerdem zahlreiche Sätze in die Dialoge, in denen die Akteur*innen sich gegenseitig bestätigen, wie wunderbar sie auf sich und andere achtgeben. Es funktioniert nicht so richtig, das filmische Endergebnis wirkt dadurch noch seltsamer, aber das stört nur ein paar übersensible Regisseur*innen. In den Chefetagen der Sender*innen wird das Problem nicht so wahrgenommen. Außerdem zeigt sich, daß man Dreharbeiten deutlich effizienter durchführen kann, wenn die Schauspieler*innen Masken tragen, man kann nämlich den Ton einfach weglassen, kommt fast immer mit einem einzigen Take hin und ist dreimal so schnell. Der gesamte Dialog wird dann hinterher an zwei Tagen im Studio aufgenommen. Auf diese Art reichen für einen „Tatort“ 14 Drehtage. Regisseur*innen und Schauspieler*innen protestieren zaghaft, aber dann distanzieren die Schauspieler*innen sich von dem Protest, weil ihnen irgendjemand begreiflich macht, daß durch diese neuen Regeln das Textlernen wegfällt.

29.4.2021
Irgendjemand gibt irgendwo ein Interview und macht auf die schwierige Situation der Künstler*innen aufmerksam.

2.5.2021
Die Regeln für die Öffnung des Einzelhandels werden veröffentlicht. Alle Mitarbeiter*innen müssen geimpft sein, Termine müssen mindestens zehn Tage vorher vergeben werden, und pro 100qm Ladenfläche ist nur ein Kunde zugelassen. Über letztere Regel verbreitet sich Hohn und Spott, da viele Läden kleiner als 100qm sind. Der Hashtag #Aufmachenaberkeinenreinlassen trendet. Unabhängige Faktenchecker*innen klären jedoch auf: Auch kleinere Läden dürfen sehr wohl einen Kunden reinlassen, sofern halt der*die Verkäufer*in so lange rausgeht, bis der*die Kund*in wieder weg ist. Die Behauptung, Läden unter 100qm dürften niemanden reinlassen, ist also Fake News.

13.5.2021
Die CDU-Bundestagsabgeordneten X. und Y., zuständig für die Einzelhandels-Mitarbeiter-Impfkampagne #ImpfenFürsÖffnen, geben ein Interview, in dem sie sich kritisch über die Corona-Politik der Kanzlerin äußern.

15.5.2021
Der Hashtag #ImpfenFürsÖffnen beherrscht einen Tag lang die deutsche Twittersphäre. Einen Tag später kommt heraus, daß das nicht an den deutschen Twitter-User*innen lag, sondern an einem Botnetzwerk, das von einer IT-Firma betrieben wird, die dem Neffen des Schwagers der Gattin des CDU-Abgeordneten X gehört.

16.5.2021
X und Y entschuldigen sich, treten von allen Ämtern zurück, verlassen Fraktion und Partei. Der Hashtag „TrotzdemImpfenFürsÖffnen“ wird platziert, kommt aber nicht richtig aus dem Knick.

17.5.2021
Die Umfragewerte für die Regierung sinken kurzzeitig unter 50%. Angela Merkel tadelt die Bevölkerung und erklärt in einem Interview, die Deutschen müßten die Maßnahmen akzeptieren, Freude sei dabei nicht zwingend notwendig, aber durchaus hilfreich, das könne sie aus ihrer Lebenserfahrung als DDR-Bürgerin sagen.

25.5.2021
Fünfzig Top-Influencer*innen schließen sich zusammen und produzieren für die ARD eine crossmediale Serie namens #Sofasommerurlaub.

27.5.2021
Beim Dreh von #Sofasommerurlaub wurden offenbar im großen Stil die Abstands- und Hygieneregeln verletzt: Zwei Influencer wurden dabei beobachtet, wie sie sich umarmten. Die Serie wird gestoppt, es kommt zu einer Untersuchung, die Influencerin Lisa K. (21) wird von allen Kanälen gelöscht.

1.6.2021
Der Einzelhandel öffnet, allerdings nur zu 17 Prozent. 41% der Läden bleiben geschlossen, weil sie pleite sind, 23% öffnen nicht, weil sie kleiner als 100qm sind und somit niemanden reinlassen dürften, und 19% bleiben geschlossen, weil nach der Impfung sämtliche Mitarbeiter krankgeschrieben sind. In der Tagesschau läuft ein herzerwärmender Bericht über ein Schuhgeschäft in der Dortmunder Innenstadt, das geöffnet hat, und der Besitzer erzählt, wie sehr er sich über die Impfung gefreut hat.

9.6.2021
Die Ex-Influencerin Lisa K. hat jetzt ihren eigenen Telegram-Kanal, warnt vor den Gefahren der Corona-Impfung und beschimpft Bill Gates.

12.6.2021
Ein Jugendlicher, der in einem Park in Hamburg mit einem Freund auf einer Bank Bier getrunken hat, wird von der Polizei kontrolliert, rennt weg, wird gejagt, stürzt dabei eine Mauer hinunter und stirbt an seinen Verletzungen. Einen Tag lang große Aufregung. Dann geht alles weiter seinen Gang.

17.6.2021
Klaus Schwab, Gründer des Weltwirtschaftsforums und Autor des Buches „The Great Reset“, stirbt im Alter von 83 Jahren an einem Schlaganfall. In der Szene der Corona-Kritiker breitet sich Verwirrung aus: Ist das Fake? Ein Ablenkungsmanöver? Ein cleverer Schachzug?

18.6.2021
Die Außengastronomie öffnet mit Maskenpflicht, Terminvergabe, Schutzanzugpflicht und Verzehrverbot (weil man ja dafür die Maske abnehmen müßte). Man kann halt einfach so am Tisch sitzen. Die Wirte erheben eine Verweilpauschale von 7€ pro Stunde und starten eine Kampagne, in der kommuniziert wird, daß man auch Spaß im Biergarten haben kann, ohne etwas zu trinken.

20.6.2021
Karl Lauterbach und führende Virolog*innen äußern sich entsetzt über die Öffnung der Außengastronomie.

28.6.2021
S, Meta-S und Inzidenzwert steigen bzw. sinken. Neuer Lockdown ab sofort. Einzelhandel wieder dicht. Merkt aber keiner.

30.6.2021
Die Umfragewerte für die Regierung sind weiterhin unverändert gut, aber Meta-Umfragen, (also Umfragen über das Vertrauen in Umfragen) zeigen, daß nur noch 18% der Deutschen überhaupt etwas auf Umfragen geben.

15.7.2021
In den meisten anderen Ländern Europas ist alles wieder offen und in Amerika sowieso. Bilder von fröhlich feiernden Menschen verbreiten sich im Netz. Ein Leitartikel im „Spiegel“ sagt, daß wir uns von solchen Bildern nicht irreleiten lassen sollten, und brandmarkt das unkritische Teilen solcher Bilder als gefährlich, weil es die Disziplin untergräbt und rechten Corona-Leugner*innen in die Händer spielt. Der Hashtag #nichthingucken verbreitet sich auf Twitter.

20.7.2021
Ganz Großbritannien ist geimpft. Halligalli auf Mallorca: Halbnackte Engländer*innen tanzen auf den Tischen. Die Bild-Zeitung ist außer sich. Jetzt kippt die Stimmung im Land so richtig. Führende Politiker distanzieren sich von Angela Merkel. Es kommt zu Massendemos. Die Umfragewerte für die Regierung sind unverändert gut.

21.7.2021
Die Kanzlerin verkündet ihren Rücktritt und vorgezogene Neuwahlen und dass sie persönlich sehr enttäuscht ist über die Kampagnen, die Deutschlands Erfolge im gemeinsamen Kampf gegen das Coronavirus in den Schmutz ziehen, und daher nochmal antreten wird. Die Umfragewerte für die Regierung sind unverändert gut.

30.7.2021
Vorgezogene Neuwahlen. 48% CDU, 23% AfD, 19% Grüne, Rest Splitterparteien. SPD und FDP scheitern an der 5%-Hürde.

2.8.2021
Spaßeshalber macht das Allensbach-Institut gleich nach der Wahl wieder eine Wahlumfrage. Erstaunliches Ergebnis: Niemand würde die AfD wählen.

15.8.2021
Die neu formierte Bundesregierung ist die alte. Angela Merkel bedankt sich für das Vertrauen der Wähler*innen und verspricht weiter Augenmaß bei Bekämpfung der Pandemie, aber auch ein paar harte Monate. Lockdown zunächst bis April 2022.

30.8.2021
Unkontrolliertes Verbreiten von Bildern aus dem feiernden Ausland wird unter Strafe gestellt.

Oktober 2021
Der Euro wackelt. In der Finanzwelt passiert irgendwas, von dem keiner genau sagen kann, was es eigentlich ist und wie es passieren konnte, aber irgendwas schlimmes passiert, soviel ist sicher.

November 2021
Ein Großteil der deutschen Betriebe ist pleite. Beinahe neun Millionen Arbeitslose. Wer kann, verläßt das Land. Die Umfragewerte für die Regierung sind unverändert gut.

Dezember 2021
Sämtliche Euro-Staaten treten aus dem Euro aus, nur Deutschland bleibt drin.

Februar 2022
Angesichts der Auswanderungswelle sichert Deutschland seine Grenzen mit Zaun und Stacheldraht (was ziemlich viel Aufwand bedeutet) und läßt niemanden mehr raus. In rechtslastigen Internetmedien wird behauptet, es werde eine „Mauer“ gebaut, aber unabhängige Faktenchecker*innen entlarven diese Behauptungen als Fake News – nirgendwo steht eine Mauer, es sind überall nur Zäune.

März 2022
Angesichts verschiedener Versuche des unberechtigten Grenzübertritts wird diskutiert, ob man einen Schießbefehl erlassen darf. Wohlgesetzte Beiträge in den Qualitätsmedien diskutieren auf hohem Niveau das Pro und Contra.

April 2022
Hyperinflation in der Euro-Zone (also Deutschland). Ein Brötchen kostet elf Milliarden Euro. Währungsreform: Die neue Währung ist digital und heißt E-Mark.

Mai 2022
Der Schießbefehl an der Außengrenze tritt in Kraft.

Juli 2022
Die Welt feiert mit großen Partys in allen Hauptstädten das Ende der Pandemie. In Deutschland berichten nur rechtslastige Internetmedien darüber.

August 2022
Mit dem „Gute-Nachrichten-Gesetz“ werden sämtliche Medien unter die Aufsicht der Landesmedienanstalten gestellt. Es wird betont, dass das keine zentrale Zensur darstellt, denn der Bund hält sich ja aus der Sache heraus.

Ende 2022
Wieder Inflation in Deutschland. Ein Brötchen kostet 28.000 E-Mark. Als Schwarzmarktwährung etablieren sich alte Euro-Münzen, was jedoch sehr schnell unter drakonische Strafen gestellt wird. Jeder Bürger kriegt ab sofort Lebensmittelrationen frei Haus geliefert und darf nur noch zum Arbeiten raus. Harter Lockdown bis Weihnachten 2024. Die schwarzgrüne Koalition verkündet die „Stunde des Lichts“ – ab sofort gibt es elektrischen Strom nur noch von 8 bis 20h.

Anfang 2023
In einer emotionalen Kampagne setzen Prominente sich dafür ein, den Strom doch abends erst um 21h abzudrehen. Eine Stunde mehr Licht für unsere Lieben. Die Regierung hat ein Einsehen.

Ab 2025
Die Welt kommt langsam wieder auf die Beine. Es kommt zu einer allmählichen, retrospektiven Neubewertung der Corona-Maßnahmen. Vielleicht waren Lockdowns doch gar keine so gute Idee. Von Deutschland hat schon seit längerer Zeit niemand mehr etwas gehört.

Ab 2030
Die künstliche Intelligenz ist inzwischen so weit, daß man sich mit ihr unterhalten kann wie mit einem Menschen. Über die ganze apokalyptischen Befürchtungen aus der Anfangszeit der KI lacht man nur noch. Niemand würde die KI mit einem Menschen verwechseln, denn sie hat keinen Willen, keinen Spieltrieb und kein Ego. Sie ist jedoch ein sehr nützliches Werkzeug, um die typischen kognitiven Verzerrungen des Menschen auszugleichen. Bei der Analyse von dreihunderttausend Terabyte Daten aus der Corona-Zeit kommt heraus, daß die Menschheit hier mit voller Wucht in eigentlich altbekannte Fallen gelaufen ist: Confirmation Bias, Kontrollillusion, Ambiguitätsintoleranz, Sunk-Cost-Fallacy, Groupthink, Massenhysterie und so weiter. Künftige Regierungen werden weltweit verpflichtet sein, ihre Entscheidungen von einer KI absegnen zu lassen, die im Zweifelsfall sagt: Nein, das laßt ihr gefälligst bleiben, das fühlt sich zwar jetzt gerade gut an, ist aber insgesamt eine schlechte Idee.

2040
Systemwechsel in Nordkorea. Offene Grenzen und freie Wahlen. Von Deutschland weiß eigentlich keiner mehr irgendwas. Das letzte, was an die Weltöffentlichkeit drang, waren herausragende Umfragewerte.






Es ist ganz einfach: Der Staat darf nicht eine Gruppe von Bürgern aktiv schädigen, um eine andere zu schützen. Er darf nicht sagen: Ich breche dir das Bein, damit dein Mitmensch sich nicht den Arm bricht. Er darf auch nicht dem einen das Bein brechen, weil der andere sonst eine Krankheit kriegen und eventuell sterben könnte. Wenn der Staat das tut, dann ist die Linie zur Willkür überschritten. 
Es ist also eigentlich ganz einfach.



Die Debatte sieht aber trotzdem kompliziert aus. Und zwar meistens ungefähr so:



Ich sehe das ja irgendwie ähnlich, es geht mir stellenweise auch zu weit, ach herrje, seufz, schwierig, man hätte mit den Schulen, Impfungen, Kleingewerbetreibenden, und das mit der ganzen Kulturbranche ist ja auch kompliziert und ich möchte nicht in der Haut unserer Poltiker stecken, aber andererseits sind die Zahlen ja schon wieder langsamer gesunken und die Leute sind alle so unvernünftig und ohne die ganzen Leugner hätten wir das Problem gar nicht und ich finde es ja auch doof daß die Restaurantbetreiber jetzt pleite gehen und jetzt scheint die Sonne und alle gehen raus und stecken sich an und in zehn Tagen kriegen wir bestimmt die Quittung und man kann es doch nicht einfach so laufen lassen und ich selber fühle mich eigentlich kaum eingeschränkt so weiter und so weiter.



Ich mag das Wort „schwurbeln“ nicht, aber auf diese Art der Wortmeldung paßt es ganz gut.



Der Sound erinnert an Debatten, wie sie vor einigen Jahrzehnten in West- und auch Ostdeutschland über die DDR geführt wurden. Darf ein Staat eine Mauer bauen und Leute erschießen, die rauswollen? Nö. Darf er nicht. Sehr einfache Sache. Viele Intellektuelle sahen sich aber nicht in der Lage, diesen simplen Sachverhalt beim Namen zu nennen. Man hatte große Angst, sonst als „rechts“ zu gelten. Beifall von der falschen Seite, Springer-Presse, Franz Josef Strauß. Man war da in der eigenen SPD-wählenden Toskana-Soziologen-Bubble schnell untendurch. Also eigentlich war die DDR ja im Grunde, also im Prinzip, also von der Idee her, schon eine gute Idee. Nur das mit der Mauer, hmja, und der Schießbefehl, klar ist das kompliziert. Man wand sich in tausend Argumentationsschleifen und führte einen hochkomplizierten Eiertanz auf. 



Es gibt heute ein anderes Thema, bei dem wir ein intaktes Tabu haben: Die Todesstrafe. Da sagen wir ganz klar: Geht nicht. Machen wir nicht. Gibt es nicht. Man könnte sich aber durchaus eine Gesellschaft vorstellen, in der dieses Tabu kippt. In der es also doch die Todesstrafe gibt – für Kinderschänder (wird ja von rechts öfter mal verlangt) oder für rechte Gewalttäter oder was auch immer ein möglicher Zeitgeist an Opfern fordert. In dieser hypothetischen Gesellschaft wäre dann auch mal ein Unschuldiger unter den Hingerichteten, und die Debatten wären vermutlich genauso:

Nun ja, ich sehe ja durchaus, daß es kompliziert ist, man muß da abwägen, es gilt halt einerseits das Recht auf Leben und Unversehrtheit und der Abschreckungseffekt und das Risiko eines Justizirrtums ist eigentlich minimal, aber man kann das so oder so gewichten, es ist schrecklich komplex und so weiter und so fort.



Ich behaupte: Es ist in allen drei Fällen derselbe Eiertanz. Man eiert herum, weil man aus irgendeinem Grund nicht in der Lage ist, das Offensichtliche beim Namen zu nennen.



Da solche Krisen immer die Stunde der Demagogen sind, sehe ich die Kommentare schon vor mir: Jetzt ist er endgültig abgedriftet, jetzt vergleicht er die Corona-Maßnahmen mit Schießbefehl und Todesstrafe. Nein, liebe Freunde, das tue ich nicht, und wer mir das vorwirft, ist entweder böswillig oder ein bisserl deppert oder selber abgedriftet. Ich vergleiche nur die Debatten. DDR-Unrecht ist etwas anderes als hypothetische Todesstrafe für irgendwen, und das ist wieder was anderes als Corona-Maßnahmen. Es gibt jedoch ein verbindendes Element in allen drei Beispielen: Der Staat nimmt sich etwas heraus, das er nicht darf, und viele Leute schaffen es nicht, das beim Namen zu nennen.



Es sind jeweils zivilisatorische Errungenschaften. Man sperrt seine Bürger nicht ein, man erschießt sie nicht an der Grenze, man richtet Verbrecher nicht hin, und man verbietet nicht weite Teile des öffentlichen und kulturellen Lebens, woraufhin Menschen ihre Existenz verlieren, in Armut und Depression abstürzen, und Kinder und Jugendliche ein Jahr oder mehr ihrer Entwicklung versäumen (nicht weil Schule ausfällt, sondern weil ALLES ausfällt).

Lockdown, Todesstrafe und Mauerbau haben außerdem noch eine andere Gemeinsamkeit: Jeder Tabubruch ist ein Dammbruch. Wenn man mal Todesstrafe hat, kann man sie auch für immer kleinere Vergehen verhängen. Wenn die Mauer steht, ist der Schießbefehl nicht mehr weit weg. Wenn der erste Lockdown glatt durchgegangen ist und die Zahlen dann (trotz oder wegen oder mit oder an) Lockdown irgendwann gesunken sind und dann wieder hochgehen, dann dauert der zweite Lockdown doppelt so lang und bei der nächsten Grippewelle machen wir sicherheitshaber gleich wieder einen und vielleicht in Zukunft einfach jeden Winter. Und nach so einem Tabubruch, wenn die Maßstäbe dann mal verschoben sind, findet man sich typischerweise in völlig monströsen Diskussionen wieder. Man redet ganz ungerührt über Hinrichtungsmethoden respektive darüber, bei welchem „Inzidenzwert“ man vielleicht eines Tages den Leuten wieder erlauben sollte, ihren gottverdammten Beruf auszuüben und sich mit mehr als einer Person zu treffen.

An dieser Stelle wäre dann wohl mal wieder Zeit für das dööfste (ja, mit Doppel-ö) aller Argumente, man kann die Uhr danach stellen, es kommt immer, und es lautet: Du willst also, daß viele Leute sterben und die Gesundheitssysteme überlastet sind?


Klar. Jeder, der Lockdowns kritisiert, will das. Allesamt egoistische Unmenschen. 
Hier die wesentlichen Fakten. Keine Sorge, es ist ein Twitter-Thread, der liest sich schnell durch.

Wir fassen zusammen: Es sehr einfach. 
Der Staat darf das nicht. 
Punkt.

 Dieser Standpunkt war bis vor einem Jahr so selbstverständlich, daß er als Standpunkt kaum wahrnehmbar war. Ich habe ihn einfach nie verlassen. Viele andere schon. Und denen kann man jetzt zuschauen, wie sie den großen Einerseits-Andererseits-Eiertanz aufführen, gerade wo das Ganze so richtig mit Getöse an die Wand fährt und Schweden auf einmal doch besser dasteht als wir und Florida seit Ende September offen ist und die vorhergesagte Katastrophe ausblieb so weiter.



Daß es zum Risiko geworden ist, diese Selbstverständlichkeit zu sagen, gibt mir zu denken. Es ist aber auch ein Grund, es zu tun. Wozu bin ich denn überhaupt auf der Welt, wenn nicht dazu, in so einem Moment den Mund aufzumachen? 


Na gut, vielleicht dazu, meinen eigenen Allerwertesten zu retten und mir im Rahmen der Gegebenheiten ein schönes Leben zu machen? Okay. Vielleicht sollte ich allmählich dazu übergehen. Und dann werde ich eines Tages auch so Sachen sagen wie: Die Corona-Maßnahmen damals, hmja, kompliziert, mir tat das natürlich auch weh, daß so viele Leute dran glauben mußten, aber Güterabwägung, ach herrje, es ist schwierig, jedoch mein Aktiendepot hat sich bestens entwickelt, hallo Ludmilla, Sie können jetzt im Salon staubsaugen, und sagen Sie dem Gärtner, daß er einen neuen Strauß Rosen in die Eingangshalle stellen soll.



Klingt  auch gar nicht verkehrt, dieses Szenario.

Ich bin ein Freund der Breitwandformate. Ich finde sie einfach schöner. Man kriegt da mehr Landschaft ins Bild, mehr Menschen, mehr von allem. Sollte ich eines Tages einen Film über Kirchtürme oder Raketenstarts oder eine Liebespaar mit 60cm Größenunterschied drehen, würde ich den vielleicht in einem traditionelleren Format drehen. Ansonsten sehe ich da keinen Grund. Wenn man nun aber „Tatorte“ macht, dann ist die Formatfrage politisch und neurotisch aufgeladen. Es könnten sich ja Zuschauer beschweren, und das wird beim öffentlich-rechtlichen Rundfunk sehr ernst genommen, zumindest wenn es um so harmlose Sachen geht. Bei „Stau“ haben wir noch fröhlich im Scope-Format 1:2,35 gedreht und das einfach den vielen VFX in die Schuhe geschoben. Bei „Murot und das Murmeltier“ war es dann von ganz oben verboten, wir fügten uns zähneknirschend und drehten in 16:9. Bei „Das ist unser Haus“, der am vergangenen Sonntag lief, entschieden wir uns für das Zwischenformat 1:2, das sich in den letzten Jahren sehr verbreitet hat. Und dann geschah das Schreckliche: Eine Zuschauerbeschwerde. Jemand äußert sich durchaus lobend zun Film, aber dann schreibt er:

Sie senden einen Tatort aus mit schwarzen Streifen oben und unten auf dem Bildschirm unseres Sony Bravia Fernsehers, bei dem der Bildschirm fast keinen Rand hat. Habe ich 8% meiner GEZ Gebühr nicht bezahlt oder soll damit die gewünschte Gebührenerhöhung erzwungen werden? Spaß beiseite: Schicken Sie bitte dem Macher dieses Tatorts meine Mail, er
möchte mir mal erklären, was das soll? Manche Köpfe und Schuhe sind abgeschnitten und müßten das bei voller Ausnutzung des 16 zu 9 Formates gar nicht sein! Welche künstlerischen Wert hat es, das Bild oben und unten 4% zu beschneiden? Wo bleibt hier der Nutzer, der ja das Ganze bezahlt?

Sowas muß man sich natürlich zu Herzen nehmen. Also unsüffisant und unironisch, ich finde wirklich, man sollte die Leute da „abholen“ und „mitnehmen“ (und dann eigentlich auch irgendwo abliefern, aber das haben wir als Redewendung nicht im Fundus). Meine Antwort richtet sich natürlich mindestens zur Hälfte insgeheim an den SWR-Intendanten, damit ich da schon mal einen Stein im Brett habe für das völlig wahnsinnig gewordene Projekt, das ich gern als nächsten „Tatort“ drehen würde. Der soll jetzt bitte denken: Brüggemann, was für ein Teufelskerl, schreibt da so ausführlich und persönlich und postwendend. Aber ich finde, das ist legitim. Und damit der Rest der Welt auch etwas davon hat, hier mein Antwortschreiben. Ich hoffe, der SWR-Intendant leitet es auch weiter.

Sehr geehrter Herr ________,

erstmal vielen Dank für das Lob. Es freut mich sehr, daß unser Film Ihnen gefallen hat.

Zum Bildformat: Man kann hier nicht antworten, ohne einen kleinen Exkurs in die Geschichte der Filmformate zu machen. Eins jedoch vorweg: Es geht hier nie um „weniger“. Es geht und ging bei allen Änderungen des Bildformats immer um „mehr“. Mehr Bild, mehr Menschen im Bild, größere Menschen im Bild, mehr Emotion, mehr Kino, mehr Film. Niemand will was wegschneiden. Man will etwas zeigen. Mal eine Landschaft, mal eine Gruppe von Leuten, mal zwei Menschen, mal ein einziges Gesicht – je nachdem, was die Geschichte gerade verlangt. Und wenn es die Großaufnahme eines Gesichts ist, um die es jetzt geht, dann muß der Zuschauer damit leben, daß in diesem Moment keine Schuhe zu sehen sind. Das sind Entscheidungen, vor denen ich mich als Filmemacher nicht drücken kann. Ich treffe eine Auswahl, und wenn ich das gut gemacht habe, freut sich am Ende das Publikum.

Aber nun zur historischen Herleitung. Wenn Sie das alles schon kennen, bitte ich um Vergebung, dann können Sie gleich zum Ende springen. Es ist mir trotzdem wichtig, auch weil ich Ihre Frage in aller gebotenen Ausführlichkeit beantworten will.

Ursprünglich war das Bild, wie Sie vermutlich wissen, „kleiner“ – also weniger breit. Es hatte ein Format von 4:3, so wie die alten Fernseher, die wir aus unserer Kindheit kennen. In diesem Format sind alle Filme aus den ersten 50 Jahren des Kinos, und als dann das Fernsehen erfunden wurde, hatte es auch dieses Format. Wenn Sie einen Film aus dieser Zeit heute auf Ihrem Fenseher sehen würden, würden Sie links und rechts schwarze Balken sehen und vielleicht sagen: Da fehlt doch links und rechts etwas. Wird mir hier etwas vorenthalten? Hat der SWR da etwas abgeschnitten?

Aber die Frage, das erkennen Sie selbst, ist natürlich unsinnig. Wenn ich mir „Metropolis“ anschaue oder einen alten „Tatort“ oder eine alte Pumuckl-Folge (allesamt in 4:3), dann ist da links und rechts vom Bild – nichts. Da hört das Set auf. Da steht vermutlich der Tonangler und hält das Mikro. Da sitzt der Regieassistent und dirigiert die Komparsen. Da steht der Caterer und schmiert Butterbrote. Auch interessant, aber nicht Teil des Films, und ich glaube nicht, daß Sie das auf Dauer sehen wollen würden. So behandelt man als Filmemacher die Bildgrenzen: Alles, was interessant ist, kommt ins Bild rein. Alles andere bleibt draußen.

Warum sind unsere Filme dann nicht mehr in 4:3?
Für das Kino war in den 50er Jahren das Fernsehen eine neue Konkurrenz. Man mußte mehr bieten, um die Leute aus dem Haus zu locken. Also machte man das Bild größer. Und „größer“ bedeutete „breiter“ (nicht etwa „höher“, denn unsere Augen sind nun mal nebeneinander, und der Horizont ist horizontal). Die ersten Breitwandformate entstanden aber, indem man das Bildfeld auf dem 35mm-Film sogar kleiner machte. Man deckte es oben und unten ab (mit einem sogenannten Kasch). So blieb ein schmalerer Streifen vom Film übrig, und den projizierte man dann auf eine breitere Leinwand. Von der Auflösung war das dann deutlich schlechter als das alte 4:3 – man hatte ein kleineres Negativ, aber auf einer größeren Leinwand.

Dann wurde aber auch ein Verfahren namens „Cinemascope“ erfunden, mit dem man ein NOCH breiteres Bild auf dem GESAMTEN Negativ unterbringen konnte – und zwar, indem man das Bild einfach mit einem speziellen Objektiv horizontal zusammenquetschte und bei der Projektion wieder entzerrte. So war das ganze Negativ genutzt, aber diese Optiken waren anfangs gar nicht mal so toll, die machten Unschärfen und Farbsäume (das sind eigentlich technische Fehler, aber heute schätzen viele Kameraleute sie gerade deswegen – so ändern sich die Zeiten).

Lange Jahrzehnte blieb es so, und es gab diese verschiedenen Formate nebeneinander: Fernsehen in 4:3, Kino in 1:1,85 oder 1:1,6 oder 1:2,35. Wenn man Kinofilme auf VHS gucken wollte, konnte man sie entweder in „Letterbox“ gucken (mit den schwarzen Balken, die Sie nicht so mögen) oder aber in „Pan and Scan“ – da hatte man das ganze Fernsehbild gefüllt, aber vom Film fehlte die Hälfte. Ersteres war unbefriedigend, weil man auf dem kleinen Letterbox-Bild oft nur noch wenig erkennen konnte. Letzteres war ästhetisch und oft auch inhaltlich ruinös, denn da fehlte halt die Hälfte.

Dann, in den 90ern, zog das Fernsehen nach, und 16:9 setzte sich durch. Das war ungefähr das Seitenverhältnis der ersten Breitwandfilme (die mit dem Kasch auf dem Negativ). Wenn ich jetzt z.B. „Spiel mir das Lied vom Tod“ (der ist in Cinemascope) auf einem 16:9-Fernseher gucke, dann hat der Film immer noch Balken oben und unten, aber das stört längst nicht mehr so wie auf der alten 4:3-Glotze. Alte Filme in 4:3, die auf einem alten Fernseher formatüllend waren, haben dann plötzlich Balken links und rechts, aber das findet auch niemand so schlimm. Und seit einigen Jahren werden Filme ja nicht mehr nur auf Fernsehern geguckt, sondern auf unglaublich vielen Handys und Tablets und Laptops, die gar kein genormtes Format mehr haben. Es gibt in der Filmbranche eine Art inoffizielle Einigung, die könnte man am ehesten beschreiben als „dreht mal halbwegs annähernd 16:9, es sei denn ihr habt Bock auf was anderes“. Auf Netflix sind in letzter Zeit die meisten Filme in einem Zwischenformat, das es vorher nie gab, nämlich 1:2. Im Kino gibt es andererseits auch wieder nicht wenige Filmemacher, die sich für das alte 4:3 oder gar ein exakt quadratisches Bild entscheiden. Und die neueste Neuigkeit ist das vertikale Handyvideo. Vermutlich kommen bald auch Filme in diesem Format.

So weit, so unübersichtlich. Aber das ist der Hintergrund, vor dem man jedesmal wieder steht, wenn man einen neuen Film anfängt, und überlegt: Wie soll das Format sein?
Man will, wie gesagt, immer dasselbe: Man will soviel wie möglich. Alles, was für die Geschichte interessant ist, soll ins Bild. Alles andere soll raus. In unserem Fall handelte die Geschichte von einer Gruppe von Leuten, von Gruppendynamik, von Konflikten, von Diskussionen. Komik spielte eine große Rolle. Für Komik ist Interaktion und Timing entscheidend. Wenn immer möglich, möchte ich die zwei oder drei oder vier Menschen, die interagieren, miteinander gleichzeitig im Bild haben. Der Witz ist doppelt so lustig, wenn ich alle Beteiligten sehe. Also haben wir uns bei diesem Film für das etwas breitere Format 2:1 entschieden. Nicht um Köpfe oder Schuhe abzuschneiden, sondern um links und rechts mehr Platz zu haben für mehr Menschen im Bild.

Wenn wir die schwarzen Balken wegnehmen würden, würden Sie vielleicht das Mikro sehen, das den Ton aufnimmt. Vor allem wären dann aber die Köpfe der Schauspieler ungewöhnlich weit weg. Sie hätten einen leeren Bildraum über den Akteuren, den man so eigentlich vermeidet. Es fällt einem als Zuschauer nicht auf, aber die Filmkunst hat da ihre Regeln. Zuviel leerer Raum über einem Gesicht wirkt ausgesprochen irritierend. Es entspricht nicht unserer Wahrnehmung, die sich sehr auf Gesichter konzentriert. Wenn der schwarze Balken also weg wäre, dann wäre der Kameramann in Ausübung seines Berufs automatisch ein bißchen näher herangerückt, um diesen leeren Raum zu verkleinern. Und dann hätten wir links und rechts was verloren. Es wäre wenig gewonnen (ein etwas näheres Gesicht), aber einiges verloren (eine ganze Person weniger im Bild, denn angeschnitten wirkt auch seltsam, entweder sie ist ganz drin oder gar nicht).

Daher dieses Bildformat. Wir haben uns dafür entschieden, um das Maximum an Wirkung zu erzielen. Und mich freut es natürlich kolossal, daß der Film so gut besprochen wurde und über 10 Millionen Menschen erreicht hat. Das zeigt, daß wir unseren Job (Wirkung erzielen) am Ende doch ganz gut gemacht haben.

Beste Grüße und weiterhin viel Freude beim „Tatort“ wünscht
Ihr
Dietrich Brüggemann

Lieber Freund,

es gibt dich nicht, und damit bist du vermutlich der einzige Mensch auf der Welt, der sich zur Zeit nicht die Haare rauft oder den Kopf gegen die Wand haut. Alle tun das. Nur die Gründe sind unterschiedlich.

Das letzte Buch, das ich gelesen habe, bevor das alles losging, hieß „This is Your Brain on Parasites“. Darin wurde erwähnt, daß viele Religionen im Kern eigentlich Strategien der Seuchenabwehr sind. So macht Religion sogar erstaunlich viel Sinn. In diesen ganzen Reinheits- und Waschungsvorschriften steckt ein Wissen über Krankheitskeime, die unsichtbar sind und per Kontakt übertragen werden können. Ein Gott, der alles sieht, ist ein wirkungsvolles Mittel der Disziplinierung, und er taucht historisch an dem Punkt auf, als Menschen in größeren Gruppen zusammenlebten. Vorher, bei Nomaden und einzelnen Bauern, brauchte man den nicht. Auch die traditionelle Moral hat Elemente von Seuchenbekämpfung. Man geht nicht mit jedem ins Bett und am besten vor der Ehe mit niemandem. Im frühen 20. Jahrhundert gab es große Verbesserungen der Gesundheitsvorsorge (Antibiotika, Impfungen, sauberes Trinkwasser etcetera), und was machte die erste Generation, die in dieser Welt aufgewachsen war? Sie machte freie Liebe und allgemeine Liberalisierung. Nun ist Koinzidenz keine Kausalität (was in diesen Tagen oft vergessen wird), aber der Zusammenhang ist doch recht klar. Die Idee der Reinheit, also der Seuchenabwehr, steckt in vielen Religionen drin, und umgekehrt liegt man wohl nicht falsch, wenn man in unseren Seuchenabwehrstrategien auch eine religiöse Komponente sieht. Wie in jeder Religion gibt es da Rituale und äußere Erkennungszeichen, es gibt Strenggläubige und Halbherzige, und wie jede Religion bringt sie eine gewisse Doppelmoral hervor, denn die strengen Vorschriften einer Religion lassen sich nie konsequent einhalten. Sie sind immer gerade so streng, daß man öfter mal sündigt und dann ein schlechtes Gewissen hat. So sichert die Religion ihre Herrschaft. Ich bin für meine Generation mit untypisch viel Religion aufgewachsen, ich kenne das ganz gut.

Die jetzige Lage ist dilemmatös. Wir sitzen also wieder zwecks Virusbekämpfung zuhause. Wir wollen da aber immer noch Licht anschalten. Und duschen und heizen und was essen und im Internet einkaufen und Fernsehen gucken. Und die Müllabfuhr soll auch kommen. Und die Krankenhäuser müssen weiter funktionieren, dafür muß die Krankenschwester ihr Kind in die Kita bringen können, dafür muß die Erzieherin an den Arbeitsplatz kommen, dafür muß die U-Bahn fahren, und den Rettungswagen muß auch jemand betanken und reparieren, und der muß wiederum zur Arbeit kommen und das benötigte Material muß da sein und so weiter. Und unsere Internetbestellungen wollen wir ja auch ausgeliefert haben.
Vielleicht fällt uns an dieser Stelle auf, dass all die Leute, die jetzt weiter zur Arbeit gehen müssen, eins gemeinsam haben: Sie haben größtenteils nicht studiert. Eine Schicht von Intellektuellen und (teilweise immer noch) Besserverdienenden setzt sich also in ihre Wohnungen und läßt sich von den weniger Privilegierten bedienen. Letztere tragen die ganze Infektionsgefahr. Das ist noch kein Argument für oder gegen irgendwas, aber man sollte sich es in aller Deutlichkeit vor Augen halten. Ein gewisses Element von religionstypischer Doppelmoral steckt da schon drin, würde ich sagen.
Zweitens fällt auf, dass da eine ganze Menge an Kontakten und Aktivitäten zusammenkommt. Das Virus wird nach einem Lockdown also kaum aus der Welt sein. Es ist immer noch da, und dann kann alles wieder von vorn losgehen. Das ist eigentlich banal, aber ich höre merkwürdig viele Stimmen, die das offenbar anders sehen.

Zu meiner eigenen Position in dieser Debatte: Ich finde vieles, was gerade hierzulande geschieht, nicht gut. Ich bin in einer Welt aufgewachsen, in der Kritik an politischem Handeln selbstverständlich war. Neuerdings ist man aber, wenn man Kritik äußert, anscheinend ein Menschenfeind. Oder psychisch krank. Oder gar „rechts“. Ich bin ein wenig verwundert, mit was für Begriffen hier hantiert wird. Nur kurz zu den zwei häufigsten Vorwürfen, nämlich Verharmlosung und Verschwörungstheorie: Verharmlosung ist das Gegenstück zur Panikmache. Eine Giftschlange streicheln ist nicht gut. Vor einer Fliege schreiend davonrennen auch nicht. Evolutionär ist letzteres aber erfolgreicher. Wer nur einmal eine reale Gefahr verharmloste, konnte schon gefressen werden. Wer hundertmal unnötig Panik machte, kam davon. Wir dürfen also vermuten, daß wir als Spezies eher zur unnötigen Panik tendieren, weil das in unseren Genen liegt. Wenn nun jeder Versuch einer sinnvollen Einordnung als „Verharmlosung“ beschimpft wird, dann könnte das genau an diesem evolutionären Panik-Bias liegen, und dann wäre es im Gegenzug durchaus berechtigt, dieses Verhalten wiederum als Panikmache anzuprangern, und dann sollte man sich vielleicht in der Mitte treffen. Was Verschwörungen anbetrifft, kann ich nur von mir selber reden – aber wenn ich hier eine Verschwörung dunkler Mächte vermuten würde, dann würde ich mir nicht einbilden, ich könnte was dagegen ausrichten. Nö, dann würde ich mich ins Zimmer setzen, eine Flasche Wein aufmachen und den Dingen ihren Lauf lassen. Netflix and chill. Da ich aber an Weltverschwörungen nicht glaube, wohl aber an Vernunft, Evidenz, Demokratie und Debatte, tue ich das nicht, sondern mache den Mund auf. Das bringt wahrscheinlich auch nichts, aber vielleicht ein bißchen was. Ich kenne übrigens viele andere, die das ähnlich sehen wie ich, aber ihren Mund nicht aufmachen. Die das Coronavirus keineswegs verharmlosen wollen, aber die Politik und die daran hängende öffentliche Meinung kritisch sehen. Da ist eine seltsame Dissonanz zwischen dem, was öffentlich verkündet wird, und dem, was die Leute privat denken. Auch so etwas passiert in Gesellschaften unter der Herrschaft einer Religion.

Also: Ich halte es für inhuman und verantwortungslos, bei einer grassierenden Krankheit nicht genau zu untersuchen, welche Bevölkerungsgruppe sie am meisten betrifft, und diese entsprechend zu schützen. Und zwar sollte man das unabhängig davon betrachten, was man mit dem Rest der Bevölkerung macht. Damals bei AIDS ist auch niemand auf die Idee zu kommen, der gesamten Menschheit den Geschlechtsverkehr zu verbieten, bis ein Impfstoff da ist. Der CSU-Politiker Peter Gauweiler wollte Schwule in Lager sperren, durchgesetzt hat sich zum Glück aber ein anderer Ansatz. Bei Corona sagt jede Statistik dasselbe: Alte, geschwächte Menschen sind einige hundert Mal so gefährdet wie junge, gesunde. Rund die Hälfte der Corona-Toten kommt aus Alten- und Pflegeheimen. Es ist skandalös, dass hier keine Vorsorge getroffen wurde, also Schnelltests, Einkaufszeiten, Masken, ÖPNV-Vermeidung. Der Tübinger OB Boris Palmer hat genau das umgesetzt, und die Erfolge können sich sehen lassen – ja, selbst wenn ihm dabei einige Fälle durch die Lappen gegangen sind oder im Landkreis die Zahlen anders sind als in der Stadt. Der Ansatz ist so einleuchtend, daß ich mich frage, warum man ihn überhaupt diskutieren muß. Es erscheint mir unverzeihlich, den Leuten, die wirklich gefährdet sind, diese Maßnahmen vorzuenthalten. Warum bitteschön muß meine Mutter (78 und topfit) sich jedesmal zwischen hustende und niesende Menschen in den Bus zwängen, wenn sie irgendwo hinwill? Welcher Lockdown-Hardliner kann mir das schlüssig erklären? Aber nein, man wird regelmäßig angeblafft: Du kannst die Alten nicht wegsperren! Dabei redet kein vernünftiger Mensch von „Wegsperren“. Fokussierter Schutz wäre dagegen ein Gebot der Vernunft und der Humanität, und das kann man unabhängig diskutieren von der Frage, ob man alle anderen auch in Lockdowns schickt oder nicht.

Ich fürchte aber, die bittere Wahrheit ist: Man hat diese „focused protection“ bisher nicht umgesetzt (ganz allmählich gibt es zaghafte Ansätze), ja noch nicht mal ernsthaft diskutiert, weil die damit verbundene Aussage eine Kehrseite gehabt hätte. Und die hätte gelautet:
Für die Jüngeren ist es nicht ganz so gefährlich wie für die Alten.
Was ja zweifellos stimmt. Aber das auszusprechen ist undenkbar. Panik kennt keine Schattierungen, Panik kennt nur den einseitigen Komparativ: Für die Alten ist es gefährlicher als für die Jungen, aber für die Jungen nicht weniger gefährlich als für die Alten. Das ist zwar logisch nicht ganz sauber, aber so ist die Struktur des panischen Denkens. Auch vorsichtige Entwarnungen sind nicht möglich. Gute Nachrichten können nicht überbracht werden. Stattdessen überzog man die gesamte Bevölkerung mit einem monatelangen Daueralarm, der zwangsläufig zur Abstumpfung führen mußte, weil die Leute den permanenten Maßnahmen-Sound mit ihrer eigenen Lebensrealität nicht mehr zur Deckung bringen konnten. Die sah nämlich anders aus, da war das Kind zum dritten Mal in Quarantäne und drehte durch, Freunde und Bekannte waren positiv getestet und hatten einen Schnupfen und vielleicht Fieber. Gleichzeitig verlangten Politik und Medien in gebieterischem Tonfall einen weitgehenden Verzicht auf menschliche Grundbedürfnisse wie Nähe und Kontakt, und zwar auf unbestimmte Zeit. Das ist, sorry, hoffnungslos weltfremd. Genauso weltfremd wie Christian Drostens „pandemischer Imperativ“, nach dem ich stets so handeln soll, als wäre ich infektiös und mein Mitmensch auch. Ich sage noch nicht mal: Falsch. Ich sage nur: Weltfremd. Kein Mensch kann das konsequent monatelang durchziehen. Jeder lässt irgendwann nach Feierabend fünfe gerade sein. Sogar in unseren gebildeten Grünenwählerkreisen. Erst recht in der breiten Masse.

Bei einem HFF-Dreh vor vielen Jahren fand ich mal eine alte Postkarte aus DDR-Zeiten, auf der stand: „Nehmen Sie die Menschen, wie sie sind. Andere gibt’s nicht.“ Angeblich stammt der Satz von Konrad Adenauer, aber es steckt trotzdem zweierlei Weisheit über die DDR darin: Erstens gab es für den DDR-Bürger ja wirklich noch weniger andere Menschen als für den Bewohner eines westlichen Landes, der irgendwohin reisen konnte, wo es vielleicht doch andere Menschen gab. Und zweitens beschreibt es ziemlich genau das Problem des realen Sozialismus: Man will den neuen Menschen erschaffen, und daran scheitert man dann am Ende. Die Leute sind nämlich immer irgendwie gleich. Sie haben keinen Bock mehr, sie wollen sich besaufen und dabei Westfernsehen gucken.

In meinem Umfeld beschweren sich zur Zeit viele Leute in anklagendem bis herablassenden Tonfall über andere. Man schimpft über „Verharmloser“, Querdenker oder was auch immer, die zu wenig Disziplin hatten und denen wir das Schlamassel jetzt angeblich zu verdanken haben. (Bei der Betrachtung anderer Länder ist das merkwürdigerweise nicht so – niemand wirft den Schweden vor, sie hätten zuwenig Disziplin gehabt, nein, da ist die Politik schuld.) Dieses Mit-dem-Finger-auf-andere-Zeigen erscheint mir, na ja, reichlich doof. Das ist Populismus, gewürzt mit einem Schuß Arroganz, und ich finde es erschreckend, daß meine eigene Schicht und Generation in solche Reflexe verfällt. Aber vor allem ist es inhaltlich verfehlt. Man kann die Leute nicht einfach so ändern. Sehr viele Menschen in unserem angeblich so reichen Land hatten schon vor der Pandemie nicht viel zu lachen. Die kamen im Alltag irgendwie gerade so klar – finanziell, logistisch, psychisch. Andere haben schlicht und einfach keinen Bock, keinen Nerv, keine Ahnung. Das ist schlimm, da können wir uns moralisch echauffieren, aber was bringt uns das? Außer, daß wir uns besser als die fühlen?

Eine kluge Politik, die ihr Ziel erreichen will, muß die Menschen so nehmen, wie sie sind, denn andere gibt es nicht. Wenn die Corona-Maßnahmen nicht funktionieren und die Intensivstationen voll sind, dann sind da nicht irgendwelche Corona-Verharmloser dran schuld, sondern die Politik, die von einem falschen Menschenbild ausgegangen ist. Anstatt hämisch aufzutrumpfen, weil der „schwedische Sonderweg“ angeblich gescheitert ist, könnten wir genausogut sagen: Der deutsche Weg ist gescheitert. Die Politik ist daran gescheitert, eine Strategie auszuarbeiten, bei der die Risikogruppen, allen voran Senioren- und Pflegeheime, ausreichend geschützt werden, und die von einer breiten Bevölkerungsmehrheit über viele Monate getragen werden kann. Stattdessen haben wir jetzt volle Intensivstationen und Lockdown. Die Politik ist übrigens auch an der naheliegenden Aufgabe gescheitert, die Folgekosten und Schäden dieser Lockdowns seriös zu evaluieren. Zumindest ist mir nichts derartiges bekannt. Und sie ist auch an der sehr einfachen Aufgabe gescheitert, die von Epidemiologen in Interviews immer als zentral wichtig bezeichnet wird: Herausfinden, wie weit die Krankheit sich überhaupt schon in der Bevölkerung verbreitet hat. Wie groß also die Dunkelziffer ist. Schon im Frühjahr wurden derartige Studien angekündigt, seitdem habe ich nichts mehr davon gehört. Dafür haben wir eine App, die schlecht funktioniert, und Appelle, die folgenlos bleiben, weil Appelle sowieso immer folgenlos bleiben. Und zahlreiche Anekdoten von Leuten, die schon im vergangenen Winter Geschmacks- und Geruchsverlust und unklare Lungenentzündungen hatten, und am Ende das Gefühl, daß Corona schon viel weiter verbreitet ist als gedacht.

Die Gesellschaft selber ist auch gescheitert, aber nicht bei der Pandemiebekämpfung, sondern an der Aufgabe, ebendiese Aufgabe zivilisiert und ohne Panik anzugehen. Stattdessen: Moralisches Posing auf Social Media, Ausgrenzungs- und Abwertungsreflexe und eine aufgeheizte Medienberichterstattung, die sich auf eine Linie festlegt und jede abweichende Aussage durch „Faktenchecks“ wegbügeln will, welche oft keiner näheren Betrachtung standhalten. Mir wurde das klar, als schon im März auf Radio Eins ein Interview mit der Virologin Karin Moelling erschien, die sachlich abwägend zum Thema sprach. Kurz danach sah die Redaktion sich bemüßigt, auf der Website einen Disclaimer darunterzusetzen: Das ist nur eine Einzelmeinung, wir wollen auf keinen Fall verharmlosen. Holla, dachte ich da, das kann ja heiter werden, wenn Sachthemen jetzt so moralisch aufgeladen werden. Zumal der Modus „das hier ist die Wahrheit und alles andere ist Fake News“ ja schon vorher derselbe gewesen war, nur um 180 Grad gedreht. Bis Anfang März herrschte in den Medien allgemeine Einigkeit, man müsse sich keine Sorgen über das Virus machen, wohl aber über Fake News und rechte Verschwörungstheorien. Hier ein Beispiel und hier noch eins. Wenn ich Leute sehe, die in diesem demagogischen Tonfall vor laufender Kamera andere runtermachen, kriege ich sehr ungute Gefühle, und zwar unabhängig davon, in welche Richtung es geht. In der internationalen Wissenschaft wird zu Corona eine durchaus erhitzte Debatte geführt, da kann jeder sich unschwer auf Twitter von überzeugen, aber sie findet in den hiesigen Medien so gut wie gar nicht statt. Einzig ein Hendrik Streeck wird zur tragischen Figur und muß sich Haßattacken gefallen lassen wie zum Beispiel den Hashtag „Sterben mit Streeck“ und Hinweise darauf, daß sein Großvater in Auschwitz die Hände im Spiel hatte. Diesen Tonfall kennen wir schon von der RIP-JK-Rowling-Meute. Was da auf Twitter vor unseren Augen passiert, ist die Wiederkehr des Lynchmobs. Ich bin entsetzt über diese Entwicklung, aber man konnte sie kommen sehen.

Fazit: Ich halte Corona ganz und gar nicht für harmlos. Daß es gefährlich ist, kann ja jeder sehen. Es ist für eine bestimmte Bevölkerungsgruppe sogar so gefährlich, daß man dieser Gruppe zwingend besonderen Schutz anbieten muß, und wenn man den versäumt, dann kriegt man volle Krankenhäuser. Ich finde aber die scheinbare Rationalität, aus der heraus man nach immer mehr Lockdowns ruft, ebenso gefährlich. Jeder gedankliche Schritt mag für sich folgerichtig sein, aber das Ganze ist mehr als die Summe seiner Teile, und am Ende entsteht aus lauter Einzelschritten ein monströses Ganzes. Ich finde den Tunnelblick höchst problematisch, mit dem die gigantischen Schäden von Lockdowns ausgeblendet werden. Durch die unguten Strukturen des Diskurses spalten wir unsere Gesellschaft auf Jahre hinaus. Und wie gefährlich das Virus nun genau ist, dazu kann eigentlich niemand etwas seriöses sagen, solange wir nicht wissen, wie verbreitet es eigentlich schon ist, wo also die Dunkelziffer liegt. Bei bisher 1,5 Millionen bestätigten Infektionen liegt durchaus im Bereich des Möglichen, daß 15 Millionen Deutsche es schon hatten. Es wäre interessant, die herauszufinden, aber das könnte am Ende auf „Verharmlosung“ hinauslaufen und wird daher unterlassen. Diese Kausalität ist nur eine Vermutung meinerseits. Es wird unterlassen, Grund unklar, soviel kann man sagen.

Und vor allem: Die unausgesprochene Maxime, die hinter allen Maßnahmen steht, lautet „das Virus muß weg“. Es darf nicht existieren. Fakt ist aber: Es ist schon überall. Wir kriegen es nicht mehr weg. Unser Werkzeug paßt also nicht zum Problem. Wir hauen mit dem Hammer auf eine Schraube, anstatt den Hammer wegzulegen und einen Schraubenzieher zu holen. Aus langjähriger Fahrrad- und Autoschrauberei ahne ich: Das könnte schiefgehen.

An Corona sind bisher hierzulande 2772 Menschen unter 69 Jahren gestorben. Nehmen wir mal an, die sind alle wirklich an diesem Virus gestorben und hatten nicht außerdem noch Krebs im Endstadium. Das statistische Risiko für gesunde Menschen bis 69, an Corona zu sterben, wäre dann im Bereich eines Autounfalls (wir haben jedes Jahr ca. 3000 Verkehrstote). Das ist nicht nichts. Unfälle sind grauenhaft. Dreitausend Verkehrstote würden uns sehr unangenehm auffallen, wenn wir vorher null gehabt hätten. Diese dreitausend sind außerdem nur die Spitze eines Eisbergs von Schwerverletzten, deren Leben nie wieder so sein wird wie zuvor. Wir haben uns daran gewöhnt. Wir haben es in unser psychisches Immunsystem integriert. Ob das gut oder schlecht ist, mögen andere entscheiden, aber bei Corona wird es ähnlich laufen. Die Menschen schultern das Risiko und leben ihr Leben weiter. So sind sie, die Menschen. Andere gibt’s nicht.

Weil wir es mit religiösen Strukturen zu tun haben, klaffen Reden und Handeln erstmal auseinander. Man bekennt sich zum einen und tut das andere. Aber irgendwann erodiert die Religion, und dann kommt beides wieder zueinander, allmählich oder mit einem Knall.

Das wären sie so ungefähr, meine Standpunkte. Wer mich jetzt als „Aluhut“ bezeichnen will, möge das tun, dann werde ich mir im Gegenzug auch ein Schimpfwort ausdenken und dann können wir handgreiflich werden oder schweigend auseinandergehen. Mit Leuten, die andere beschimpfen und dabei gar nicht mehr merken, was für einen Ton sie am Leibe halten, ist kein Austausch möglich. Und die oft gehörte Behauptung, Kritik an der Corona-Politk sei „rechts“, ist so ungeheuer dämlich, daß ich mich weigere, dazu überhaupt irgendwas zu sagen. Ja, „dämlich“ ist auch ein Schimpfwort. Das habt ihr jetzt davon.

Seit ich denken kann, war um mich herum Krisengeschrei. Es gab Waldsterben und Atomtod und sauren Regen und Wirtschaftskrise und Rezession und sechs Millionen Arbeitslose und Agenda 2010 und Fukushima und BSE und Schweinegrippe und Vogelgrippe und Elefantengrippe. Es war immer fünf vor zwölf. Nichts davon ist wirklich bei mir angekommen. Zumindest brach die ganz schlimme Katastrophe, die immer vor der Tür stand und uns alle umbringen würde, dann doch nie so richtig herein. Das Leben ging immer weiter. Ich habe immer gesagt: Das wird nicht so heiß gegessen, wie es gekocht wird. Aber das ist diesmal anders. Ich fürchte, diesmal wird es mindestens so heiß gegessen, wie es gekocht wird.

Das ist ein schönes Schlußwort. Belassen wir es dabei.

Liebe Grüße
Dietrich

P.S.
Wo bleibt das Positive? Hast du einen besseren Vorschlag? Nein, ich selber nicht, aber ich bin ja immer dafür, auf Fachleute zu hören. In den letzten Monaten wurde ich ein glühender Fan des Internisten Matthias Schrappe, der mit einer Gruppe von Fachleuten stoisch ein Thesenpapier nach dem anderen erarbeitet, das von der Politik dann ignoriert wird. Hier ein paar Ausschnitte aus einem Interview mit der WELT vom 18.11., also genau vor einem Monat. Alles, was er da vorhersagt, hat sich bewahrheitet. Das ganze Interview ist hier, leider hinter der Bezahlschranke, aber wer ein bißchen googelt, findet den Text auch in voller Länge. Ich hoffe, ich kriege für dieses lange Zitat jetzt keine Copyright-Ärger mit Springer, aber mir ist wirklich wichtig, daß sich das herumspricht.

WELT: Herr Schrappe, Sie haben mit acht Wissenschaftlern ein Papier über die Bundesregierung und ihre Corona-Politik verfasst. War das nötig?
Matthias Schrappe: Ja. Weil nichts zu erkennen ist, was nach einer brauchbaren Strategie aussieht. Das fängt bei den Corona-Tests an und endet sicher nicht bei dem, was die Regierung für angezeigt hält bei den Schutzkonzepten für Risikogruppen. Wir hatten schon im April klargemacht, dass es Infektionsherde in Krankenhäusern und Pflegeheimen geben würde. Es hätte umgehend spezifischer Maßnahmen bedurft. Das gilt immer noch, weil fast die Hälfte der Todesfälle auf diese Institutionen zurückgeht. Aber die Bundesregierung ist beratungsresistent. Am Sonntag veröffentlichen wir dennoch ein Thesenpapier, wie man Pflegeheime und Krankenhäuser wirkungsvoll schützen kann. Wir machen das zum sechsten Mal, und beim Formulieren ist es uns schwergefallen, nicht immer das Gleiche zu wiederholen. Notwendig war es trotzdem, weil die Deutschen jetzt den harten Weg antreten müssen. Dabei werden besonders gefährdete Menschen auf der Strecke bleiben. Es gibt keine geeigneten Schutzkonzepte für sie.

WELT: Kein Schutz für ältere Menschen? Nennen Sie mir das Pflegeheim, das jetzt noch unbegrenzt Besucher empfängt.
Schrappe: Wenn in Deutschland von Schutz die Rede ist, dann kann man sich darauf verlassen, dass damit wegsperren gemeint ist. Ich habe meine klinische Karriere in den Anfängen der Aids-Jahre gemacht und zur HIV-Infektion habilitiert. Damals ist man auf die homosexuellen Männer zugegangen, hat sie angesprochen als Risikogruppe, sie beraten. So kam es zur Safer-Sex-Kampagne, die äußerst erfolgreich war. Niemand wäre auf die Idee gekommen, Kontakte zu verbieten oder Sex. Wir haben gegen alle Widerstände in winzigen Schritten durchgesetzt, dass Drogensüchtige Polamidon bekamen. So hieß das damalige Methadon, das heute Standard ist. Wir bekamen empörte, wüste Drohungen. Unter anderem lehnten Psychiater das Verfahren grundsätzlich ab. Ich erzähle das, um für das zu werben, was man seit damals unter zielgruppenspezifischen Präventionsanstrengungen versteht. Wegschließen gehört sicher nicht dazu.

WELT: Was stattdessen?
Schrappe: Menschlichkeit und ein wohlwollender Schutz, der von der Persönlichkeit und der Würde der Betroffenen ausgeht. Das kann man sich offenbar nur schwer vorstellen. Warum gibt es in Corona-Zeiten für ältere Menschen kein Taxi zum Preis eines ÖPNV-Tickets? Wo sind die Hilfsprogramme für ambulant zu pflegende Personen? Warum können denn Studenten, deren Kellnerjob weggebrochen ist, nicht für das gleiche Geld vor den Seniorenheimen stehen und Abstriche machen? Oder Einkaufsdienste für Senioren? Oder die ambulante Pflege entlasten? Man muss in dieser Zeit doch den Zusammenhalt wecken, die Fantasie anregen, wie man sich und die Mitmenschen schützt. Aber das ist eine Führungsaufgabe, dazu müsste die Bundesregierung bereit sein, mit Präventionsideen zu experimentieren, sie müsste es ausprobieren, und sie sollte vor allem auf diese permanenten Lockdown-Drohungen verzichten.

NOCH EIN NACHTRAG: Kommentare funktionieren aus irgendeinem Grund derzeit nicht. Ich kann sie freischalten, aber sie werden nicht angezeigt. Wir arbeiten dran.

Hey, ihr Nervensägen (generisches Femininum)! Ich wurde schon sehr oft als „Person“ bezeichnet (generisches Femininum). Gelegentlich auch als Koryphäe, Instanz, Eminenz, Zicke, Krawallschachtel oder Knalltüte. Hat mich nie gestört, im Gegenteil, ich fand es sehr erfreulich. Genauso wie wenn Frauen sich selbst in meiner Gegenwart als Zampano, Zeremonienmeister oder wütenden arabischen Mann tituliert haben. Ist alles schon passiert. Ich habe mich selber in geselligen Runden bestimmt auch schon als die Gastwirtin, Herbergsmutti oder Chefin vorgestellt. Andererseits wird unsere Sprache ja so nach und nach vom Englischen aufgefressen (at least that’s what’s happening in my head, asshole), da hinterläßt das geschlechtsneutrale „filmmaker“ Spuren der Verwüstung (weiblich), und daher ist es mir durchaus schon unterlaufen, dass ich eindeutig cis-hetero-weiblich-gelesene Personen im Singular als „Drogenhändler“ oder sowas bezeichnet habe. Vorbildlich erschien mir übrigens die Mitarbeiterin kürzlich im Bioladen meines Vertrauens, die einräumenderweise vorm Regal stand und im tiefsten Berliner Baß schnauzte: Mann, jeht mir dit heute allet wieder aufn Sack! Das war Self-empowerment in jeder Hinsicht. Schlagt euch zu diesem Thema also meinetwegen die Köpfe ein, aber nehmt vorher die Stöcke aus den Ärschen und verwendet die Stöcke dann als Waffe beim Kopfeinschlagen. Wenn die Köpfe alle eingeschlagen sind, dann sind sie vielleicht auch in der Lage, ein Prinzip als die einzig wahre Doktrin zu identifizieren und es völlig ohne Nachdenken (wie denn auch, Kopf ist ja eingeschlagen) durchzuziehen. Aber dann bitte wirklich konsequent. Dann hat man halt die Handwerker:innenvertreter:innen zu Besuch bei den Bürger:innenmeister:innen, und vielleicht sind bei diesem Spiel am Ende alle Teilnehmer:innen Verlierer:innen, aber da würde ich niemals gegen protestieren, sondern es nur sehr lustig finden. Falls aber noch uneingeschlagene Köpfe übrig sind, dann sind die vielleicht in der Lage, mit der ganzen Chose („die Chose“, feminin, Lehnwort aus dem Frz., Geschlecht wie im Original, anders als z.B. „die Tour de France“ vs. „le tour de France“) eleganter, spielerischer, musikalischer umzugehen, also so flexibel, daß der Text kein Stacheldrahtzaun wird. Das tue ich schreibenderweise eh schon immer, die deutsche Sprache hat da nämlich eine Sollbruchstelle oder eine Grauzone oder eine Problemzone oder Zellulite. Und das ist aber auch nicht meine nagelneue Erkenntnis. Das haben andere vor mir gedacht und getan. Wir stehen auf den Schultern von Riesinnen. Und in Deutschland eh immer auf den Schultern von Nazis. Es gibt Hitlerreden (bzw. Hitler*innenreden), in denen er die anwesenden „Nationalsozialistinnen und Nationalsozialisten“ begrüßt, weil auch Hitler gemerkt hatte, daß da irgendwas seltsam ist. Hitler wäre beim genaueren Nachdenken aber auch durchgedreht, denn es gibt da keine klaren Regeln oder Fronten (und Hitler mochte ja klare Fronten). Meine Freunde sind nur Männer, unter meinen Gästen sind dagegen auch Frauen? Ach nee, umgekehrt? Ist „der Mensch“ nicht eigentlich schon eine Frechheit? „Die Person“ dann aber auch? Warum ist der Fliesenleger ein Mann, der Wagenheber nicht, der Anleger aber schon, also zumindest der an der Börse, wobei das ja meistens Firmen sind, manchmal auch Privatanleger*innen, aber andererseits ist „die Firma“ ja auch weiblich, ganz im Gegensatz zum Bootsanleger, der ja bekanntlich ein Mann ist, ach Quatsch, jetzt bin ich verwirrt. Nur eins weiß ich sicher: „Beamtin“ ist einfach nur falsch, „Beamte“ ist nämlich eine verkürzte Aussprache von „der Beamtete“ bzw. „die „Beamtete“. Go figure. Sprache ist ein irrsinniger Irrgarten. Also macht, was ihr wollt, und habt Spaß, aber wenn ihr euch wirklich hinstellt und behauptet, ihr hättet ein universelles Prinzip gefunden, das ab sofort kategorisch durchzuziehen sei, dann beschwert euch nicht, wenn ich diese Konsequenz dann auch einfordere und mich hinterher über die Ergebnisse lustig mache. Ich habe mir übrigens geschworen, niemals einen Song zu schreiben mit einem Titel aus dem Musterbaukasten von der Sorte „Die Empathie (Liebe, Sorgfalt, Schönheit, Gehässigkeit…) ist weiblich“. Dann schon lieber „Das Mitgefühl ist ein Neutrum“ oder „Der WC-Reiniger ist männlich“. Das wären schöne Lieder. Und dann wäre da noch dieser Text, der behauptet, Gendern sei diskriminierend. Finde ich jetzt echt etwas problematisch. Aber ich bin ja auch ein Mann. Allerdings einer aus der Generation, die sich selber nie als „Mann“ sehen konnte, sondern immer nur als „Typ“. Diese herrliche Beobachtung habe ich aus einem Buch von Juli Zeh. Juli Zeh ist ein Schriftsteller, der die Kunst beherrscht, sich in die Herzen von Männer*innen, Frauen, Hunden und Pferden gleichermaßen einzufühlen. Davor knie ich nieder. Und zwar als Mann, Frau, Kind und Knallkopf.
Tschüssikowski und Bussi!
Eure Klatschtante vom Dienst.

Ich bin kein Mediziner und kein Naturwissenschaftler. Ich bin Autor und Regisseur, beschäftige mich beruflich also mit Wahrnehmungspsychologie in Menschenmengen, mit Narratologie, Dramaturgie und Plausibilität in Kausalketten. Außerdem bin ich Bürger eines demokratisch verfassten Staates und als solcher Objekt, aber auch Subjekt politischen Handelns. Ich kann in diesen Tagen gar nicht anders, als mir zur Corona-Epidemie meine eigenen Gedanken zu machen.

Momentan sehe ich in der Öffentlichkeit eine große, weitgehend unkritische Einigkeit: Mach, was Mutti sagt. Der Diskurs nimmt gelegentlich totalitäre Züge – wer an den derzeitigen Maßnahmen zweifelt und nach anderen Wegen fragt, der hat nicht einfach eine andere Meinung, die es zu diskutieren gilt, sondern dem wird unterstellt, er sei ein vergnügungssüchtiger, herzloser Egoist, ein Soziopath, dem Menschenleben völig egal wären, und derlei mehr. Es erübrigt sich eigentlich, zu dieser Art von Polemik Stellung zu nehmen, dennoch ganz kurz zwei Dinge: Erstens, persönlich, treibt mich nicht die egoistische Vergnügungssucht, sondern im Gegenteil die Sorge um die ungeheuren Verheerungen, die zur Zeit durch die gesamtgesellschaftliche Vollbremsung passieren. Mir ist egal, wann das Berghain wieder aufmacht, aber mir ist nicht egal, wenn um mich herum massenweise Menschen vor den Trümmern ihrer Existenz stehen. Und zweitens, ganz grundlegend: Offene Debatte ist die zentrale Säule einer Demokratie. In den Wissenschaften, in der Politik, überall muß es möglich sein, andere Meinungen zu vertreten als die derzeit herrschenden. Schon mein ganzes Leben wurde ich zum Selbstdenken angehalten. Wenn das überhaupt irgendwann einen Wert haben soll, dann doch jetzt, in der größten Krise, die wir bisher erlebt haben (und hoffentlich erleben werden).

Auf der anderen Seite findet man viel unseriöses – meist sind es Youtube-Videos auf obskuren Kanälen, in denen irgendwer mir erklären will, das alles sei wahlweise eine Verschwörung oder halt nur eine bessere Erkältung. Auch hierzu erübrigt sich eigentlich jeder Kommentar, aber der Vollständigkeit halber sei es gesagt: Fallt nicht auf so etwas herein. Gerade jetzt sollten wir alle uns an seriöse und nachvollziehbare Quellen halten. (Ein Sonderfall scheint mir die Virologin Karin Moelling zu sein, deren Argumentation im Radio-Eins-Interview mir durchaus nachvollziehbar erscheint, wenngleich sie die Erklärung für die Ereignisse in Italien schuldig bleibt. Ihre anderen Interviews habe ich noch nicht in voller Länge gehört. Ich wäre dankbar für Hinweise von Leuten mit Fachverstand, die das einordnen können.)

Wir haben also eine Situation, in der wir einerseits vor einer möglichen Epidemie mit zahlreichen Toten stehen (siehe Italien und Spanien) und andererseits vor einer Wirtschaftskrise ungeahnten Ausmaßes (ebenfalls mit nicht wenigen Toten, wenn man es nüchtern zu Ende denkt). Und um es kurz zu machen: Ich halte das zweite Szenario für deutlich gravierender und auch für wahrscheinlicher (von Wahrscheinlichkeit muß man eigentlich nicht mehr reden, denn es hat ja bereits angefangen, wohingegen die Epidemie weiter auf sich warten läßt – die Krankenhäuser sind auf den Ansturm vorbereitet, bisher ist er aber ausgeblieben, so zumindest Charité-Chef Kroemer gestern in der Pressekonferenz. Und überhaupt würde ich sehr gerne mal Daten sehen, wie denn die Lage in den Kliniken eigentlich ist).

Das Zauberwort dieser Tage lautet: Evidenz. Also belastbare Meßdaten, anhand derer wir unser Handeln ausrichten können. Die gibt es nun leider kaum. Forscher warten mit gutem Grund sehr lange, bis sie sich felsenfest sicher sein können. Christian Drosten sagt noch im Podcast vom 28.2. wörtlich: „Es gibt im Moment überhaupt keinen Grund, irgendetwas zu machen oder sich irgendwelche Sorgen zu machen“ und fährt fort, daß er sich eher Sorgen macht um das, was in einem Jahr sein könnte (sämtliche Folgen als PDF gibt es hier). Anfangs lautet seine Botschaft „Keine Panik“, das ändert sich dann erst irgendwann. Und das kann man ihm nicht vorwerfen – er verläßt sich nicht auf Medienpanikmache, sondern auf Evidenz. Und auch als die Lage dann ernst wird und die Politik Maßnahmen ergreift, bleibt er korrekt und sagt: „Wenige der Entscheidungen der letzten Tage waren rein evidenzbasiert, viele waren vor allem politisch und bestimmt richtig. Sie sind zum Teil sicher auch unter dem Eindruck der strikten Maßnahmen in den Nachbarländern zustande gekommen.“ (Zeit-Interview vom 20.3.)

Hätte jemand am 28.2. geschrieen: DOCH!! PANIK! WIR MÜSSEN JETZT ALLE VERANSTALTUNGEN ABSAGEN!, dann würden wir ihm im Nachhinein recht geben. Hinter ist man klüger. Aber kann man daraus etwas lernen?
Ich meine: Ja.
Denn auch jetzt sehen wir wieder dasselbe: Warten auf hammerharte Evidenz. Wir müssen die Wirksamkeit der Maßnahmen abwarten, bevor wir irgendwas entscheiden. So argumentieren die Naturwissenschaftler, und auf ihrem Gebiet haben sie recht. Aber dieselben Wissenschaftler betonen ja auch immer, daß hier politische Entscheidungen getroffen werden müssen, und zwar von Politikern, die auch andere Parameter im Blick haben.
Und da kann man meines Erachtens sagen: Wir haben klare soziologische und ökonomische Evidenz, daß hier bereits ein ungeheurer Schaden angerichtet wurde, der von Tag zu Tag schlimmer wird. Reihenweise stehen Menschen und Firmen vor dem Bankrott, von häuslicher Gewalt und psychischen Krankheiten ganz zu schweigen. Die versprochenen unbürokratischen Hilfen erweisen sich als alles andere als unbürokratisch. Oder sie laufen auf „Hartz IV“ hinaus. Oder auf Kredite zu 7% Zinsen. Wir und kommende Generationen werden über Jahre und Jahrzehnte die Rechnung bezahlen. Und das ist kein kaltherziges Wirtschaftsdenken, das sind nicht ein paar Euro mehr oder weniger auf dem Konto, da geht es bei vielen Menschen um die nackte Existenz, und das schlägt sich nicht zuletzt auch in Krankheiten und Todesfällen nieder.

Es ist also meiner Meinung nach an der Zeit, daß genau jetzt jemand das ruft, was Ende Februar noch nicht gerufen wurde: Stop! Panik! Wir müssen SOFORT etwas unternehmen! Wir müssen die Maßnahmen lockern und dafür die Risikogruppe konsequent schützen. Wir können nicht warten, bis die Virologen sich felsenfest sicher sind – es geht einfach zuviel kaputt, der Schaden durch die Kur würde dann den Schaden durch die Krankheit um ein Vielfaches übertreffen. Es ist ein bißchen wie ein Schlangenbiss im Knöchel – der ist bei Nichtbehandlung tödlich, also amputiert man sicherheitshalber das ganze Bein.
(EDIT: Ich wurde auf eine Unklarheit hingewiesen, die ich hier korrigieren will. Ich halte die anstehende Wirtschaftskrise nicht für schlimmer als eine Epidemie mit vielen Toten, ich halte sie jedoch für deutlich schlimmer als den Verlauf, den wir kriegen, wenn wir die Maßnahmen lockern, z.B. im Sinne von „Smart Distancing“, wie Alexander Kekulé es im unten verlinkten Interview vorschlägt.)

Manche Stimmen sagen nun: Risikogruppen schützen? Wie soll das gehen? Und machen die Leute das mit? Ich glaube, die zweite Frage hat sich in diesen Tagen in Deutschland erledigt. Die Leute machen wirklich erstaunlich viel mit. Und auf die erste Frage gibt es zahlreiche, simple Antworten, wie man sich und andere vor Ansteckung schützt. Vergleiche dazu die ersten Folgen des Drosten-Podcasts oder auch diesen Text: „During the SARS epidemic, I traveled all over China and Hong Kong, interviewed people infected with the virus, doctors and nurses treating the disease, government officials, police—everybody. I was never concerned that I would become infected, despite being in the room with sick individuals. And that’s because I knew what precautions to take. Here are the most important ones to know.“

In der Pressekonferenz von gestern wurde Christian Drosten zu diesem Thema (Risikogruppenschutz) übrigens auch gefragt. Er hat es knapp vom Tisch gewischt: Nein, das ist trivial, das kann man modellieren, das geht nicht. Ich finde diese knappe Pauschalaussage irritierend und finde es bedauerlich, daß nicht genauer nachgefragt wurde. Zumal genau darauf ein Interview hinausläuft, das der Virologe Alexander Kekulé heute der „Zeit“ gegeben hat.

Ich finde kein gutes Fazit für diesen Text. Also belasse ich es einfach dabei. Er ist ohnehin schon lang genug. Und das Ende ist offen.

Noch ein paar weitere Links:

Es gibt einen Text vom „Netzwerk für Evidenzbasierte Medizin“. Es lohnt sich, den in voller Länge durchzulesen. Er kommt zu keinem sensationell anderen Fazit, aber er stellt zahlreiche Fragen, die derzeit in der Öffentlichkeit kaum gestellt werden. Er traut sich sogar, den Grippe-Vergleich aufzumachen, der ja so etwas wie der neue Hitlervergleich ist. Dan man aber durchaus anstellen kann, sofern man „vergleichen“ nicht um umgangssprachlichen Sinne als „gleichsetzen“ versteht, sondern als „nebeneinanderhalten und nach Gemeinsamkeiten und Unterschieden fragen“. Ich zitiere ich eine längere Passage:

„Die Zahlen aus China sind wenig glaubwürdig. Dass in einem Land mit 1,4 Milliarden Menschen das „Containment“ so gut funktioniert, dass sich plötzlich niemand mehr infiziert (25 Neuinfektionen im ganzen Land am 18.3., keine Neuinfektionen am 19.3.) [3], erscheint doch sehr unwahrscheinlich. Und was passiert, wenn die NPIs gelockert werden? Ansteckungsrate, Virulenz und Pathogenität des Virus ändern sich doch durch das Containment nicht. Das heißt, dann wird die Ausbreitung, wie im Report des Imperial College prognostiziert [16], wieder Fahrt aufnehmen und exponentiell fortschreiten, bis ca. 60 bis 70% der Bevölkerung infiziert wurden und dann immun sind. Oder wurde dieser Status in China bereits erreicht? Dann wären die 3.217 Toten (Stand 19.3.) [3] in Relation zu 1,4 Milliarden Bevölkerung allerdings weit unter der Todesfallrate der jährlichen Influenza, die wir bisher ohne drastische NPIs in Kauf nehmen.
Die bisher wenigen Todesfälle in z.B. Deutschland und Österreich sprechen ebenfalls eine andere Sprache. Wird hier im Fall von SARS-CoV-2 – im Gegensatz zur Influenza – einfach nur umfangreicher gemessen? 2017/18 sind in Deutschland 25.100 Menschen an Influenza verstorben [12]. Wenn man die vom RKI für 2017/18 errechnete CFR von 0,5% zugrunde legt, entspricht dies einer Anzahl von 5 Millionen Infizierten. Die Grippe-Saison dauerte laut Surveillance-Bericht des RKI von der 52. Kalenderwoche 2017 bis zur 14. Kalenderwoche 2018, also 15 Wochen [11]. Um innerhalb von 15 Wochen auf 5 Millionen zu kommen, müsste sich die Anzahl der Infizierten alle 4,4 Tage verdoppeln – ähnlich wie wir es jetzt bei SARS-CoV-2 sehen – nur bei der Influenza haben wir es nicht gemessen. Es gab jedenfalls 2017/18 keine Meldungen, dass unser Gesundheitssystem überlastet war, obwohl sicher alle 25.000 Grippetoten vor ihrem Tod medizinisch versorgt wurden, die meisten sicher stationär oder gar intensivmedizinisch.“

Soweit das Zitat. Wie gesagt, es lohnt sich, den ganzen Text zu lesen. Und um ganz sicherzugehen: Nein, es ist KEINE Grippe, Hergottnochmal, denn ein wesentliche Unterschied ist, daß wir keine Impfung und auch keine Grundimmunität haben. Gegenüber Corona sind wir alle erstmal immunologisch naiv und scheiden bei Infektion millionenfach Viren aus (Quelle: Drosten im Podcast, genaue Stelle müßte ich suchen).

Außerdem, anderer Schauplatz, aber dennoch interessant: Die Rechtmäßigkeit der Maßnahmen ist höchst zweifelhaft. Das findet auch die Anwältin Jessica Hamed im FR-Interview.

Dazu auch Sabine Leutheusser-Schnarrenberger: „Die Eingriffe in die individuelle Freiheit der Bürger müssen eine Ausnahme bleiben, verhältnismäßig sein und schnellstmöglich auslaufen. Denn auch in der Krise ist nicht alles erlaubt.„

Schon wieder alles vorbei. Fazit: Diesmal kaum Filme geguckt, aber ein paar gute waren dabei. Im Gedächtnis bleiben mir vor allem ein paar Dokumentarfilme. Wer Dokumentarfilme macht, hat meine volle Bewunderung. Die widmen sich jahrelang mit stiller Beharrlichkeit ihrem jeweiligen Thema, jonglieren mit den Launen der Welt und der Leute, sitzen dann wiederum jahrelang mit hunderten Stunden Material im Schneideraum, das ganze außerdem in einem Umfeld, in dem Dokumentarfilme immer schwieriger zu finanzieren sind und immer öfter schon im Vorfeld ein „Drehbuch“ verlangt wird, was wie ein schlechter Witz klingt, aber leider nicht so gemeint ist.

Aus diesen und anderen Gründen mache ich keine Dokumentarfilme, aber ich hätte da einen, den mal jemand machen müßte. Nur zwei Steinwürfe vom Potsdamer Platz entfernt gibt es nämlich einen dieser Orte, die in Berlin eigentlich längst alle plattgemacht wurden: Ein Hof voller Garagen und Baracken, in jeder Garage sitzt jemand und schraubt an Autos herum, sie kommen aus vielen Ländern und haben viele Spezialisierungen, da gibt es Zylinderkopf-Uli und Vergaser-Ede, Hassan den Lackierer, Adel aus Senegal, Cesar aus Chile, und es herrscht keineswegs harmonisches Multikulti, es ist eigentlich dauernd Streit, jeder steht jedem im Weg, der eine redet nicht mehr mit dem anderen, abends kommen zwei Pferdekutschen und nehmen irre viel Platz weg, und der Pächter vons Janze, der jeden Monat die Miete einsammelt, sieht aus wie hundert Jahre Knasterfahrung. Es wäre eine wunderschöne Langzeitdoku, aber bis die einem alle vertrauen, müßte man schon ein halbes Jahr mit jedem abhängen. Wer also diesen Film machen möchte, möge sich melden, ich kann ihm oder ihr die wichtigsten Protagonisten vorstellen und freue mich dann aufs Endergebnis, vielleicht so auf der Berlinale 2025 oder 26.

Gute Dokfilme von der Berlinale 2019, also, beispielsweise: „Berlin Bouncer“ von David Dietl, ein Dokumentarfilm über Türsteher vor Berliner Clubs. Wie jeder gute Dokumentarfilm guckt er einfach hin, läßt die Leute reden und schneidet mit sicherem Gespür einen hochinteressanten Film daraus. Auch ganz toll: „Erde“ von Nikolaus Geyrhalter. An sieben Orten auf der ganzen Welt schaut er zu, wie Menschen mit riesigen Maschinen die ganze Erde umgraben. Die Bilder, die er findet, sind beeindruckend und bedrückend und majestätisch und erhaben. Solche Filme könnte ich mir wochenlang angucken. Schon Geyrhaltes letztes Werk „Homo Sapiens“ fand ich so schön, daß es in mir ein Spielfilmprojekt inspiriert hat, das seitdem als Drehbuch herumliegt und nicht finanziert wird.

Außerdem: „6Minuten66“ von Julius und Katja Feldmeier. Da spiele ich selber mit. Nein, ich spiele nicht, oder doch, ich spiele, aber nur mich selber, oder nein, ich spiele eine Version von mir selber, die ich gern wäre, oder so ähnlich. Wim Wenders hat im Jahr 1982 berühmte Filmemacher mit einer laufenden Kamera in einem Hotelzimmer alleingelassen, um über das Kino zu reflektieren, wobei die Versuchsanordnung ja selber schon eine Reflektion übers Kino ist. Bei Wenders waren es unter anderem Fassbinder, Antonioni, Spielberg, Herzog, Godard, bei Feldmeiers im Jahr 2018 waren es Lass & Lass, Ranisch, Qurbani, Gebbe, Stuber, Schwochow, meine Wenigkeit und einige andere. Damals also Weltklasse, heute die jüngere Hälfte der deutschen Filmszene, aber ich habe starke Zweifel, ob irgendjemand damals unterhaltsamer war, als die Lass-Brüder oder auch Axel Ranisch es in diesem Film sind. Der Fragenzettel, mit dem man im Zimmer alleingelassen wurde, handelte vom Tod des Kinos, vom Ansturm neuer audiovisueller Erzählformen und so weiter. Ich versuchte damals zunächst irgendwas sinnvolles zu sagen, stellte dann fest, daß mir nichts sinnvolles einfiel, mir aber auffiel, daß ich in einem obszön teuren Hotelzimmer im Herzen von Kreuzberg saß, also legte ich Hand an die Kamera, schwenkte sie nach draußen auf den Oranienplatz und fragte mich und die Welt, was das alles soll.

Der Film ist jetzt also fertig und hat Premiere, tags drauf gibt es eine Podiumsdiskussion zum selben Thema. Ich lege ja enormen Wert auf Pünktlichkeit, kriege es aber selber hin, eine halbe Stunde zu spät zu erscheinen, wühle mich durchs Publikum zum Podium, setze mich auf selbiges und sage: Stirbt das Kino, stirbt die Kunst, ich kann es nicht mehr hören, das ist mir alles zu konservativ, erstens ist das Theater auch nicht gestorben, zweitens kommt immer was neues, wenn was altes stirbt, drittens ist die neue Kunst oft ein Schlag ins Gesicht der alten, irgendwelche ungewaschenen Halbstarken spielen E-Gitarren mit übersteuerten Verstärkern, daß es den Erwachsenen graust, 50 Jahre später sind die Halbstarken von damals die konservativen Säcke von heute, die ihren einstmals rebellischen Geist schon längst unter hirntoten Fachsimpeleien über 7000€ teure Stratocaster oder Marshall-Amps begraben haben, und die finden es dann grauslich, daß die Jugend nur noch Geräte mit blinkenden Knöpfen drückt, wo Beats rauskommen. Und wenn das Kino stirbt, dann vielleicht deswegen, weil die Filme selber zu konservativ geworden sind? Sind sie im konventionellen Sinne natürlich nicht, die meisten Filme geben sich progressiv, auch hier auf der Berlinale, aber meistens werden doch da sehr klare Sympathieschemata bedient, ich muß nicht lange nachdenken, was ich gut zu finden habe, und das nenne ich konservativ. Das reißt mich selten vom Hocker. Dafür gehe ich abends nicht aus dem Haus. Ich will im Kino das verbotene, finstere, überraschende, lustige, den Exzeß, die Feier, den Schlag ins Gesicht. Ach, und die Jugend von heute mit ihren Smartphones, die ist übrigens auch gar nicht so schlimm. Ich habe ab und zu mit Schulklassen zu tun, und die sind meistens sehr aufgeschlossen und interessiert an der Welt. Das war zu meiner Schulzeit schon so, einige fand ich ziemlich stumpf, die allermeisten voll okay, ein paar einzelne richtig toll, das ist heute noch ganz genauso, the kids are alright, hört mal auf zu meckern, ihr kulturpessimistischen Wohlstandsrentner.

Hinterher sagt mir eine, die im Publikum saß: Du warst voll aggro.
War ich?
Verdammte Scheiße! Aber dann ist das so! Lieber aggro as depri! Ich kann das Gejammer nicht mehr hören! Der Untergang der Kunst steht bevor, seit die ersten Menschen Büffel an Höhlenwände malten! Schon immer ging alles den Bach runter, und außerdem ist der Durchschnitt immer Durchschnitt, es gibt immer einen irgendwie falschen Konsens, der für einige Jahren Moden nach oben spült, die eine Generation später kaum mehr nachvollziehbar sind, und es wird doch immer Schlupflöcher geben, wo spannende und tolle Dinge stattfinden. Es wird immer eine Heidenarbeit sein und sich kaum lohnen, egal ob man Bands gründet, Filme macht, seinen Namen tanzt oder Morsezeichen furzt! Basta, Amen! Ich beende mein diesjähriges Berlinale-Tagebuch mit diesem flammenden Plädoyer für, äh, für was eigentlich? – egal, damit beende ich es.

Und wenn man etwas beendet hat, was macht man da? Man guckt aufs Handy. Da kriege ich einen Newsletter gesendet, darin wird ein Artikel empfohlen:

Why do Dieters succeed or fail?

Das ist eine hochinteressante Frage. Kann ich aber leider nichts zu beitragen. Kenne mich mit dem Thema nicht aus. Stattdessen blättere ich auf der Berlinale-Website ein wenig durch die Jahresarchive und entnehme denen, daß das Festivalprogramm seit dem Jahr 2002 schlagartig besser geworden ist. Über die Jahrgänge bis 2001 steht da öfter sowas wie „Fehlstart, Aufholjagd und Achtungserfolg“ oder daß der Wettbewerb durchwachsen oder sonstwie schwächelnd war. Ab 2002 ist damit Schluß, da war dann alles super. Das ist eine schöne Nachricht, denn sie zeigt, daß eben doch nicht immer alles den Bach runtergeht.

Ganz zum Schluß noch ein Loblied auf diejenigen, die nicht ganz oben, sondern ganz unten arbeiten, dort höchstwahrscheinlich am wenigsten verdienen und dafür am meisten Spaß haben, nämlich die jungen Herren und Damen an den Ticketschaltern. Die sind stets freundlich, unverwüstlich gut gelaunt und erschaffen nebenher noch Kunstwerke. Ich sah eines, war restlos begeistert und fragte, ob ich es fotografieren dürfe. Hier also das Bild. Ich sage: Meisterwerk, verneige mich vor der unbekannten Künstlerin und wünsche ihr eine große, strahlende und glückliche Karriere, und zwar nicht am Berlinale-Ticketschalter. Vielleicht ist sie nächstes Jahr schon irgendwo ganz oben und erschafft neue Kunst, die die Fans der alten auf die Barrikaden treibt. Oder sie dreht die nächsten sieben Jahre lang einen Dokumentarfilm über den erwähnten Autoschrauberhof. Wer weiß.

Vor 20 Jahren sah ich einen Kurzfilm, der aus einer zehnminütigen Applausorgie bestand. Der Film spielte in der Sowjetunion, vor irgendeiner Versammlung wird irgendwas verkündet, die Versammelten applaudieren – und hören nicht mehr auf. Wer als erster zu klatschen aufhört, der könnte ja insgeheim kein wahrer Sozialist zu sein, sondern ein Verräter, und dann wäre er schon mit einem Bein im Gulag. Also klatschen alle einfach immer weiter, bis sie vor Erschöpfung vom Stuhl fallen.

So ähnlich könnte es hierzulande vor vielen hundert Jahren gewesen sein, als man vom Sozialismus noch nichts wußte, aber dafür den Teufel nicht beim Namen nennen durfte. Tat man es doch, so geriet man in den Verdacht, insgeheim ein Teufelsanbeter zu sein, und dann stand man schon mit einem Bein auf dem Scheiterhaufen, denn diesen Verdacht kann man niemals überzeugend entkräften, weil die Untat ja nur im eigenen Kopf stattfindet, genau wie die Konterrevolution im Sozialismus. Beides sind Gedankenverbrechen. Also sagte man nicht „Satan“, sondern vermied das Thema am besten ganz, und wenn es doch mal sein mußte, dann bekreuzigte man sich und sprach vom „Gottseibeiuns“.

In Uli Gaulkes wunderschönem Dokfilm „Comrades in Dreams“ sieht man eine Frau in Nordkorea, die in einer Erzählung den Tag erwähnt, an dem Kim Il Sung verstarb, und da bricht sie unversehens in Tränen aus. Wir können davon ausgehen, daß ihre emotionale Erschütterung in diesem Moment nicht so ungeheuer groß ist, aber neben der Kamera stehen staatliche Aufpasser, mit einem fremdländischen Filmteam reden ist ohnehin heikel, also bricht man vorsichtshalber besser in Tränen aus, wenn der Tod des großen Führers Erwähnung findet.

Der Applaus-Film kam seinerzeit von der HFF-Potsdam, ich bewarb mich daselbst, wurde genommen, war dann also Filmstudent und drehte Studentenfilme. In den folgenden Jahren entstanden um mich herum, an unserer und anderen Filmhochschulen, immer wieder Filme, die in allen möglichen Teilen der Welt spielten. Straßenkinder in Brasilien, Waisenkinder in Jordanien, Kindersoldaten in Somalia, Arbeiter in Bolivien, Arbeitslose in Nepal. Einige davon waren erfolgreich und gewannen Studentenoscars. Ich hätte auch große Lust gehabt, zum Drehen abenteuerlich ins Ausland zu fliegen, aber andererseits dachte ich: Was genau habe ich da eigentlich zu suchen? Was kann ich da sinnvoll erzählen, wenn ich hinfliege und ein paar Wochen bleibe? Nicht viel. Also habe ich es gelassen.

Ob mein HFF-Studienfreund André damals auch so Auslandsreisefilme gedreht hat (im Berlinale-Auswahlkomitee nennt man das angeblich „Unesco-Filme“), das habe ich leider vergessen, aber ich weiß, was er in den letzten zehn Jahren gemacht hat: Er ist immer wieder nach Chicago gefahren und hat eine Langzeitdokumentation über zwei Jungen gedreht, die Boxer werden wollen (oder sollen) und es im Lauf der Jahre auch werden. Über die Jahre habe ich einiges von dem Film mitbekommen, André ist ein Teil des Lebens seiner Protagonisten geworden, sein Kameramann Thomas Bergmann ist darüber sogar ein halber Amerikaner geworden, lebt jetzt in New York, dreht dauernd Dokumentarfilme, die dauernd in Sundance oder sonstwo auftauchen, und heißt neuerdings Tom Bergmann. Der Film ist jedenfalls fertig und läuft auf der Berlinale. Und über die Jahre, das bekomme ich jetzt erst mit, haben Produzenten und Regie sich fortdauernd die Köpfe zerbrochen, wie man mit einem ganz bestimmten Vorwurf umgehen könnte, wenn er denn kommt. Der Film hatte nun gestern Premiere, alles lief gut, jetzt sitze ich in einer Wiederholungsvorstellung, der Film ist vorbei – und da kommt er tatsächlich, der gefürchtete Vorwurf.

–This film shocked me. As a black man, I found it shocking to see the depiction of how black bodies can hurt each other. It hurts me to see this, and I think it hurts you in a different way than me, because you can just turn around and walk away.

Oh Gott. Betretenes Schweigen. Wer auch nur ein bißchen in amerikanischen Medien herumspaziert, der weiß, welcher Krieg dort tobt, und nicht nur dort, sondern auch hierzulande. André zieht sich elegant aus der Affäre:
–Ich glaube, das kann meine Produzentin besser beantworten, denn die ist selber Amerikanerin.
Das ist sie in der Tat, und da wir nun mal schon mitten in die Identitätspolitik hineingesprungen sind, machen wir es gleich richtig: Sie ist eine Jüdin aus New York, und als solche greift sie jetzt zum Mikrofon und sagt: 
–Thank you very much. I appreciate this question a lot.
Dann sagt sie lauter Sachen, die mit der Frage eigentlich nicht wirklich zu tun haben und die ungefähr darauf hinauslaufen, daß die Präsenz der schwarzen Community im Film wichtig war und so weiter, und zum Schluß sagt sie wieder:
–Thanks again. I really appreciate this question.

Das scheint als rhetorische Geste ausreichend zu sein. Das Gespräch geht jedenfalls ganz normal weiter und woandershin. Ich denke an alte HFF-Zeiten und meinen Unwillen, als deutsches Filmteam irgendwoanders hinzufliegen und da einen Film zu machen. Ich kann den Mann durchaus verstehen, wenn er denkt: Was glauben diese weißen Jungs eigentlich, da in der Chicagoer Southside einen Film über schwarze Jungs zu machen? Andererseits denke ich: Wenn man da acht oder neun Jahre lang immer wieder auftaucht und die Leute über so lange Zeit begleitet und kennenlernt, greift der Vorwurf der Aneignung des Fremden dann überhaupt noch?

Aber hier geht es ja gar nicht darum, was ich denke. Ich als weißer heterosexueller Mann habe hier gar nix zu sagen. Hier sollen diejenigen sprechen, um die es geht. Jeder soll die Hoheit über seine eigene Geschichte haben und erzählen dürfen, was er will. Da sind wir uns doch hoffentlich alle einig. Wenn man diese Forderung zu Ende denkt, wird sie absurd, denn jede Gruppe zerfällt ja wieder in Untergruppen, und am Ende redet jeder nur noch über sich selbst, aber über sich selber darf wirklich jeder reden, soviel er will, und über die eigene Geschichte verfügen darf auch jeder ganz allein. Alle einverstanden? Okay, dann kommt jetzt hier das Killerargument (das auch den Produzenten des Films in all den Jahren nicht eingefallen ist, wie ich später höre), es ist wahnsinnig simpel und es lautet:
Wenn diese zwei Jungs aus Chicago sagen: Sure, I want that white boy from Berlin to tell my story – wer kann sich leisten, ihnen das zu verbieten?
Niemand.

Es sei denn, man erklärt sie für unzurechnungsfähig, aber da spaziert man auf dünnem Eis an den Rand des Rassismus. Ähnlich wird ja oft argumentiert, wenn Frauen sagen „ich trage sehr gern Kopftuch“ oder „ich bin sehr gerne Hausfrau“ da kommt dann von rechts bzw. links gern der Einwand, die hätten ja nur die Unterdrückung internalisiert, aber so eine Argumentation will im Kopf anderer Leute herumwühlen, und das ist genauso terroristisch wie das Verfolgen von Gedankenverbrechen. Religionen wollen unseren Kopf beherrschen, im Katholizismus habe ich in Gedanken, Worten und Werken gesündigt, aber der moderne säkulare Staat hat die Gedanken aus dem Strafgesetzbuch gestrichen, und das mit gutem Grund. Was der Nachbar denkt, das werde ich nie kontrollieren können, und es ist auch egal, denn es geht darum, was er tut, denn wir sind nicht in Nordkorea, nicht in der Sowjetunion und nicht mehr im Mittelalter. Zwar wurden, gerade in den USA, durch verbotene Worte schon Karrieren an die Wand gefahren und Existenzen zerstört, trotzdem ist die von manchen so wahrgenommene Meinungsdiktatur nur eine scheinbare, zumindest aber nicht so bedrohlich wie in Nordkorea. Jeder kann sagen, was er will, und genau das passiert ja auch fröhlich überall. Wenn Identität zu stärksten Argument gemacht wird (sage ich als weißer heterosexueller Mann, damit ist mein Argument automatisch schwach), dann entstehen halt auf der anderen Seite so häßliche Dinge wie die identitäre Bewegung. Wenn die Leute oft genug gesagt bekommen, sie mögen schweigen und zuhören, dann gehen sie stattdessen weg und reden nur noch mit ihresgleichen, und daß da eins der großen Probleme unserer Zeit liegt, das wissen wir doch alle, und das haben wir dann davon. Aber immerhin redet dann jede und jede nur noch von sich selber, und auf dem Gebiet haben er und sie immerhin Ahnung.

Was will ich stattdessen? Ich will eine Welt, in der schwule nordkoreanische Dokumentarfilmer*#+innen mit lesbischen französischen Kamerafrauen Filme über konservative Banker in Londoner SM-Clubs machen (und vor allem will ich, daß diese Filme am Ende spannend und interessant sind, indem sie mir nicht das erzählen, was ich eh schon weiß). Ich will eine Welt, in der „Frauenversteher“ kein Schimpfwort ist, sondern eine Selbstverständlichkeit, weil Kunst davon handelt, andere Menschen zu verstehen, und zwar über alle Schranken hinweg.

Morgens gehe ich aus dem Haus, die Nachbarin bringt gerade den Müll weg und sagt:
–Eine Klientin von mir sagt, sie findet es toll, daß du die feministischen Aktionen deiner Schwester unterstützt.
–Klientin? frage ich.
–Ja, ich arbeite in einer Einrichtung für Obdachlose, da war die und sagte: Bei dir wohnt der Brüggemann? Sag das dem mal.
Da freue ich mich natürlich sehr. Ich reagiere genaugenommen auf zwei unterschiedliche Arten.
Die erste: Na klar, wie dämlich müßte ich sein, es gibt doch immer noch zu wenige Männer, die wirklich was ändern wollen, die meisten pflegen nur die entsprechende Rhetorik, geben die passenden Phrasen von sich und machen ansonsten weiter wie bisher.
Die zweite: Ja, meine Familie, meine Schwester, mein Bruder, meine Gang, uaaah, Testosteron, ich mach alle platt, die meinen Clan angreifen!

Von diesen zwei Reaktionen ist eine politisch korrekt, die andere nicht. Beide stimmen aber. Und wenn sich jemand beschwert, dann sage ich: Thanks a lot, I really appreciate this comment.

Der Montag, von dem ich hier erzählen will, war ja eigentlich der fünfte Tag war, trotzdem bin ich in der Zählung schon bei sechs, während heute wiederum Donnerstag, also der achte Tag ist. Das soll noch einer kapieren. Am Montag also findet die Berlinale ohne mich statt, denn wir machen einen Ausflug an die Nordsee und besichtigen Fähren, auf denen wir drehen wollen. Der Film sollte eigentlich längst fertig sein, und wir hatten längst eine wunderschöne Fähre, aber irgendwas geht ja immer schief, und jetzt ist unsere Fähre gesunken, zumindest terminlich, wir brauchen eine neue. Heute also keine Berlinale-Berichte, sondern nur ein paar Kleinigkeiten aus den vergangenen Tagen, die mir so einfallen.

Erstens: Niemand trägt mehr sein Badge um den Hals. „Badge“ könnte auch ein niedersächsischer Familienname sein, guten Tach, mein Name ist Werner Badge, aber es wird englisch ausgesprochen und bezeichnet die Plastikkarte, mit der man sich als Festivalteilnehmer ausweist. Vor einigen Jahren haben alle den sich noch um den Hals gehängt. Ich auch. Man denkt, das wäre praktisch, denn man braucht man das Ding ja ständig. In Wahrheit braucht man es allenfalls fünfmal am Tag, aber man hängt es sich um, um als Szene-Insider erkennbar zu sein. In wahrster Wahrheit sieht man damit aber nicht insidermäßig aus, sondern eher wie ein Teilnehmer eines komischen Gruppenausflugs oder ein Sektenmitglied. Diese Erkenntnis erwischte mich schon vor mehreren Jahren, seitdem stecke mir das Ding einfach nur ins Portemonnaie. In Cannes haben immer noch alle den Ausweis um den Hals, glaube ich zumindest, ich war da schon länger nicht mehr, aber in Cannes muß man ihn auch wirklich dauernd vorzeigen. In Cannes steht vor jeder Toilette ein Aufpasser im beigen Anzug und will sehen, ob du auch die richtige Klokategorie auf dem Badge hast, und wenn du aus dem Klo wieder rauswillst, will er es nochmal sehen, deswegen tragen es alle um den Hals, aber in Berlin hat das irgendwie aufgehört. Niemand trägt mehr Badge. Vielleicht heißt das auch einfach, daß der Glamour des Kinos am Verblassen ist. Man will sich nicht mehr stolz als Teil der Gemeinde ausweisen, man trägt es lieber diskret, weil es auch irgendwie ein bißchen peinlich ist. Es ist wie so eine Studentenverbindungs-Schärpe, das war vor 150 Jahren ziemlich cool, aber heute wird man damit wird sehr komisch angeguckt. Vielleicht ist das so. Wer weiß. (EDIT: Ich wurde darauf hingewiesen, daß ich möglicherweise in den falschen Kreisen abhänge, nämlich in der Partyschickeria, in der eh niemand Filme schaut. Wenn das so wäre, wäre es niederschmetternd, war ich doch immer ein stolzer fünf-Filme-pro-Tag-Konsument, aber das bin ich tatsächlich nicht mehr. Ich werde darauf achten.)

Zweitens: Die Hitlergruß-Umarmung. Zu grauer Väter Vorzeit zog man voreinander den Hut, dann irgendwann setzte sich der Handschlag durch, heute wird umarmt. Und das ist auch völlig in Ordnung. Die Sitten ändern sich. Niemals würde ich spöttisch-kulturpessimistische Beschwerden über die allgemeine Umarmerei hier hinschreiben. Das überlasse ich den alten Herren von der FAZ. Vielleicht wird man in 50 Jahren zur Begrüßung einen Purzelbaum schlagen, und auch das wird dann völlig in Ordnung sein. Aber es ist schon ziemlich lustig, wie die Umarmung oft eingeleitet wird: Man reckt den rechten Arm in die Höhe, als wäre mal wieder Reichsparteitag. Dann bewegt man sich aufeinander zu, und dann wird klar, wohin die Reise geht, aber für diesen kurzen Moment steht man voreinander und macht einen veritablen Hitlergruß.

Drittens: Positives Feedback! Ich sitze mitterweile im Zug, zurück von Norddeich Mole. Sechs Stunden hin, sechs zurück, dazwischen vier Fähren. Neben mir sitzt unser unverwüstlich gutgelaunter Aufnahmeleiter und spielt auf Quizduell mit dem Kameramann und der Szenenbildnerin, während ich so danebensitze und vor mich hintippe wie der letzte Depp. Irgendwann fragt er mich: Bist du eigentlich geistig noch da, oder schreibst du da nur noch einen langen Rant? Gute Frage, sage ich. Und dann sagt er: Deine Berlinale-Tagesberichte haben immer so die richtige Länge für einen etwas ausgedehnteren, ääh, Klogang. Die gute Laune, mit der diese Worte ausgesprochen werden, kann ich schriftlich gar nicht so recht wiedergeben, aber:
Finde ich gut!
Gefällt mir!
Like!
Superlike!
Weiß doch jeder, in welchem Zimmer Smartphones am meisten genutzt werden.

Viertens: Der Anti-Piraterie-Trailer! Da ist ein 15 Jahre altes Tastenhandy abgebildet! Wie süß! Und eine ebenfalls steinalte Videokamera. Den haben sie seit mindestens 12 Jahren nicht geändert, diesen Trailer. Und da fällt mir auf: Redet eigentlich noch irgendwer von Raubkopiererei? Oder ist das Thema erledigt, weil es ja doch einen gewissen technischen Aufwand fordert, sich an ein Torrent-Netz dranzuhängen, und die legalen Alternativen einfach bequemer sind? Wurde das Kino durch die Piraterie beschädigt? Ich glaube nicht, genausowenig wie die Musikbranche. Was die Musikbranche wirklich beschädigt hat, oder besser gesagt die Musiker, das ist Geschäftsmodell von Spotify: Das Geld wird so homöopathisch verdünnt, daß es am Ende nicht mehr nachweisbar ist. Vielleicht sollte Spotify es konsequent so machen wie Netflix und gleich den ganzen Content selber produzieren und dafür wenigstens auch kostendeckend bezahlen. Vielleicht sollte Netflix sich umgekehrt eher wie Spotify als Plattform betrachten, auf dem unabhängige Produzenten ihre Sachen anbieten können. Wäre mal Anlaß für eine längere Überlegung. Also nicht jetzt.

Fünftens eine Erinnerung aus dem letzten Jahr: Ich radle nachts nach Hause, es ist eiskalt, auf dem Potsdamer Platz steht wie ein Ufo dieser seltsame weiße l’Oréal-Container. Davor sitzt ein Wachmann, ich halte kurz an, weil er da ein sehr interessantes Fahrrad stehen hat, das nach Eigenbau aussieht. Wir kommen ins Gespräch. Ich frage: Ist das nicht total unerträglich, bei dieser Kälte die ganze Nacht draußen sitzen? Nein, sagt er, ich hab hier meinen Tee. Er wirkt ganz gut gelaunt. Muß er als Wachmann gelegentlich einschreiten? Ja, da kommen schon öfter mal Kinder, die den Container ansprayen wollen. Schlecht erzogen, verwahrlost, die gefallen ihm nicht. Was ist er eigentlich selber für ein Landsmann? Er hat irgendeinen Akzent, aber ich kann ihn nicht identifizieren. Türke, sagt er, mit zwölf nach Deutschland gekommen. Wir unterhalten uns ein Weilchen sehr nett, das meiste habe ich inzwischen vergessen, weil es ja schon ein Jahr her ist, aber diese Begegnung ist tatsächlich das erste und für eine ganze Weile auch das einzige, das mir von der letztjährigen Berlinale einfällt.

Wenn man am Samstag fröhlich feiernd durch Nachtleben hüpft, dann hüpft man am Sonntag nicht so fröhlich früh aus dem Bett, und dann findet der Film, über den ich hier hätte schreiben können, ohne mich statt. Das ist nicht weiter schlimm, denn eigentlich will ich hier auf gar keinen Fall über Filme schreiben, das ziemt sich nicht, außerdem tun das schon zahlreiche andere Leute klug und ausführlich, beispielsweise Rüdiger Suchsland, dessen Texte ich immer interessant finde. Einige Leute mögen ihn nicht, ich schon. Ich bin sowieso oft irritiert, wenn Leute über Leute reden. Da steht zum Beispiel Person A auf einem Berlinale-Empfang und sagt zu Person B: Person C ist ein eingebildetes, eitles Ekel. Fünf Minuten später und einige Meter weiter sagt Person C zu Person D: Person A ist ein arroganter Arsch. Ich bin nacheinander Zeuge beider Gespräche und denke mir jeweils nur: Wieso, A bis D sind doch alle eigentlich sehr nett. Und darin komme ich mir immer wahnsinnig naiv vor. Ich fühle mich dann wie ein Grundschüler, der sich auf dem Pausenhof in die Raucherecke verirrt hat, wo die coolen Typen aus der Oberstufe sich gegenseitig erzählen, welcher Lehrer Alkoholiker ist oder mit welcher Lehrerin fremdgeht oder regelmäßig im Puff der nächstgelegenen Kleinstadt gesichtet wird. Der kleine Grundschüler kann da nicht mitreden, er hat sowieso nur eine höchst vage Vorstellung darüber, was ein Puff ist, er steht da mit großen Augen und denkt: Boah, die kennen sich aber aus. Ungefähr so fühle ich mich, wenn Leute ihre Geringschätzung über andere Leute äußern, die ich eigentlich, nun ja, ganz nett finde.

Fairerweise muß ich aber hinzufügen, daß solche Übungen in übler Nachrede die Ausnahme sind. Die allermeisten Gespräche auf der Berlinale drehen sich eher darum, wer jetzt was mit Netflix macht.

Moment, höre ich da Stimmen aus dem Off, du ziehst doch selber dauernd hier über Leute her!
Tue ich das? Keineswegs! Ich mache mich hier über alles mögliche lustig, nee, das stimmt auch nicht, sehr viele Dinge sind doch einfach von selber lustig, und ich schreibe auf, was ich so erlebe und gegebenenfalls lustig finde. Es gibt doch nichts schöneres, als Leute zu loben und zu feiern, ob das nun die intellektuelle Speerspitze der Berliner Schule ist oder die von mir ohnehin ins Herz geschlossene Impro-Gemeinde oder Sonja Heiss oder oder den Produzenten, der mich mit Verve ausschimpft. Ja, sogar den! All diese Leute wurden hier schon ausführlich gepriesen und gefeiert, der schimpfende Produzent vielleicht etwas weniger, aber auch den mag ich am Ende sehr, das wiederhole ich nochmal ausdrücklich. Wenn Leser*innen sich aber schon beleidigt fühlen, weil ich Parallelen zwischen den Mechanismen der Filmauswahl und den Mechanismen der Tierzuchtwahl ziehe, dann tut mir das leid, äh, nee, dann tut mir das überhaupt nicht. Es ist ein großer Trend unserer Zeit, daß Leute von Dingen, die auf überraschende und irgendwie verbotene Art plausibel sind, also vom klassischen Material jeglicher Satire, verunsichert und vorsichtshalber beleidigt sind. In diese Richtung hiermit ein fröhliches Schimpfwort, ich schreibe keines hin, denkt euch selber eins und seid dann beleidigt.

Heute treffe ich die Ladies vom SWR, und wir reden über einen möglichen nächsten „Tatort“. Da kommt wieder das Cinemascope-Verbot in der ARD zur Sprache, und da ist es mit dem naiven Erstklässler in der Raucherecke endgültig vorbei, da schöpfe ich aus dem Vollen und belege die Verantwortlichen mit alttestamentarischen Flüchen. Die Ladies vom SWR sind nicht grundlegend anderer Ansicht, sie würden liebend gern wundervolle Filme in allen möglichen Bildformaten drehen, aber das ist per Anordnung aus dem zentralen ARD-Todesstern verboten. Zum Glück kommt mir aber eine Idee, wie man das Verbot umgehen könnte: Wir drehen einen sensiblen TV-Zweiteiler über eine arabische Frau zwischen religiös verbrämter Familientradition und Moderne, wir halten uns ganz nah an der Hauptfigur, und zwar so nah, daß wir den gesamten Film aus ihrer Perspektive drehen. Weil sie aber einen Gesichtsschleier trägt, sind oben und unten schwarze Streifen im Bild, und damit haben wir unser gewünschtes Bildformat durchgesetzt, da kann auch die ARD-Zentrale nichts mehr einwenden.

Danach gehe ich ins Kino und sehe Fatih Akins „Der goldene Handschuh“.
Soll ich überhaupt darüber schreiben?
Habe ich nicht eben erst verkündet, das nicht mehr tun zu wollen?
Na gut, dann hier was völlig anderes: Nachdenken über Schönheit.

Man liest in letzter Zeit, wenn man so durchs Internet flaniert, hin und wieder die Behauptung, alle Menschen seien schön. Das ist als Kampfansage gegen herrschende Schönheitsideale gedacht und löst in mir zwei konträre Reaktionen aus, zwei Seelen sitzen da in meiner Brust, und die eine sagt: Na klar, dieser Beauty-Terror überall ist doch furchtbar, wir alle sollten im eigenen Herzen die Schönheit finden und zum Strahlen bringen, denn selbstverständlich sind wir alle schön! Die Schönheit, auf die es eigentlich ankommt, die tragen wir nämlich alle in uns. Die andere Seele sieht das anders und sagt: Das ist ungefähr so sinnvoll, wie wenn ich sage: Alle Autos sind groß. Wenn alle Menschen schön und alle Autos groß sind, brauchen wir ja die Wörter „schön“ und „groß“ nicht mehr, die schaffen wir ab, dann werden unschöne Menschen und kleine Autos nicht mehr diskriminiert, aber dann wird der Volksmund oder der Schulhofmund bald neue Wörter mit vergleichbarer Bedeutung erfinden. So spricht die zweite Seele, dann streiten sie sich, und dann sind sie beide traurig.
Welche Seele liegt richtig? Ich gebe zunächst beiden recht und werde am Ende dieses Textes eine Münze werfen.

Wenn man jedenfalls einen handfesten Gegenbeweis zu dieser universellen Schönheitsbehauptung sucht, dann ist man bei „Der goldene Handschuh“ genau richtig, denn hier ist niemand auch nur ansatzweise schön. Die Hauptfigur spielt der schöne Schauspieler Jonas Dassler, der sich per Maskenbildnerei in ein verunstaltetes Monster verwandelt hat. Das Monster basiert auf einer realen Figur, nämlich dem Serienmörder Fritz Honka, der in den 70er Jahren in Hamburg lebte. Wenn nach überstandenem Film Fotos des realen Honka sieht, dann denkt man: Och, halb so wild, sieht doch vergleichsweise vorzeigbar aus. Ähnlich ging es mir übrigens bei dem „Gladbeck“-Zweiteiler, der im letzten Frühjahr im ZDF lief (in Cinemascope, wäre also in der ARD verboten gewesen) – der Film war toll, und das schwitzende, aufgedunsene Monster, das Sascha Gersak als Geiselnehmer hier spielte, war beeindruckend, aber der reale Geiselnehmer von damals sieht auf Fotos nicht halb so fertig aus. Ich weiß nicht genau, warum Filmemacher (ohne Gendersonderzeichen, ich kenne das nur von Männern, aber vermutlich machen das auch Frauen) da so gern auf die Kacke hauen. Da fliegt dann halt die Kacke durch die Gegend, allerdings nur metaphorisch, andererseits ist Kacke so ziemlich das einzige, das hier nicht durch die Gegend fliegt. Fritz Honka vergewaltigt, quält, mißhandelt und erschlägt im Vollsuff eine Frau nach der anderen, die Frauen sind erst aufgedunsene Alkoholleichen und dann nur noch Leichen, Honka zerstückelt und zersägt sie, Honka grunzt und röchelt, ich will hier weg. Freude macht das offensichtlich keine, allenfalls im Kontrasteffekt, denn so schlimm ist mein Leben ja immerhin nicht, aber das reicht nicht aus, um mich bei der Stange zu halten, ich will hier weg. Ohnehin sieht man Filme ganz anders, wenn man sich zur Angewohnheit gemacht hat, sie konsequent nur noch dann abzusitzen, wenn sie wirklich interessant sind, und sonst einfach zu gehen. Das ist natürlich Spielverderberei, denn das Spiel namens „Kino“ enthält ja die Verabredung, daß man drinbleibt, auch wenn es schlimm ist, aber es ist nach 15 oder 20 Jahrgängen Berlinale andererseits einfach Notwehr und Selbstschutz. Ich will mir diese endlose Vergewaltigerei mit Kochlöffeln, diese Gewaltexzesse, diese besoffene Totschlägerei nicht ansehen, bleibe aber doch, weil sonst zehn Leute wegen mir aufstehen müßten. Die Trennlinie zwischen Darstellung und Verherrlichung, der moralische Unterschied zwischen einem Mord auf der Bühne und einem Mord im echten Leben, all das wird brüchig bei Verbrechen, die die Seele zerstören. Ein sehr gut mit mit befreundeter Schauspieler mußte mal für einen Film eine Vergewaltigung spielen und erzählte hinterher, wie er sich vor sich selbst ekelte und es eigentlich lieber nicht gemacht hätte, und ich weiß genau, warum. Man sieht immer wieder solche Szenen, man ist dann erstmal beeindruckt und sagt: Ja, die Szene war stark, aber dann denkt man genauer nach und stellt fest: Nein, sie war nicht stark, sie war einfach nur ein Schlag ins Gesicht, und ich könnte meine Mitmenschen auch jederzeit ins Gesicht schlagen, lasse es aber bleiben. Frauen im Film zu mißhandeln ist wahnsinnig einfach, es ist immer schockierend, es kostet keinerlei künstlerische Anstrengung, man betritt hier kein Neuland, sondern geht immer nur zurück in die Steinzeit. Es ist genauso einfach wie ein Kind anzuschreien oder sich beim Medienboard-Empfang vollaufen zu lassen. Ich will es nicht mehr sehen. Ich weiß, daß die Welt voll davon ist, aber das ist kein hinreichender Grund, es zwei Stunden lang im Kino zu anzusehen, denn es vergewaltigt auch meine Seele, und das ist mit voller Absicht so dramatisch formuliert. Einen Lichtblick hat der Film, das ist ein Auftritt von Marc Hosemann, der große Freude macht, aber der ist schnell wieder weg. Und dann gibt es einen Moment, in dem vielleicht der heimliche Kern des ganzen Vorhabens liegt. Da sitzt nämlich die griechische Familie in der Wohnung unter Honka beim Essen, anständig und gut gekleidet, und aus der Decke fallen auf einmal Maden, die sich da jahrelang durch die eingelagerten Leichenteile gefressen haben. Die Ausländer sind sauber und sympathisch, während ein Stockwerk darüber ein deutsches Monster Leichen zerlegt – vielleicht ist das der Payoff für ein ganzes Leben, in dem man sich von sauberen Deutschen als dreckiger Gastarbeiter beschimpfen lassen mußte. Diesen Moment mag ich sehr, genau wie einige andere Momente des Films, der ja nicht von ungefähr toll gemacht und souverän inszeniert ist. Während ich dies schreibe, falle mir immer mehr davon ein, der Film ist ein fuchtbares, großes Portrait eines völlig verkrüppelten Landes, 30 Jahre nach dem großen Krieg, dieser Eindruck ist stark und bleibt haften, aber dann wird doch wieder eine dicke Frau zwanzigmal mit dem Kopf auf den Tisch geschmettert und alles zu Brei gehauen.

Ja, jetzt habe ich doch etwas über den Film geschrieben. Es sind nur höchst subjektive Eindrücke, ich bin kein Kritiker, ich erlaube es mir, warum eigentlich nicht. Würde Fatih Akin einen Blog schreiben, in dem er darlegt, was er bei einem Film von mir empfindet, ich fände es nicht weiter schlimm. Eigentlich fände ich es sogar gut, wenn mehr Leute das tun würden.

Harter Schnitt: Party! Die besten Berlinale-Partys sind die, in die jeder reinkommt. Also beispielsweise die Revolver-Party, die „Familienfeier“ aus dem Sehr-Gute-Filme-Kreis oder die Lass-Brüder-Party im SO36. Letztere ist am Sonntag, und es ist jedesmal ein wunderschönes großes Fest der Harmonie und Freude. Kein Business, kein Blödsinn, wir freuen uns übereinander und tanzen. Und hier ist der oben angekündigte Münzwurf gar nicht mehr nötig. Der Schöngeist hat gewonnen, hier sind alle wunderschön –  ganz egal wie sie aussehen.

Heute gehe ich endlich mal ins Kino, wobei „Kino“ nicht ganz zutrifft, denn ich gehe in den Friedrichstadtpalast. Als dieses Gebäude errichtet wurde, waren die Menschen vermutlich noch kleiner, hatten aber auf jeden Fall kürzere Beine. Die Sitze stehen fürchterlich eng und haben aus irgendeinem Grund Lüftungsschlitze oben in der Lehne. Man weiß zweieinhalb Stunden lang nicht, wo man seine Knie hintun soll. Ein guter Film könnte bewirken, daß man zweieinhalb Stunden lang die eigenen Knie vergißt, aber dieser bewirkt das leider nicht. Er handelt von ein paar Männern in Lyon, die einen katholischen Priester zur Strecke bringen, der sie als Kinder sexuell mißbraucht hat. Ich muß scharf nachdenken, wem meine Sympathie gehört – es dauert so zwischen einer und zwei Sekunden, dann weiß ich es. Dieses Phänomen, nennen wir es den Ritt auf der sowieso schon durchs Dorf getriebenen Sau, greift leider um sich. Sexueller Mißbrauch in der katholischen Kirche ist als Thema ungefähr so komplex wie ein Bild von einem Katzenbaby: Der Reiz ist sehr klar und die Reaktionen nicht besonders variantenreich.

Für mein Gefühl gibt es zur Zeit etwas zu viele Filme, die schon mit ihrer Themenwahl eindeutige Knöpfe drücken und genau wissen, wohin die Sympathie gehört. Geht in Ordnung, kann man machen, selbstverständlich sympathisiere ich mit jedem transsexuellen Coming-of-Age-Kampf überall auf der Welt, mit jeder lesbischen Beziehung in feindseliger viktorianischer Umwelt und jeder illegalen Abtreibung im Spätmittelalter, wirklich, ich sage das nicht nur so, mir ist alles willkommen, was die Weltherrschaft der gräßlichen alten Männer unterminiert, aber wenn darüber Filme gemacht werden, dann reißen die mich oft nicht so richtig vom Hocker, beziehungsweise reißt es mich gar nicht erst auf den sprichwörtlichen Hocker, auf dem ich den Film dann überhaupt erst angucken würde, denn da muß man ja erstmal hin. Weil die moralischen Gewichte aber immer so dringlich und so eindeutig verteilt sind, ist es kaum möglich, diese Art von Festivalfilmen als Film zu kritisieren, ohne daß es gleich so aussieht, als würde man auch ihre Moral kritisieren, und dann steht man da wie ein Unhold aus der Steinzeit. Vor zwei Jahren gab es übrigens einen amerikanischen Film namens „Get Out“, der triumphal vorgemacht hat, daß es auch anders geht, aber der lief nicht bei der Berlinale, sondern in Sundance, was leider oft vorkommt.

„Grâce à Dieu“, der Priestermißbrauchsfilm, ist auch gar nicht so schlimm, er ist einfach etwas langweilig und eine halbe Stunde zu lang, und spätestens mit eingezwängten Knien im Friedrichstadtpalastgestühl fühlt er sich selber wie eine zähe katholische Messe an, aber weil er weder im Me-Too-Fahrwasser schwimmt noch im großen Gender-Queer-Politik-Zirkus herumspringt, sondern auf einer seit zehn Jahren durchs Dorf getriebenen Sau herumreitet, die inzwischen schon eine ziemlich müde Sau ist, kann ich ihn hier fröhlich kritisieren, ohne dafür hinterher zur Beichte zu müssen. Genau deswegen lasse ich das jetzt aber bleiben und gehe woandershin, nämlich nach dem Film zunächst aufs Klo (das ist banal, aber nach einem 137-Minuten-Film im Friedrichstadtpalast doch erwähnenswert) und danach zum Medienboard-Empfang. Da sind alle, da kann man sich schön ans Geländer stellen, auf den Eingang heruntergucken und in trauter Runde ein wenig politisieren.

Von meiner Kindheit bis in das Jahr, in dem ich beim Film anfing, hieß der deutsche Kanzler Helmut Kohl, und von meinem allerersten ahnungslosen Berlinale-Besuch einige Jahre nach Kohls Abtreten bis zum heutigen Tag hieß der Festivalleiter Dieter Kosslick. Jetzt hört er auf, und ein neuer kommt. Stinknormaler Vorgang, sollte man meinen, aber wäre natürlich toll, wenn das Verfahren solide und der Nachfolger (männliches Wort, neutrale Bedeutung) eine integre und kompetente Person (weibliches Wort, neutrale Bedeutung) wäre. Wenn 80 Leute in einem offenen Brief genau das fordern, dann kann man eigentlich wenig dagegen einwenden. Dachte ich zumindest. Offenbar hatte es aber eine Wirkung wie ein Stich ins Wespennest, ein Kanonenschlag im Hühnerhof oder eine Stinkbombe beim Galadiner. Ich höre das immer nur aus zweiter Hand, aber anscheinend sind immer noch einige hundert Menschen innerhalb und außerhalb der Berlinale beleidigt, pikiert, empört, gekränkt, indigniert, verschnupft und auf den Schlips getreten. Vielleicht wollten die alle den Job insgeheim selber haben. Einige der Unterzeichneten begannen nach Veröffentlichung des Schreibens auch zu schwanken und zurückzurudern, und da fehlt mir dann das Verständnis. Unterschreibt halt keine offenen Briefe, wenn ihr so dolle Angst vor Gegenwind habt. Da lobe ich mir meine Freunde von der Berliner Schule und meine anderen Freunde vom Neuköllner Mumblecore: Nichts miteinander gemeinsam, leben auf völlig unterschiedlichen Planeten, aber jeweils total geradlinig und keine Angst vor gar nix. Berlinale-Leiter würde ich übrigens wirklich nicht werden wollen, nur über meine Leiche, als Leiche wäre der Job vielleicht reizvoll, aber erstmal wünsche ich Carlo Chatrian aus vollem Herzen alles Gute. Möge er ein tolles Festival machen, und mögen sie ihn um Gottes Willen machen lassen. Wehe, ihr legt dem Steine in den Weg, sonst komme ich und sperre euch mit den dreihundert langweiligsten Wettbewerbsfilmen aus 70 Jahren Berlinale einen Monat lang in den Friedrichstadtpalast.

– Das war scheiße von dir, sowas macht man nicht, das verzeihe ich dir nicht!
– Macht nichts, ich habe dich ja auch gar nicht um Verzeihung gebeten.
Kann ein Streitgespräch, das so anfängt, versöhnlich enden? Oder wird es in eine Schlägerei ausarten?

Falls es eine Schlägerei wird, sollte man vorher ausholen.

Also: Als wir im Herbst 2016 den „Stau“-Tatort drehten, da stand unser Set in einer riesengroßen Messehalle. In der benachbarten Halle war normaler Messehallenbetrieb, und irgendwann dachte ich mir nach Drehschluß: Mal gucken, was da so los ist. In der Halle war eine Kleintierzüchter-Leistungsschau, da standen lange Reihen von Käfigen mit Kaninchen, aber das waren nicht diese niedlichen kleinen Kaninchen, die durch Berliner Parks hoppeln, sondern riesige Viecher, jedes so groß wie ein zweijähriges Kind, und die meisten von ihnen sahen seltsam aus. Man kennt das von der Hundezucht: Wenn ein Schäfer einen Schäferhund braucht, denn geht er zum Züchter und holt sich einen Hund, der schlau ist und schnell rennen kann. Wenn hingegen Hundezüchter um des Hundezüchtens willen Hunde züchten, dann gibt es da einen Verband, der festschreibt, wie ein Schäferhund auszusehen hat: Die Rückenlinie soll im Winkel von 17° abfallend sein, die Zunge in diesem und jenem Winkel aus dem Maul hängen und so weiter. Bei den entsprechenden Tierzüchtertreffen gibt es dann Jurys, die den Hund prämieren, der am diesem Standard am ehesten entspricht. Das sind dann oft Schäferhunde, die kaum laufen können, oder Katzen, die aussehen wie Möpse, oder Goldfische, die sich in ihrer riesengroßen Schwanzflosse verheddern, aber man hat sich nun mal darauf geeinigt, daß der ideale Goldfisch so auszusehen hat, also wird er so gezüchtet. Insider kennen sich aus und können stundenlang die ideale Schäferhundrückenlinie diskutieren, der Laie steht ratlos daneben, und der Schäfer, der seinen Hund (oder seinen Goldfisch) zum Arbeiten braucht, holt ihn sich woanders.

Filmfestivals funktionieren so ähnlich. Über die Jahre hat sich ein gewisser Standard ergeben, wie ein künstlerisch wertvoller Film auszusehen hat. Anders als beim Schäferhund ist dieser Standard nirgends festgeschrieben, er kann sich auch mal ändern, aber trotzdem gibt es ihn. Gut ist erstmal alles, was sich vom kommerziellen Kino abhebt. Letzteres ist meist bunt, schnell, lustig und setzt auf Spektakel und Überwältigung, also nehmen wir das Gegenteil davon und zeigen entsättigte, langsame, ernste und ereignisarme Filme. Der riesengroße Vorteil ist hier, daß man diese Eigenschaften sehr einfach feststellen kann, anders als subtilere Qualitäten wie gut und schlecht, die sich der Messung eher entziehen. Die Auswahl wird dadurch einfacher und leichter zu evaluieren, das Festival wird also effizienter. Der riesengroße Nachteil ist, daß diese Eigenschaften sehr leicht herzustellen sind. Die Jury prämiert die Katze mit der kürzesten Mopsnase bzw. den Film, in dem am wenigsten passiert, also ist es nur logisch und vernünftig, einen Film zu machen, in dem noch weniger passiert, und eine Katze zu züchten, die eine noch kürzere Nase hat. Wenn Gruppen nur noch mit sich selbst kommunizieren, begünstigt das die Entstehung solcher gedanklicher Blasen, die für den Außenstehenden nicht mehr nachvollziehbar sind. Das ist keine sensationelle Erkenntnis, sondern weithin bekannt, aber wenn man die Insassen dieser Blasen darauf hinweist, werden sie sehr sauer. Es ist ja auch kompliziert, denn die Züchter und Filmemacher handeln im besten Gewissen, sie machen ihre Arbeit sorgfältig und gut, dennoch stehen sie in einer Gruppenverabredung, die für die Außenwelt oft rätselhaft bleibt, und am Ende kriegt der Mops kaum Luft, weil man ihm die Nase weggezüchtet hat.

Als ich vor zehn Jahren meine ersten langen Filme plante und machte, da mußte ich kopfschüttelnd mit ansehen, wie die Filmwelt sich über Filme begeisterte, die eine große formale Gemeinsamkeit hatten und die ich meistens sterbenslangweilig fand. Einige waren toll, die meisten nicht. Es wäre mir problemlos möglich gewesen, auch so einen Film herzustellen, die formalen Knöpfe wären sehr leicht zu drücken gewesen, aber ich wollte ja nicht primär Preise gewinnen (sekundär durchaus gern), sondern etwas machen, das für sich selbst steht und funktioniert und sowohl in meinem Kopf als auch in den Köpfen anderer Leute etwas bewegt. Die Tempel der Filmkunst stürmt man damit nicht, das war mir erstmal egal, dann sah ich, wie Jahr für Jahr der Berlinale-Wettbewerb die Ödnis aufs Podest hob, während die eigenwilligen und interessanten Sachen in Nebenreihen oder gar nicht liefen, irgendwann war ich dann sauer, und als ich mal aus einem wirklich unerträglichen Film kam, reichte es mir und ich schrieb einen wütenden Blogtext namens „Fahr zur Hölle, Berliner Schule“, der dann viel durchs Netz ging.

Und damit sind wir wieder in der Gegenwart. Ich stehe in einem Kreuzberger Lokal, ein Weltvertrieb hat zum Umtrunk geladen, übrigens ist „Umtrunk“ ein lustiges Wort, weil man tatsächlich oft das Gefühl hat, daß die Leute sich selbst buchstäblich umtrinken wollen, jedenfalls stehe ich da, es gibt Tapas mit irrsinnig viel Knoblauch, und vor mir steht ein Filmproduzent und beschimpft mich. Ich kann es ihm nicht verdenken, denn er hat den Film produziert, der damals Auslöser für meinen folgenreichen Text war. Trotzdem kann ich mich natürlich nicht einfach widerspruchslos beschimpfen lassen.
– Das war furchtbar! Wir saßen im Auto auf dem Weg zur Premiere, überall hagelt es Verrisse, so etwas macht man nicht!
– Aber mein Text kam doch erst zwei Tage nach der Premiere, an dieser Situation bin ich also wirklich unschuldig.
– Egal, so etwas macht man einfach nicht! Das ist das hinterletzte!
– Mein Text hatte seine Wirkung doch nur dadurch, daß er so oft geteilt wurde. Der stand nicht in irgendeiner Zeitung mit Millionenauflage, sondern auf meiner kleinen Webseite. Den hätte keiner mitgekriegt, wenn er nicht anscheinend sehr vielen Leuten aus der Seele gesprochen hätte. Beschimpf also die Leute, nicht mich.
– Egal, du hast es ja trotzdem gemacht, du hast geschrieben: „Berliner Schule, verrecke“!
– Nein, niemals hätte ich „verrecke“ geschrieben, das wäre übelste Nazisprache, ich habe vielmehr geschrieben: Fahr zur Hölle, und das war eine ganz bewußte Referenz ans Genrekino. Fahr zur Hölle, Gringo oder Django oder sonstwer. Die Berliner Schule macht doch selber gern seziermessermäßig herauspräparierte Genre-Referenzen, außerdem verweist es darauf, daß die ganze Sache letztendlich doch spielerisch zu behandeln ist. Komm, wir trinken einen Schnaps.
– Nee, das kannste vergessen, erzähl doch keinen Blödsinn, unter Kollegen macht man so etwas nicht, sich dermaßen persönlich anzugehen.
– Erstens war das war nicht persönlich, denn ich habe ja nicht geschrieben: Dieser Regisseur ist ein talentloser Depp, sondern es ging um den Film, und darin war es natürlich persönlich, weil Kunst immer persönlich ist, aber da stecken wir alle mit drin. Außerdem: Steht das eigentlich wirklich irgendwo geschrieben, daß eine Krähe der anderen kein Auge aushacken darf? Waren die fruchtbarsten und aufregendsten Zeiten in der Kunst nicht von spektakulären Streitereien begleitet? Saalschlachten bei Aufkommen der Zwölftonmusik und so?
Ich kann seine Antwort hierauf aus dem Gedächtnis nicht mehr exakt wiedergeben, aber sie bewegt sich ungefähr im Kreis des bereits gesagten. Ich versuche zu moderieren und eine gemeinsame Basis herzustellen, indem ich sagte: Wir sind beide in einer subjektiv wahrgenommenen Defensive – ich als damals noch ziemlich kleiner Nachwuchsfilmemacher gegen die Übermacht des Film-Szene-Groupthink, also quasi gegen eine Fachwelt, die Katzen mit Mopsnasen entstehen läßt, und ihr als Protagonisten der Berliner Schule wurdet ja tatsächlich auch genug angefeindet, also stehen wir hier beide in der Defensive und fühlen uns ungerecht attackiert. Laß uns das doch mal auflösen.

An die nun folgende Antwort kann ich mich gut erinnern, denn sie ergab keinerlei Sinn:
– Ach, ich glaube dir kein Wort.
Und das ist dann auch der Moment, in dem mir klar wird, daß ein Gespräch, wenn man es als soziale Prozedur des Austauschs von Gedanken und Eingehen auf die Argumente des Gesprächspartners definiert, hier nicht mehr stattfindet. Also gehen wir nach draußen und klären die Sache handgreiflich. Er hat das höhere Kampfgewicht, aber ich kann schneller wegrennen. Nein, so war es natürlich nicht, ich wandte mich einem neuen Gespräch zu, und zwar mit der Filmemacherin Sonja Heiss, die von manchen Leuten der Berliner Schule zugerechnet wird und deren wunderschöner Film „Hedi Schneider steckt fest“ natürlich in den Berlinale-Wettbewerb gehört hätte, das sagt nicht sie, das sage ich, aber dafür war er halt zu lustig. Sonja würde niemals wütende Blogtexte gegen irgendwas schreiben, dafür ist sie viel zu freundlich und zurückhaltend und im allerbesten Sinne vornehm, ich habe es halt getan und muß jetzt damit leben, daß ich Menschen vor den Kopf gestoßen habe, die ich eigentlich schätze, und wenn mir etwas leid tut, dann ist es natürlich das. Trotzdem sollten Katzen mit Mopsnasen und gehbehinderte Schäferhunde als solche benannt werden, und ich würde es wieder tun, wenn es wieder so wäre. Daß ich danach selber einen extrem entsättigten, ernsten und entschleunigten Film gemacht habe, der dann natürlich im Wettbewerb lief, ist Teil derselben Argumentation, denn gut und schlecht hat mit solchen formalen Eigenschaften natürlich nichts zu tun, und da endet auch die ganze Mopsmetaphorik oder hinkt zumindest wie ein überzüchteter Schäferhund.

Die ganzen Berliner-Schule-Filmemacher sind ja außerdem durchweg kluge und integre Leute mit enormem Wissen und klarer Haltung. Ich mag sie alle sehr, und zum Glück mögen die meisten mich (inzwischen) (hoffentlich) auch. Da steht zum Beispiel Ulrich Köhler, dessen Endzeit-Extravaganz „In My Room“ ich toll fand, und das sage ich ihm auch in aller Ausführlichkeit, denn wenn ich etwas wirklich gut finde, dann muß ich auch zu den Leuten hinrennen und sie loben und preisen. Den Produzenten, der mich da beschimpft, den mag ich übrigens auch gern, obwohl er keinen Schnaps mit mir trinken will.

Nun denn! Genug names gedroppt und auf Empfängen herumgestanden! Bei der Berlinale geht es doch um Filme, nicht um Gespräche auf Empfängen! Erstere können bei letztere tatsächlich sehr stören. Es ist immer wahnsinnig irritierend, wenn hinter dem Gesprächspartner auf einem Monitor in Dauerschleife eine Serie von Filmtrailern läuft. Da muß man dann unwillkürlich immer hinschielen, weil das menschliche Gehirn halt so gebaut ist, daß bunte Bewegung die Aufmerksamkeit anzieht. Die ARD bewirbt auf ihrem Empfang einen Film namens „Die Kinder des Kalauers“. Den würde ich mir sofort anschauen, aber als ich genauer hingucke, heißt er „Die Kinder des Kalifats“. Na gut, das ist natürlich relevanter, das muß sein, denn wir sind ja nicht zu Spaß hier. Morgen gehe ich dann endlich mal ins Kino und gucke mir irgendwas an.

Die Berlinale beginnt für mich in der Vertretung des Landes Rheinland-Pfalz beim Bund. Alle Bundesländer betreiben in der Hauptstadt prächtige Repräsentationsbauten, die genausogut die Botschaft eines mittelgroßen Staates sein könnten. Da findet man schwindelerregende Lichthöfe, majestätische Freitreppen und urige Kellergewölbe, in denen zu später Stunde der jeweils regional bedeutsame Alkohol ausgeschenkt wird. Hier lädt der Drehbuchautorenverband zur Drehbuchpreisverleihung, da spielen wir ein paar Lieder und treiben Schabernack mit der Papp-Lola, die dekorativ auf der Bühne steht. Danach ist das, was danach immer ist, nämlich Geschrei. Der mittlere Lärmpegel eines beliebigen Berlinale-Empfangs ist ungefähr so wie auf einem Rockkonzert, das permanent von startenden Düsenjägern gestört wird. Perfiderweise ist ein Jahr genau genug Zeit, um das zu vergessen, weil das Gehirn sich ja in der Erinnerung eine rosa Brille aufsetzt, weil ja sonst das Leben zu traurig wäre, also denkt man sich nur: Och ja, zwei bis drei nette Leute, ein bis zwei anregende Gespräch, also geht man hin, rennt in eine Wand aus Radau und denkt: Scheiße, stimmt, das hatte ich vergessen, war letztes Jahr genauso.

Das liegt aber auch daran, daß den Architekten, Bauherren und Wirten seit einiger Zeit die Akustik egal ist, weil sie lieber visuelle Beeindruckungsräume mit langen Sichtachsen wollen, und wenn man sich dann da anschreien muß, steigert das im Zweifelsfall den Getränkeumsatz. Ich glaube, so funktioniert das „Grill Royal“ und das „Borchardt“, deswegen gehe ich da auch nur hin, wenn ich mich anschreien lassen will. Ganz schlimm ist es, wenn Amerikaner im Raum sind, denn die sind schon in leisen Räumen oft sehr laut, das ist jetzt kein dummes Vorurteil, sondern vielfach erlebte Erfahrung, aber zum Glück sind auf Berlinale-Empfängen die Deutschen meist unter sich, sonst wäre es unerträglich. Andererseits wäre es mit Amerikanern lustiger, denn die Deutschen sind im Schnitt nicht besonders lustig, auch das ist ein bewährtes Klischee, das leider stets aufs neue durch Fakten untermauert wird. Das heißt natürlich nicht, daß es überhaupt keine lustigen Deutschen gäbe, aber das passiert einem ja sowieso ständig, daß man eine statistische Wahrscheinlichkeit feststellt und dann empörten Protest erntet, weil die Leute denken, man hätte die Existenz von irgendetwas rundheraus bestritten. Da ergibt sich dann immer ungefähr folgender Dialog:
– Tomaten sind meistens rot.
– Das stimmt doch gar nicht! Was redest du denn da! Es gibt auch grüne Tomaten!
– Völlig richtig, genau wie leise Amerikaner und lustige Deutsche. Das sind sogar jeweils die interessantesten. Ein lustiger Deutscher, eine leise Amerikanerin und eine grüne Tomate könnten zusammen eine wirklich tolle Zeit haben.

Ich schweife ab. Wir spielen drei Songs auf der Drehbuchpreisverleihung, einer davon heißt „Mama, schick mir die Platten von Reinhard Mey“ und handelt von einem untergegangenen Land, das nur noch in der Erinnerungen lebt (sowie seltsamerweise in der Tapeten-Ästhetik vieler deutscher Filme), nämlich der guten alten Tante BRD mit ihrer Hauptstadt Bonn und ihren Kanzlern, die immer Helmut hießen. Ich fände es schön, wenn dieses Land auch eine Vertretung beim Bund hätte. Das wäre dann so ein sachlicher 70er-Jahre-Waschbetonklotz, direkt am Tiergarten, innen drin grün gekachelte Badezimmer und hinten ein Freibad mit Dreimeterbrett und Rutsche, am Empfang sitzen Rita Süßmuth und Klaus Kinkel, und wenn man reingeht und sich als Besucher anmelden will, dann blättern sie umständlich in der Liste und schütteln dann bedauernd den Kopf, denn hier war schon seit 30 Jahren niemand mehr.

Ich schweife schon wieder ab, ich wollte ja eigentlich von der Berlinale erzählen und nicht mit nostalgischem Hundeblick in die eigene Kindheit gucken, das macht meine Generation sowieso schon genug. Da blicke ich lieber hoffnungsvoll in die Zukunft und wünsche mir, daß Julian Radlmaier sein heute hier prämiertes Drehbuch bald verfilmt kriegt, denn sein erster Film war wirklich lustig, und das fiel mir auf, denn siehe oben.

Was mir währenddessen entgeht, ist der Empfang der Deutschen Filmakademie, die mich netterweise immer einlädt, obwohl ich ihr so ablehnend gegenüberstehe wie sie meinen Filmen. Später wird mir berichtet, dort habe es Brötchen gegeben, auf denen enorme Mengen an Zwiebeln lagen, so daß jedes Gespräch in einer ungeheuren Zwiebelfahne stattfand. Das war vemutlich die verzweifelte Notwehraktion eines Caterers, der sein gesamtes Berufsleben auf dröhnend lauten Empfängen in halligen Hallen mit nackten Wänden verbringen mußte, jetzt von Tinnitus und Hörsturz geplagt ist und in seinem Gehirn nur noch einen Gedanken hat: Haltet doch bitte alle mal die Fresse, ich tue euch jetzt solche Massen an Zwiebeln aufs Brot, daß ihr den ganzen Abend den Mund nicht mehr aufmachen könnt, ohne euch in Grund und Boden zu schämen. Die Idee, daß die gesamte Deutsche Filmakademie schweigend auf ihrem eigenen Empfang herumsteht und niemand den Mund aufmacht, weil alle eine enorme Zwiebelfahne haben, finde ich wahnsinnig lustig, aber so wird es vermutlich nicht gewesen sein, denn diese verzweifelten Notwehraktion hauen ja nie hin, sondern immer nur daneben.

Später am Abend gehe ich zur „Blue Hour“, dem Empfang der ARD, da steht eine riesengroße Wand aus Herden des Herstellers Miele. Die Mehrzahl von „Herd“ sieht irgendwie merkwürdig aus, denn Herde treten kaum je im Plural auf, allenfalls vielleicht in den Küchen von schwerreichen Tatort-Ermittler-Schauspielern, die nebenher ihr vertrauenerweckendes Ermittler-Image in Werbungen für Banken kapitalisieren, die haben vielleicht herdenweise Herde in ihren Küchen, sonst niemand, aber hier steht eine ganze Wand von Herden über- und nebeneinander, so wie Gitarrenverstärker bei einer 70er-Jahre-Rockband. Der Herd heißt hier auch nicht mehr „Herd“, nein, es ist der „Miele Dialoggarer“. Wollte ich einen platten Scherz machen, dann würde ich da mal ein Drehbuch mit halbgaren Dialogen in den Ofen schieben und nach einer Stunde gucken, was herauskommt. Bei dieser zwölffachen Herd-Batterie könnte man fast die gesamte Jahresdrehbuchproduktion an ARD-Dialogen hier ordentlich durchgaren. Das ist andererseits aber doch ein Witz wie aus einem ARD-Drehbuch, da reite ich jetzt nicht weiter darauf herum.

Dazwischen, also nach dem Drehbuchpreis, aber vor dem Dialoggarer, war ich noch woanders, da gab es auch extrem krasse Knoblauchbomben und direkt danach ein knallhartes Streitgespräch. Wie das verlief und worum es da ging, das werde ich morgen verkünden oder auch heute abend, denn ich hänge schon wieder etwas hinterher

Soeben habe ich beschlossen, dieses Jahr wieder die innere Klatschkolumnistin rauszulassen und mein Berlinale-Blog zu reaktivieren. Hier also meine Eindrücke vom ersten Berlinale-Tag. Ich war allerdings leider nicht da, denn ich habe den Filmbetrieb geschwänzt, weil ich mit meiner Bandkollegin einen Auftritt im Literaturbetrieb hatte, und zwar in Hamburg, also müssen jetzt meine Erinnerungen aus den letzten fünfzehn Eröffnungsabenden herhalten. Letztes Jahr hat meine Schwester Anna ein sogenanntes Faß aufgemacht, indem sie öffentlich die Idee verkündet hat, es sei keineswegs ein Naturgesetz, daß Frauen sich bei öffentlichen Repräsentationsveranstaltungen so kleiden müssen, als seien sie ein Bonbon, das ausgepackt werden will oder größtenteils schon ausgepackt worden ist. Das behaupte ich ja sowieso seit Urzeiten, und mittlerweile habe ich da eine Verschwörungstheorie entwickelt: Es gibt da irgendwo einen kleinen, mächtigen Geheimbund von Männern, die einen merkwürdigen High-Heels-Dekolleté-Glitzerkleid-Fetisch pflegen und es in den letzten 200 Jahren irgendwie geschafft haben, der ganzen restlichen Menschheit diesen Fetisch aufzuzwingen. Deswegen glaubt jetzt die ganze Welt, nur das sei attraktiv und begehrenswert. Was habe ich mir schon bei befreundeten Schauspielerinnen den Kopf eingerannt: Zieh doch einfach die Sneaker an, die du da anhast! Du sitzt da in Jogginghosen und irgendeinem T-Shirt auf diesem Küchenstuhl vor mir und weißt gar nicht, wie unfaßbar toll du aussiehst! Dein Körper ist ein Musikstück, dein Gesicht ist ein Kunstwerk! Fühl dich wohl, laß es strahlen! Aber nee, geht nicht, sie zwängen sie sich doch wieder in diese Fetischklamotten, fühlen sich unwohl und lassen sich von alten Säcken begaffen. Oder gehen halt lieber gar nicht hin und überlassen das Feld den Poser=innen (das Gender-Gleichheitszeichen habe ich gerade erfunden, das bedeutet, daß der Unterschied zwischen den Geschlechtern nicht so wichtig ist). Es ging jedenfalls darum, diesen Zwang aufzubrechen, neue Räume aufzumachen, die Spielräume zu erweitern, mehr Spaß zu haben, aber dann schreiben wieder irgendwelche Vollidioten, die zu lange keinen Sex mehr hatten: Jetzt wollen sie auch noch Schauspielerinnen auf dem roten Teppich zu Sack und Asche verdonnern.

Zur Berlinale-Eröffnung muß man ja überhaupt erstmal eingeladen sein. Wie bei jeder Veranstaltung ist das entweder eine Ehre für den Gast oder für den Gastgeber, je nach Status. Wenn ich zur Nobelpreisverleihung geladen werde, ist das eine große Ehre für mich. Wenn hingegen Ryan Gosling zur Eröffnung der Köpenicker Kiezkurzfilmwoche  erscheint, dann eher umgekehrt. Unter höflichen Menschen thematisiert man das natürlich nicht, sondern tut stets so, als wäre man selber der Geehrte. Ich war also ehrenvoll eingeladen, aber leider literaturbetriebsmäßig verhindert, meine Schwester und Co-Preisträgerin von 2014 hingegen war weder verhindert noch eingeladen. Das fanden wir ziemlich lustig. Vielleicht die Strafe für mangelndes Bravsein auf dem Roten Teppich? Oder hatte man einfach den Einladungsverteiler etwas entrümpelt, ups, sorry, wir brauchen jetzt mal mehr Youtuber, Influencer und Instagrammer? War uns auch irgendwie egal, ich war ja eh verhindert, dann war Anna auf einmal doch eingeladen, und alles löste sich in Wohlgefallen auf.

Wie wohlgefällig der gestrige Eröffnungsfilm nun war, das kann ich nicht sagen, denn ich war ja nicht da, ich kann nur die Quersumme der vergangenen Jahre verkünden, und die lautet: Es gibt gute und schlechte. In unguter Erinnerung habe ich beispielsweise den Eröffnungsfilm von 2015 namens „Nobody Wants the Night“. Ganz fürchterlich war auch einer namens „Snow Cake“, da spielt Sigourney Weaver eine Autistin, die einen Kuchen aus Schnee bäckt. Ersterer war von einer Frau, letzterer von einem Mann inszeniert, die Genderquote beim Thema „Miserable Berlinale-Eröffnugsfilme, die mir spontan einfallen“ beträgt also ideale 50 Prozent. Ein guter Eröffnungsfilm muß Stars auf den roten Teppich holen, so sagt es die konventionelle Weisheit, ich aber sage: Stars sind piepegal, ein guter Eröffnungsfilm muß vor allem selber eine große Party sein. „Hail, Caesar!“ von den Coen-Brüdern (Regie zu 200% männlich, miserable Quote) fand ich total toll, schnell, intelligent, überraschend, elegant, mußte dann aber zu meiner nicht geringen Verwunderung anhören, wie alle möglichen Leute alles mögliche daran auszusetzen hatten. Den letztjährigen, „Isle of Dogs“ von Wes Anderson, empfand ich dagegen als genau so quälend wie fast alles von Wes Anderson, denn ich sehe da immer nur ein riesengroßes Puppenhaus, das eigentlich ein Gefängnis ist. Ich glaube übrigens, es ist ein reines Männergefängnis. Vielleicht auch ein Männerpuppenhaus.

Heute sind dann gleichzeitig zwei kollidierende Filmpremieren von zwei sehr guten Freund=innen, nämlich Erik Schmitt und Nora Fingscheidt, und mir bleibt die knallharte Entscheidung erspart, zu welcher ich hingehen soll, da ich gezwungenermaßen beide verpassen werde, weil wir nämlich schon wieder was mit der Band haben. Wie es da nicht war, schreibe ich dann morgen.

Mir wurde die Ehre zuteil, den Fragebogen im „Freitag“ zu beantworten. Ich beschloß, dies in Reimen zu tun, woraufhin der Text so ausuferte, daß man beim Abdruck ein Drittel weglassen mußte. Hier daher nochmal alles in aller Ausführlichkeit.

Was mögen Sie an Angela Merkel?
Ich mag an ihr die ruhige Hand
ansonsten ist mir nichts bekannt.

Welches Buch haben Sie zuletzt nicht zuende gelesen?
Ronja von Rönne: Wir kommen!
Ich hab’s in die Hände genommen
bin fast bis zum Ende gekrochen
doch ich les es noch fertig! Versprochen!

Welchen linken Politiker, welche linke Politikerin bewundern Sie?
Ich nenne Sahra Wagenknecht
und alle werden sagen: Echt?

Würden Sie gerne öfter Fahrrad fahren?
Ich fahr schon jeden Tag sehr weit.
Öfter geht nicht, tut mir leid.

Welches Auto gefällt Ihnen am besten?
Mein Hausfrauenporsche ist schon 30 Jahre alt
seit ich ihn habe, denk ich: Er verläßt mich bald.
Doch alles wird geflickt, was auseinanderbricht
Nachhaltiger Autofahren kann man nicht.

Kommt es vor, dass Sie „p.c.“ oder „nicht p.c.“ sagen?
Das sag ich nicht, das bin ich längst
ich bin korrekter, als du denkst.

Welche Drogen sollten Ihrer Meinung nach legalisiert werden?
LSD und DMT
MDMA, GHB
Hanf und Pilze, Meskalin
Crystal Meth und Kokain
Ayahuasca, Elfenbein
alles soll erhältlich sei
Elfenbein gehört nicht rein?
Ach, die Wirkung setzt schon ein.

Ist Alkohol eine Droge?
Auf keinen Fall! Natürlich nicht!
Suff ist erste Bürgerpflicht.

Darf man in Ihrem Schlafzimmer rauchen?
Keine hat mich je gefragt
womöglich hätt‘ ich ja gesagt.

Wer oder was hätten Sie gerne sein mögen?
David Bowie, Steve McQueen
William Shakespeare, Jimmy Dean
niemand weiß, was man vermißt
wenn man jemand anders ist.

Wie viele Apps sind auf Ihrem Smartphone?
Bumble, Tinder, match.com
drei Stück sind’s inzwischen schon.

Und welche benutzen Sie am meisten?
Ich hab die Facebook-App entfernt
und habe daraus nichts gelernt.
Ich lese weiter jeden Mist
weil Facebook auch im Browser ist.

Töten Sie Insekten?
Ich habe schon zahlreiche Mücken erschlagen.
Das schlechte Gewissen liegt mir im Magen.

Ihr Lieblingsvogel?

Ich könnte jetzt einfach „der Spaßvogel“ schreiben.
Das wär billig und platt und ich lasse es bleiben.

Haben Sie einen Lieblingsfisch?
Der Silberfisch, der wohnt in meinem Bad.
Der Mondfisch, denn der sieht aus wie ein Rad.
Der Haifisch trägt die Zähne im Gesicht
Die drei mag ich, alle anderen nicht.

Ist die Lüge ein legitimes Mittel in der Politik?
Als Freund der Moral sag ich nein.
Als Machiavellist: Kann schon sein.

Sollte man Gehälter öffentlich machen?
Natürlich! Dreißigtausend bringt ein Drehbuch fürs TV
und wenn man es zu zweit schreibt, dann teilt man das genau
in zwei gleiche Hälften, und dann schlägt die Steuer zu
und jeder setzt sich mit neuntausend Euro zur Ruh.

Der Kommunismus ist…

…vorbei.
Was ihr auch sagt, ist einerlei.
Er ist den Bach hinabgeschwommen
und wird niemals wiederkommen.

Welchen Song würden Sie auf die einsame Insel mitnehmen?
Er sollte lang und krachig sein.
Ich zieh mir „Lights“ von Archive rein.

Toscana oder Krim?
Beides ist vermutlich schlimm
doch die Neugier führt zur Krim.

Haben Sie manchmal Angst, etwas Falsches zu sagen?
Obergrenze, Leitkultur
sagt man nicht, das denkt man nur.
Oder nein! Ich denk das nie
denn es wäre nicht p.c.

Welche Verschwörungstheorie halten Sie für wahr?
Da müßt ich schon bescheuert sein.
Auf Chemtrails fall ich nicht herein.
Und auch die Nine-Eleven-Mär –
– ist interessant! Erzählt mir mehr!

Gehen Sie zu sorglos mit Ihren Daten im Netz um?
Das weiß man ja erst hinterher
und plötzlich ist das Konto leer.

Kaufen Sie bei Amazon?
Amazon zahlt Hungerlohn
und zerstört die ganze Welt
mein Buch wird hier im Kiez bestellt.

Ihre Lieblingsgewerkschaft?
Die IG Vers und Reim
da fühl ich mich daheim.

Sollte der Kapitalismus überwunden werden?
Menschsein heißt Raffgier plus Fortpflanzungsdrang
Beides begleitet uns schon ziemlich lang.
Kapitalismus ist beides auf Speed.
Macht ihn kaputt und dann schaut, was geschieht.

Haben Sie Aktien?
Aktien, Gold und Edelstein
Bitcoin und Beton
mag für reiche Leute sein
ich hab nichts davon.

Welchen Rat würden Sie dem SPD Parteivorsitzenden geben?
Gib die ganzen Drogen frei
werd dann erstmal breit und high
Fahrt mit Freunden auf die Krim
ist doch alles nicht so schlimm.

Haben Sie schon einmal einen Abend mit einem Flüchtling verbracht?
Schon 2013, vor vier bis fünf Jahren
hab ich Winterklamotten zu Flüchtlingen gefahren
und doch keinen Abend und auch keine Nacht
mit Flüchtlingen oder -innen verbracht.
Moment mal, mein Schwager stammt aus Dakar
zählt das als Flüchtling? Okay, alles klar.

Sind einige Ihrer besten Freunde Muslime?
Unter den Freunden kein gläubiger Christ
und kein gläubiger Muslim, ich glaube, da ist
überhaupt niemand, der irgendwas glaubt.
Wir halten das alle für etwas verstaubt.

Ihr Lieblingsfilm?
Bei Terry Gilliams „Brazil“
werd ich ehrfürchtig und still.

Ihr Lieblingsmaler?
Botticelli ist nicht dumm
und Beksinski haut mich um.

Welche Ausstellung haben Sie zuletzt besucht?
„Diorama“ im Städel in Frankfurt am Main.
War ziemlich gut, gehen Sie auch mal da rein.

Wald oder See?
Idealerweise liegt der See im Wald.
Umgekehrt passiert wohl nicht so bald.

Kurt Tucholsky oder Sybille Berg?
Tucholsky in den Bergen
Sybille Berg am Meer.
Das wird ein schöner Urlaub
wir fahren hin und her.

Ihr Lieblingsjournalist?
Den haben sie endlich freigelassen.
Sonst weiß ich keinen. Ich muß passen.

Wie möchten Sie sterben?
Bei bester Gesundheit mit zweihundert Jahren
und mich zuvor noch oft genug paaren.

Nespresso oder Filterkaffee?
Letzteres ist nichts für mich,
ersteres ist widerlich.

Als ich am vergangenen Freitag in Wiesbaden war, weil „Stau“ den deutschen Fernsehkrimipreis gewann, hatte ich keine Dankesrede vorbereitet, denn irgendwas fällt einem ja immer spontan ein. Während nun die Preisverleihung so vor sich hinlief, kam mir aber ein Gedanke, und der verwandelte sich im Lauf der folgenden 20 Minuten in eine flammende Rede, die ich dann aus dem Stegreif hielt. Was hier folgt, ist die stark erweiterte und ausformulierte Version. Es hat ja seine Gründe, daß man Reden schreibt, bevor man sie hält, aber in Ausnahmefällen kann man es auch hinterher tun. Los ging es natürlich mit einem ausführlichen Dankeschön in alle Himmelsrichtungen, denn Filme macht man bekanntlich nicht allein, au contraire, und nun zur Sache, sehr geehrte Damen und Herren.

Wenn Sie nach der Preisverleihung in diesem Saal sitzenbleiben und unseren Film nochmal anschauen, werden Sie feststellen, daß er im Breitwandformat 1:2,35 gedreht ist (umgangssprachlich „Cinemascope“ oder kurz „Scope“). Wenn das Bild also auf dieser Leinwand gleich breiter wird, dann ist das Absicht. Wenn es stattdessen oben und unten schwarze Balken bekäme, wäre das auch Absicht, in diesem Kinosaal aber trotzdem verkehrt, denn der Platz links und rechts wäre ja vorhanden.

Mir fiel vorhin beim Zusammenschnitt der nominierten Filme auf, daß da einige in Cinemascope waren. Und gerade in diesen Tagen lief im Ersten ein umwerfender Zweiteiler, der rein gar nichts von der Betulichkeit hatte, die im deutschen TV oft so nervt. „Gladbeck“ war ein rasantes Stück Kino im Fernsehen, und natürlich auch in Cinemascope, denn dieses Bildformat ist wundervoll – nicht nur für Western-Panoramen, sondern genausogut für intime Kammerspiele. In Cinemascope kriegt man nämlich viel eleganter zwei oder mehr Menschen gleichberechtigt in ein Bild. Meine Filme sind immer Ensemblefilme, und deswegen drehe ich immer in Cinemascope. Das fernsehübliche 16:9-Format mag ich eigentlich überhaupt nicht. Darin kann man meinetwegen Tagesschau drehen, aber keine Spielfilme.

Nun geht der deutsche Fernsehkrimipreis also an einen Cinemascope-Tatort, aber es wird leider der letzte gewesen sein, denn kurz nach unseren Dreharbeiten wurde das in der ARD verboten. Ab sofort darf es in der ARD keine Filme in Cinemascope mehr geben. Grund? Unklar. Vermutlich haben sich von den schätzungsweise dreißig Zuschauern, die noch auf 30cm-Röhrenfernsehern gucken, zwei oder drei über die Balken im Bild beschwert. Diese Neuregelung kam von ganz oben, von irgendwelchen Leuten auf der Programmdirektionsebene, mit denen ich als kleiner Filmemacher ohnehin nie zu tun habe, also kann ich sie auch ungeniert beleidigen, indem ich hier ungefiltert wiedergebe, was ich als erstes dachte, als mir das zu Ohren kam, nämlich: Was für Vollidioten.

Als dann unser „Tatort“ vor einem halben Jahr ausgestrahlt wurde, schrieb irgendjemand: Ein gelungenes Experiment.
Schön, dachte ich, aber andererseits: Experiment? Ich habe einfach versucht, das Genre ein wenig weiterzudenken, das Rad etwas weiterzudrehen, und allerhand Sachen weggelassen, die ich beim „Tatort“ schon immer doof fand. Ist das schon ein Experiment? Wenn ja, dann wäre das sehr traurig, denn Experimente wird es beim Tatort ab sofort nur noch zweimal im Jahr geben. Auch das ist nämlich eine neue Regelung, die die ARD-Programmdirektion sich in ihrer Weisheit ausgedacht hat: Ab sofort nur noch zwei experimentelle „Tatorte“ pro Jahr. Alle anderen haben bitteschön unexperimentell zu sein.

Das wirft natürlich Fragen auf, die kaum zu beantworten sind: Ab wann ist ein Film experimentell? Kriege ich dann beim nächsten Tatort bitte eine möglichst detaillierte Checkliste, was alles gewährleistet sein muß, damit er als unexperimenteller Tatort durchgeht?

Man kann aber noch weiter ausholen und den Begriff des Experiments hinterfragen. Der ist zwar seit Jahrzehnten modern, hat aber meiner Meinung nach in der Kunst nichts zu suchen. Wer Kunst macht, sollte nicht herumprobieren, sondern gefälligst wissen, was er will. Wer Kunst macht, hat aber umgekehrt auch die verdammte Pflicht, das Rad jeweils neu zu erfinden. Also irgendetwas zu machen, das vorher noch niemand so gemacht hat. Und wenn das schon experimentell ist, dann interessiert mich überhaupt nur das Experimentelle, und dann hätte ich von der ARD gern nicht zwei, sondern vierzig experimentelle Tatorte pro Jahr. Stattdessen bekomme ich Durchschnittsware, bei der ich nach fünf Minuten abschalte, wenn ich überhaupt mal einschalte. Diejenigen Tatorte, die unter „experimentell“ laufen, finde ich beileibe nicht immer so toll, aber immer noch deutlich erfrischender als das, was man sonst so sieht.

Also, zusammengefasst: Wir stehen in der Blüte eines goldenen TV-Zeitalters, überall auf der Welt entstehen aufsehenerregende Seriengesamtkunstwerke, und der Boom ist endlich auch in Deutschland angekommen, nach Jahrzehnten der öffentlich-rechtlichen Monokultur kommt endlich Leben in die Bude, auf einmal entstehen hier wirklich tolle Sachen, alle freuen sich, nur die ARD-Programmdirektion hält es für eine gute Idee, den experimentellen Tatort, was immer das sein soll, auf zwei Stück pro Jahr zu beschränken und Cinemascope zu verbieten.

Haben die eigentlich den Schuß nicht gehört?
Haben die aus dem Untergang der DDR nichts gelernt?

Es geht hier nicht darum, mal wieder die alte Front zwischen den Kreativen und den doofen Sendern aufzumachen. Die ist falsch. Die gibt es so nicht. Die Front verläuft vielmehr zwischen den guten Leuten, die gute Sachen machen wollen, und den Apparatschiks, die alles verhindern wollen, was auch nur irgendwen irgendwo stören könnte. Und die guten Leute, die sitzen natürlich auch in großer Zahl in den Sendern. Das sind diejenigen Redakteure und Fernsehspielchefs, denen noch nicht alles egal ist, die vom eigenen sicheren Job noch nicht korrumpiert wurden oder sich in selbstgefällige Bonzen verwandelt haben. Die gute Filme machen wollen und die ich stets als äußerst faire und engagierte Partner erlebt habe. Gerade diese guten Leute haben im eigenen Haus ständig zu kämpfen mit Sparzwängen und der Konkurrenz von Nachrichten und Unterhaltung und Sport. Diese Leute brauchen wir, und diese Leute brauchen jede erdenkliche Unterstützung von uns. Die sind nämlich ständig unter Beschuß und führen einen zermürbenden Dauerkampf in alle Richtungen gleichzeitig. Aber ohne die könnten wir alle einpacken und nach Amerika auswandern.

All denen sei dieser Preis gewidmet. Wenn ich jemals wieder einen Tatort machen sollte, dann in Cinemascope. Und experimentell wird er vermutlich am Ende auch.

Meine Lieblingssektion auf der Berlinale ist eigentlich jedes Jahr die Retrospektive. Früher war ja sowieso alles besser, ich kann mich außerdem des Eindrucks manchmal nicht erwehren, daß die Filme früher tatsächlich besser waren (zumindest erzählen sie nicht so oft wie das heutige Arthousekino von Protagonisten, die vorrangig um sich selber kreisen), und selbst wenn die Filme schlecht sind, sind sie historisch immer noch interessant, das ist ein unfairer Vorteil gegenüber neuen Filmen. Aus all diesen Gründen findet man mich sehr oft  in der Retrospektive.

Dieses Jahr stand sie unter dem Titel „Weimarer Kino – neu gesehen“, begleitenderweise erschien wie immer eine Publikation, und ich wurde gefragt, ob ich einen Text über Joe Mays Film „Ihre Majestät, die Liebe“ von 1931 dazu beitragen wollte. Für diese Ehre bedanke ich mich sehr herzlich bei Rainer Rother, und außerdem danke ich ihm und der Deutschen Kinemathek sehr herzlich für die Genehmigung, den Text zusätzlich hier ins Netz zu stellen. Wer ihn auf Papier lesen will (und dazu zahlreiche andere von Leuten, die als Filmhistoriker etwas satisfaktionsfähiger sind als ich): Das Buch ist im Bertz+Fischer Verlag erschienen, kostet nicht die Welt und ist eine Zierde jeder Bibliothek.

Und nun der Text.

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Wenn man „20er Jahre“ und „Berlin“ denkt, dann denkt man: Tanzlokal. In unserer Erinnerung (oder Imagination, denn wir waren ja nicht dabei) ist die ganze Stadt ein einziger Amüsiertempel. In Ruttmanns „Sinfonie der Großstadt“ kann man sich davon überzeugen, daß die Discokugel keine Erfindung unserer Tage ist. Filme aus den 20ern, hat man so den Eindruck, kennen überhaupt nur zwei Themen: Einerseits Asphalt, andererseits Amüsement. Das ist natürlich grob verkürzt und historisch nicht haltbar, aber ganz falsch ist es auch nicht: Die Arbeiterklasse haust unter haarsträubenden Bedingungen, zehnköpfige Familien sitzen in feuchten Kellerwohnungen, während die gehobene Gesellschaft es im Metropol-Theater krachen läßt. Und dazwischen die Schicht, die uns bis heute am meisten fasziniert: Die Künstler, die Schauspieler, die mittellosen Mädchen aus der Provinz, die in der Großstadt stranden und sich als „Flapper“ neu erfinden.

In dem heute komplett vergessenen Roman „Der Weg aus der Nacht“ des ebenso vergessenen Schriftstellers Edmund Kiss (der später dann durch Nähe zu den Nazis und fragwürdige germanische Geschichts- und Welttheorien von sich reden machte) wird beschrieben, wie der Ich-Erzähler die Witwe eines gefallen Kriegskameraden ehelichen will und ihm letzterer andauernd als Geist erscheint. Er verkehrt auf rauschenden Bällen, wo die bessere Gesellschaft sich die Klinke in die Hand gibt, er langweilt sich mit den Honoratioren und lauert auf den nächsten Tanz mit der Angebeteten, und währenddessen steht immer wieder ein schweigsamer toter Soldat im Raum, schaut ihn an und führt nachdenkliche Gespräche mit ihm. Und ungefähr so wird es wohl tatsächlich gewesen sein: Man feierte rauschende Bälle, auf denen die Toten unsichtbar und schweigend herumstanden. Denn der Weltkrieg, der damals noch nicht der „erste“ hieß, weil der zweite noch bevorstand, war erst ein paar Jahre her. Das industrialisierte Massaker hatte nicht nur Millionen Tote hinterlassen, sondern ebensoviele Verletzte, Traumatisierte, Versehrte, die überall zum Straßenbild gehörten. In den Bildern von Otto Dix und George Grosz springen sie uns in aller Wucht ins Gesicht, also legen wir sie im Geiste in ihre eigene Schublade, in eine Otto-Dix- und George-Grosz-Welt, irgendwie in ein separates Universum. Doch damals waren sie allgegenwärtig. Wer männlich und älter als 25 oder 30 oder 35 war (je nachdem, in welches Jahr wir uns versetzen), der hatte seine Jugend im Schützengraben verbracht und den Tod gesehen – und auch wenn er selber mit allen Gliedmaßen und Sinnesorganen heil nach Hause gekommen war, dann muß man davon ausgehen, daß eigentlich in allen das wütete, was man damals noch nicht als „posttraumatische Belastungsstörung“ bezeichnete. Die 20er Jahre waren ein Tanz auf dem Vulkan, und in diesem Vulkan brodelte eben nicht nur der bevorstehende Horror, sondern auch der vergangene.

Der Schauspieler Kurt Gerron beispielsweise wurde mit 17 an die Front geschickt, dort schwer verletzt, war danach dienstuntauglich und konnte das tun, was er eigentlich wollte, nämlich Medizin studieren. Schon im zweiten Studienjahr aber mußte er wieder an die Front, diesmal als Arzt. Drei Semester Medizin waren offenbar ausreichend. Mit 21 kam er zurück, hatte vermutliche mehr Schreckliches gesehen als der Schreiber (und sämtliche Leser) dieser Zeilen im gesamten Leben, kehrte der Medizin den Rücken und wurde Schauspieler. Weil die Kriegsverletzung aber irgendein stoffwechselrelevantes Organ zerfetzt hatte, nahm er stark zu, bekam ein unvorteilhaftes Mondgesicht und war dann halt Charakterdarsteller. Der Regisseur Joe May hatte seine ganz eigene Tragödie, die gleichwohl wenig mit dem Krieg zu tun hatte: Er hatte mit seiner Frau, der Schauspielerin Mia May, eine einzige Tochter, die dann auch Schauspielerin wurde. Im zarten Alter von 22 hatte sie schon drei gescheiterte Ehen und einen Selbstmordversuch hinter sich. Der zweite war dann vom Erfolg gekrönt. Ihre Mutter drehte danach keinen Film mehr. Welche Tragödien sich jeweils hinter diesen lapidaren Wikipedia-Fakten verbergen, kann man sich mit wenig Phantasie ausmalen.

Für einen Text, der ein federleichtes Lustspiel behandeln soll, ist das alles ziemlich weit ausgeholt – aber genau das ist der Hintergrund, vor dem dieser Film entstand und vor dem man ihn vermutlich sehen sollte. Der eben erwähnte Kurt Gerron sitzt in der ersten Szene in einem Tanzlokal (wo sonst) am Tresen als einer von drei Herren, die der hübschen Bardame spaßhafte Komplimente zuwerfen und über die Unterteilung zwischen Frauen, Damen und Weibern schwadronieren. Joe May ist der Regisseur, und von all diesen Schrecklichkeiten ist im Film einfach keine Spur zu sehen. Es geht um die Wellingen-Motorenfabrik, beziehungsweise deren Besitzer, die Familie von Wellingen, deren Personal aus lauter Klassikern der Theaterklamotte besteht: Der geschäftstüchtige Patriarch, dessen lebensfrohe Tochter, die mit ihrem Gymnastiklehrer durchbrennen will, die komische Oma, der hoffnungslos vertrottelte Onkel und der jugendfrische Held, der die familiären Bande abstreift und für den es nur eine Majestät gibt, nämlich die Liebe.

Und der ist natürlich unser Mann. Fred von Wellingen heißt er, und eigentlich hat er gar nichts gegen seine Familie, so degeneriert sie auch ist. Die mit dem Reichtum einhergehenden Annehmlichkeiten nimmt er gern mit, Rebellion ist nicht sein Ding, und auch gegen Karriere hat er nichts einzuwenden, eine gutdotierte Stellung als Generaldirektor der Wellingen-Motorenfabrik wäre ihm schon recht, warum denn auch nicht. Aber dafür soll er irgendeine reiche Erbin heiraten, so will es die Familie, und darauf hat er keine Lust. Lieber macht er der schönen Bardame den Hof, und um die Verwandtschaft zu ärgern, macht er ihr sogar kurzerhand einen Heiratsantrag. Die Dame ist hinwiederum nicht nur love interest, sie hat ihr eigenes Leben sowie einen alten Ungarn als Vater, der in einem früheren Leben mal Zirkusartist war und deswegen mit einem großen Sprung ins bereitstehende Auto hineinhopsen und vor versammelter Mannschaft mit Tellern jonglieren kann, die dann aber doch alle zu Bruch gehen, was dann wieder den Graben zwischen ihm und der besseren Gesellschaft zementiert. Eine Verbindung mit einer solchen Person darf es nicht geben, also wird das geplante Verlobungsbankett kurzerhand zur Beförderungsfeier für unseren Helden umfunktioniert. All seine materiellen und Karrierewünsche sollen erfüllt werden, wenn er auf die Ehe verzichtet. Und erstaunlich bereitwillig, wenn auch traurigen Herzens, geht er darauf ein und läßt sich in den Dienst des zusammenzuhaltenden Familienvermögens spannen. Woraufhin der depperte Onkel, der bei aller Vertrottelheit scharf erkannt hat, daß das Mädchen mehr Substanz hat als der ganze verkommene Familienclan, seine Chance gekommen sieht und sie mit Heiratsanträgen und Blumensträußen überschüttet, was dann wiederum Anlaß für diverse Slapstickeinlagen bietet.

All das anzusehen ist eine helle Freude, wie man sie heute im deutschen Film kaum mehr hat (und im internationalen auch selten). Die Figuren sind präzise gezeichnete Witzfiguren – klingt einfach, muß man aber erstmal hinkriegen. Und wie jede wirklich gute Komödie gibt es hier kein größeres Thema, keine Erlösung für alle und kein Rezept zur Rettung der Welt. Die Tragödie will uns weismachen, es gäbe ein Jenseits, eine bessere Welt, in der man das erreichen kann, was einem hier verwehrt bleibt, da begegnet sie sich mit den Religionen und Ideologien, mit Sozialismus und Nationalsozialismus, die sich damals schon in den Straßen die Köpfe einschlugen und kurz darauf die Welt in Brand steckten – sie waren und sind unterschiedlich und auch unterschiedlich schlimm, aber alle wollen sie uns etwas von besseren Welten erzählen, für die man kämpfen und sich im Zweifelsfall opfern muß. Die Komödie weiß dagegen: Alles Quatsch. Sie macht sich keine Illusionen. Es gibt nur das Private, und das ist eben nicht politisch. Das Wahre, Gute und Großartige existiert nicht in irgendeiner besseren Welt, sondern hier vor unserer Nase, und man muß zugreifen, sonst ist es weg.

Man bezeichnet solche Filme gemeinhin als „leicht“. Sind sie ja auch. Aber es ist die Leichtigkeit, die in den Abgrund geschaut hat. Sie kommt von Leuten, die wirklich wußten, was schwer war, und die auch hinterher wieder bitter erfahren sollten, wie recht sie hatten mit ihrer Botschaft, das Glück im Moment zu suchen und festzuhalten. Joe May floh vor den Nazis nach London, dann weiter nach Hollywood, wo er jedoch nicht mehr richtig Fuß fassen konnte. Er war in seinen letzten Lebensjahren auf Almosen alter Freunde angewiesen und starb verarmt am 29. April 1954, zwei Monate bevor ein aus Ruinen auferstandenes Wirtschaftswunderland wieder Fußball-Weltmeister wurde. Kurt Gerron war Jude und wurde von den Nazis ins KZ gesteckt, wo sie ihn zwangen, einen Propagandafilm über Theresienstadt zu drehen, dann wurde er nach Auschwitz gebracht und noch am selben Tag vergast. Otto Wallburg, der den Familienpatriarchen spielt, emigrierte erst nach Österreich, dann in die Niederlande, wollte weiter in die USA, versteckte sich vor den Deutschen, wurde denunziert und verhaftet und deportiert und ebenfalls in Auschwitz ermordet. Otto Kanturek, der Kameramann, emigrierte nach England und starb 1941 bei den Flugaufnahmen für einen Fliegerfilm namens „A Yank in the R.A.F.“, als zwei Flugzeuge in der Luft kollidierten. Andere hatten mehr Glück: Franz Lederer, der den jungen Helden spielt, ging schon 1932 nach Amerika, machte dort keine spektakuläre, aber ordentliche Karriere und starb mit 100 Jahren in Palm Springs, Kalifornien, im Jahr 2000. Er war einer der letzten Überlebenden der Österreichisch-Ungarischen Armee des 1. Weltkriegs. Was er da so alles erlebt hat, weiß keiner und wird nie jemand wissen. Hoffen wir einfach, daß ihre Majestät, die Liebe, immer für ihn da war.

Vor einigen Monaten machte ein offener Brief die Runde, in dem 80 deutsche Filmemacher und Regisseurinnen einen Neuanfang sowie ein transparentes Verfahren bei der anstehenden Neubesetzung der Berlinale-Leitung forderten. Ich war einer davon. Danach entstand viel Wind, und auf einmal ging es nur noch um eine einzige Person.

Das ist schade, denn die ganze Sache drehte sich (genau wie die ganze Berlinale) gar nicht in erster Linie um Dieter Kosslick, sondern um die Frage, wie es nach ihm weitergeht, und die Frage, was der ganze Laden überhaupt ist oder sein könnte.

Ja, was ist die Berlinale? Und was ist eigentlich ein Filmfestival?
Machen wir es kurz: Filmfestivals sind religiöse Rituale, genau wie olympische Spiele, Rock am Ring oder die Donauschinger Musiktage. Es gibt jeweils ein abgegrenztes Tempelareal, es gibt eine Priesterkaste, die dem Volk sagt, was gut und schlecht ist, es gibt Heilige, die verehrt werden, es gibt einen Hohepriester, der über allem thront, und es gibt ein zentrales Ritual, das oft bleiern langweilig ist. Wer je ein katholisches Hochamt oder die Cannes-Premiere eines Films von Apichatpong Weerasethakul über sich ergehen ließ, der weiß, wovon ich rede. Aber genau das ist ja der Trick: Gerade das gemeinsame stundenlange Absitzen schweißt die Gläubigen zu einer verschworenen Gemeinde zusammen. Letzteres habe ich mir nicht ausgedacht, das haben Soziologen herausgefunden, und auch daß am Ursprung der Religion nicht der Glaube, sondern die Feier steht, haben klügere Leute als ich schon festgestellt. Wir glauben hier nicht an personifizierte Götter im Jenseits, aber wir feiern abstrakte Größen, die dem Leben zumindest eine Illusion von Sinn verleihen:
Der Sport. Die Musik. Das Kino.
Das sind die Götter, die hier jeweils verehrt werden.
Die Berlinale ist sehr vieles zugleich, aber das ist ihr Kern, behaupte ich. Und da liegt auch die Magie, die Kino haben kann, wenn es heutzutage überhaupt noch Magie hat: In der Feier und im kollektiven Erlebnis. Alles kommt an einem Ort zusammen. Der Rest ist nett, aber Netflix ist auch nett.

Wenn sich also 80 Filmemacher und -innen zusammentun und so einen Brief schreiben, dann aus dem gemeinsamen Gefühl heraus, daß da etwas nachgelassen hat.
Aber auch das hat noch nicht notwendigerweise etwas mit Dieter Kosslick zu tun. Sondern genausogut mit dem allgemeinen Lauf der Welt. Das 20. Jahrhundert hat drei große Mythen hervorgebracht: Kino, Automobil und Popmusik. Alle drei sind am Verblassen. Dafür haben wir jetzt Internet, Games und Serien. Auch sehr schön. Aber es gibt sie ja noch, die Filme, von denen die ganze Welt jeweils ein Jahr lang redet: Un Prophète, Das weiße Band, Toni Erdmann, The Square, Drive, Birdman. Filme, die den Spagat schaffen zwischen den immer weiter auseinanderklaffenden Kontinenten „Unterhaltung“ und „Kunst“. Die meisten davon laufen in Cannes. Einige in Venedig. Manchmal auch einer in Berlin. Aber der Abstand ist spürbar und meßbar.

Nun ist die Berlinale aber nicht nur eine Leistungsschau der Speerspitzen des Weltkinos, sondern zugleich ein riesengroßes Publikumsfestival. Die ganze Stadt ist auf den Beinen und rennt auch noch in die obskursten Filme. Das ist toll, das gibt es weder Venedig noch Cannes, und es ist auch dem Kino sehr gemäß, denn Kino ist ja nicht nur Kunst und Tempel, sondern auch Jahrmarkt und Budenzauber. Vielleicht ist die Berlinale mit dieser Doppelnatur sogar weltweit das Festival, das den Geist des Kinos am besten einfängt.

Der Festivalleiter muß aber auch mindestens eine Doppelnatur sein: Er oder sie sollte künstlerisch den klaren Zugriff haben, zugleich bestens vernetzt sein, ein Team führen können, den gutgelaunten Gastgeber spielen und so weiter – und außerdem muß er auch noch die Sponsoren klarmachen und bei Laune halten. Das vergißt man gern. Niemand schreit „Hurra, Audi“, aber ohne die Millionen von denen wäre das Festival in dieser Form nicht machbar.
Alles nicht so einfach.

Wenn es bei den 80 Unterzeichneten überhaupt einen gemeinsamen Nenner gab, dann vielleicht das Gefühl, daß die Idee vom Kino als Ort, der alle zusammenbringt und alle vereinigt, auf der Berlinale in den letzten Jahren ein wenig vernachlässigt wurde zugunsten der in alle Richtungen wuchernden Vielfalt. Es gibt Nebenreihen für alles mögliche. Das hat sicher seine Berechtigung und ist auch ein Zeitphänomen. Aber man könnte mit denselben Impulsen auch andere Lösungen finden. Nur ein Beispiel: „Generation 14plus“. Die Reihe wurde gegründet, weil man feststellte, daß zwischen dem alten „Kinderfilmfest“ und der Erwachsenen-Berlinale eine Lücke klaffte. Also machte man eine eigene Reihe mit Filmen für Jugendliche. Die funktioniert auch bestens. Tolle Sache, denkt man da, doch gleich darauf denke ich: Moment mal, was wollte ich mit 14 sehen? Filme für 14-jährige? Um Gottes Willen, nein. Ich wollte natürlich Filme für Erwachsene sehen. Also, anstatt der Jugend ihr eigenes Festival im HdKdW zu machen, könnte man genausogut die fünf oder acht 14plus-Filme, die es verdient haben, in erwachsene Sektionen hieven, wo sie mehr Aufmerksamkeit kriegen, und zusätzlich quer durchs Festival 20 Filme benennen, die für Jugendliche okay sind, selbige irgendwie durch die FSK kloppen und dann die Jugend ins große Festival hineinholen, anstatt sie wegzuschicken.

Es sind zwei unterschiedliche Ansätze. Jeder muß wissen, was er besser findet. Aber es gibt Grund zu der Annahme, daß der Publikumsfestival-Gedanke, wenn man ihn zu sehr betont oder sich darauf ausruht, auf Kosten der Faszination geht. Also der Gottheit Kino. Der Traum, einen Wahnsinnshammerfilm zu sehen, der einen packt und schüttelt und nicht kaltläßt, von dem jeder erzählt und den man gesehen haben muß, von dem man noch Tage später redet und den man sich Monate später im Kino nochmal anschaut. Oder den man dann vielleicht auch gräßlich überschätzt und überhypt findet.

Diese Erzählungen sind es, die ein Festival unvergeßlich machen. Und ich kann mich nicht des Eindrucks erwehren, daß sie weniger geworden sind. Gerade im Wettbewerb war in den letzten Jahren vieles ganz nett und vieles irgendwie egal.
Und wenn dies ein Song wäre, dann wäre das der Refrain:
Auch daran ist nicht unbedingt Dieter Kosslick schuld. Und selbst wenn, dann führt man die Diskussion sinnvoller zur Sache als zur Person.

Zumindest die Gelegenheit für eine Kurskorrektur wäre aber da, denn die Neubesetzung steht an. Und da lag auch der Kern dieser Aktion, oder zumindest der hauptsächliche Grund, warum ich mitgemacht habe. Man hat nämlich in der Berliner Kulturpolitik in den letzten Jahren mit Volksbühne und dffb zwei Personalentscheidungen gesehen, die nicht ganz so gut liefen. Beide Male wurde intransparent irgendwie hinter verschlossenen Türen beschlossen, was an der dffb zu einem regelrechten Krieg mit den Studierenden führte. Zur Kosslick-Nachfolge kochte eine unglaubliche Gerüchteküche, jeder trompetete irgendwelche unbewiesenen Behauptungen durch die Gegend, und man konnte kommen sehen, daß die Politik irgendwann jemanden aus dem Hut ziehen würde, der dann halt für die nächsten 20 Jahre da sitzen würde.

Dieser offene Brief sagte also vor allem: Wir haben hier ein zentrales Interesse daran, daß jemand gutes auf diesen Posten kommt, und wir wollen ein transparentes Verfahren. Und wir sagen überhaupt erstmal „Wir“. Das ist ja selber schon eine Nachricht.

Der einzige wirkliche Fehler, den ich hier sehe, war die exklusive Erstveröffentlichung auf Spiegel Online. Das hätte ich persönlich anders gemacht. So bekam das Ganze von Anfang an die dumme Schlagseite zur persönlichen Abrechnung, und dann brach Hysterie aus. Einige Journalisten schrieben das, was sie immer schreiben, nämlich daß der Festivalleiter eine Fehlbesetzung sei und weg müsse, dann meinten andere Leute, sie müßten ihn dagegen öffentlich in Schutz nehmen, jemand behauptete, Kosslick habe bei Amtsantritt das Budget der Retrospektive halbiert, und übersah dabei die Umstellung von DM auf Euro, in Blickpunkt Film erschien auf ähnlichem Niveau ein dummdreistes Editorial, auf Critic.de kam eine elegante Erwiderung, einige der Unterzeichner ruderten zurück und fühlten sich falsch verstanden, irgendwann mochte sich überhaupt niemand mehr äußern.

Ich fand das nicht toll, aber auch nicht gar so schrecklich. Als Reaktion auf Hysterie sollte man nicht selber auch noch hysterisch werden. Wenn man wirklich etwas bewegen will, wird man immer irgendwelche Leute vor den Kopf stoßen. Das ist aber nicht so schlimm, denn die beruhigen sich dann auch wieder. Im BKM wurde unser Ruf jedenfalls gehört, und das Verfahren findet jetzt unter großem öffentlichen Interesse statt. Der Ruf nach einer unabhängigen Findungskommission hingegen wurde nicht erhört. Die Satzung gibt das anscheinend nicht her. Eine Kommission, die einen Vorschlag machen kann, wäre vermutlich drin, ist aber anscheinend nicht gewünscht. Stattdessen wurde eine große Runde an Filmleuten zu einem Beratungsgespräch zusammengerufen. Ich wurde auch gefragt und ging hin. Das Gespräch verlief freundlich und offen. Zu früh für ein Fazit, aber erstmal ganz okay gelaufen, würde ich sagen.

Nicht okay finde ich, wenn die Sache dann auch auf der anderen Seite ins Persönliche gezerrt wird. Im Spiegel erschien ein Artikel, in dem Christoph Hochhäusler als Initiator der Aktion benannt und als „Intrigant“ bezeichnet wird. Ersteres ist falsch, denn er war nicht der Initiator, letzteres ist unverschämt. Hochhäusler ist einfach ziemlich gut vernetzt und hatte daher Kontakt zu vielen Leuten. Ich selber bin auch halbwegs gut vernetzt und habe die Leute ins Spiel gebracht, denen ich mich verbunden fühle, also Mumblecore & co. Andere haben wieder andere angesprochen. Es war ein großer, lange und guter Gedankenaustausch. Ein Journalist, der einen offenen Brief mit einer Intrige verwechselt, sollte mal seine Terminologie in Ordnung bringen. Und nochmal: Unter diesem Schreiben stehen 80 Namen. Die stehen da nicht einfach so. Da könnte man sich ja mal sachlich mit auseinandersetzen, anstatt einen herauszugreifen, der ein paar Mailadressen hatte. Ich bin ja künstlerisch kein besonderer Freund der Berliner Schule, aber ihre Protagonisten sind durchweg kluge und integre Leute, die nicht von ungefähr in der Filmwelt hierzulande eine Rolle spielen.

Und ganz generell finde ich: Man sollte in einer Demokratie in der Lage sein, zwischen Kritik und Majestätsbeleidigung zu unterscheiden. Wir als Filmemacher werden ja auch dauernd kritisiert. Ein ganzer Berufsstand hat sich danach benannt. Da können wir dann beleidigt sein oder halt nicht. Es würde außerdem helfen, wenn öffentliche Ämter hierzulande, angefangen im Kanzleramt, zeitlich begrenzt wären, denn unbegrenztes Verweilen in einer Machtposition begünstigt Entwicklungen hin zum Feudalismus. Zu leicht verwechseln Menschen dann ihr Amt mit sich selbst, lassen andere nach Gutdünken in Gnade und Ugnade fallen und werden selbstherrlich. Daraufhin hat der Untertan dann wiederum Angst, überhaupt irgendwas zu sagen, wenn die eigene Existenz von der Gunst der Förderchefin, des Festivaldirektors oder der Fernsehredakteurin abhängig ist. Man beißt ja nicht in die Hand, von der man sich weitere Fütterung erhofft.

Aus irgendeinem Grund ist mir das aber egal. Deswegen habe ich auch Interviews zum Thema nicht abgelehnt, und deswegen schreibe ich diese Zeilen. Wir leben in einer Demokratie, und wir leben für die Kunst. Hier wie dort hat man für mein Gefühl die verdammte Pflicht und Schuldigkeit, aus seinem Herzen keine Mördergrube zu machen. Es muß doch möglich sein, sich öffentlich zu komplexen Sachverhalten in der angemessenen Komplexität zu äußern, ohne Angst zu haben. Niemand ist vor Fehlern gefeit, niemand macht alles richtig, niemand ist gegen Kritik immun, und alles kann und sollte offen diskutiert werden. Vor allem dann, wenn man der saudoofen Versuchung widersteht, alles auf die persönliche Ebene zu ziehen.
Das sind gute Nachrichten.
Machen wir etwas daraus.

Soll ich am Ende doch noch was zu Dieter Kosslick sagen? Schwierig, denn ich kenne ihn kaum. An seiner Arbeit finde ich vieles großartig. Berlinale Talents: Wundervoll. Kiez-Reihe: Tolle Idee. Das und vieles mehr steht dem Festival gut zu Gesicht. Aber persönlich kenne ich ihn nur von ein paar Mal Händeschütteln. Irgendwo ist das seltsam, denn die Leiter anderer Festivals lernt man als Filmemacher meist irgendwie näher kennen, was dann gelegentlich zu einer solidarisch-lockeren Freundschaft führt. Vermutlich haben die auch weniger um die Ohren als der Berlinale-Leiter. Aber vielleicht ist da wirklich ein Defizit, was den Kontakt zur Filmszene im eigenen Land betrifft. Es hat ja auch keiner der vielen Unterzeichner gesagt: Moment mal, den Dieter ruf ich jetzt mal an, den kenne ich doch von zahlreichen gemeinsamen Bieren.

Eigentlich ist das schade.
Vermutlich sollten wir alle mal mit Dieter Kosslick einen draufmachen.

Vielleicht ergibt es sich ja heute abend, denn da eröffnet die Berlinale, und da gehe ich jetzt hin. Und sollte Kosslick vor mir stehen, dann werde ich ihm die Hand schütteln, ihm von Herzen einen schönen Abend und ein schönes Festival wünschen und mich für die Einladung bedanken. Wie man das so macht unter zivilisierten Erwachsenen in einem schönen, demokratischen Land.

Der folgende Beitrag stammt nicht von mir, sondern von meinem Freund und Kollegen Daniel Bickermann. Den kenne ich, seit er irgendwann tief in den nuller Jahren zur Autorengemeinde des „Schnitt“ stieß und nicht nur dieselben Initialien hatte wie ich, sondern auch einen Schreib- und Denkstil, mit dem ich sehr viel anfangen konnte. Dann zog er irgendwann nach Berlin und kam mit seinem Schreibtisch in meine lustige Bürogemeinschaft, und als es vor einiger Zeit daran ging, den ersten „Tatort“ zu schreiben, war es sehr naheliegend, ihn zum Co-Autoren zu ernennen. Der Tatort ist jetzt fertig und wird am 10. September ausgestrahlt, Daniel schreibt weiter Drehbücher, vor allem aber ist er der Mensch mit dem umfassendsten und abseitigsten Filmwissen, den ich weit und breit kenne. Ein Gespräch mit ihm ist also stets nicht nur eine Freude, sondern auch ein Gewinn.

Der untenstehende Text ist gewissermaßen das Äquivalent eines längeren Küchengesprächs in unserem Gemeinschaftsbüro. Ich habe noch nicht mal die Hälfte der dort aufgeführten Videos gesehen. Aber die, die ich gesehen habe, sind wirklich toll. Vieles davon ist auch in deutschen Filmkreisen noch weithin unbekannt, und sogar in amerikanischen – ich hatte in letzter Zeit gleich drei Gespräche mit Amerikanern, in denen ich immer irgendwann  „Every Frame a Painting“ sagte und jeweils in ein fragendes Gesicht guckte. Und eines dieser Gesichter gehörte immerhin einer Editorin, die höchst respektable Arthousefilme schneidet, ein anderes einem Journalisten von der HFPA, die die Golden Globes vergibt. Also, wer ganz vorn dabei sein will, macht es wie Daniel Bickermann, schließt sich drei Tage ein und guckt diese Liste durch.

Ich kann versichern: Es lohnt sich.

Zehn Empfehlungen für Videoessays über Filmkunst
von Daniel Bickermann

Immer wenn ich betone, daß ich als Cineast einen Großteil meiner Zeit auf YouTube verbringe und dort jeden Tag noch enorm viel über Filmgeschichte, Filmkunst und Filmtechnik dazulerne, gibt es viele Fragen. Die Antwort lautet meist: „Video Essays“. Manche können etwas mit dem Begriff anfangen, andere nicht. Aber alle wollen Beispiele haben, und so habe ich in der Vergangenheit mehrfach Empfehlungen und Tips ausgesprochen, wo im Internet die besten Adressen für so etwas sind, von der amüsanten thematischen Neuinterpretation allseits bekannter Popkulturklassiker bis zur technischen Detailanalyse obskurer Stummfilme. Hier sind 10 Anlaufstellen mit ausgewählten Beispielen, in denen man sich verlieren kann. (Und ja, mir ist auch aufgefallen, daß sie alle englischsprachig und meist US-amerikanisch sind; und nein, ich weiß auch nicht, warum es keine deutschen Video Essays gibt, obwohl der Essayfilm durch Leute wie Alexander Kluge, Edgar Reitz oder Harun Farocki hierzulande durchaus Tradition hat. Tony Zhou weist auf die stärkere audiovisuelle Ausbildung an US-Schulen hin, vielleicht ist da was dran. Ich bin aber gerne offen für spannende deutsche Kanäle.)

0. Der Ausgangspunkt: 
What Makes a Video Essay Great?
Der König persönlich, der wunderbare Kevin B. Lee, ist nicht nur einer der produktivsten Video-Essay-Künstler, sondern auch ein echter Vordenker und führt uns kritisch in das Genre des Video Essays ein. Selbst wenn man keinerlei weitere Informationen hat, kann man allein durch freeze frames aus diesem Video eigentlich alle bedeutenden Macher und Kanäle herauslesen, von denen ich viele hier auch nochmal erwähne (wie kogonada oder Tony Zhou oder die „Unloved“-Reihe). Also als allererstes Mal diesen Link klicken und schauen, was einen da erwartet.

1. Every Frame a Painting
Lee hat es ja erwähnt: Tony Zhou ist der neue Star der Video-Essay-Szene, und durchaus zurecht. Sein Kanal mit knapp dreißig 10minütern noch sehr übersichtlich (und seit einem halben Jahr schweigt Zhou plötzlich und mysteriös…), aber der gelernte Editor Zhou kann in 10 Minuten mehr erzählen als andere in 45 Minuten Doku oder 100 Seiten Buch. Die Richtung ist sowohl highbrow (Satoshi Kon, Kurosawa, Bong Joon-ho) als auch lowbrow (Spielberg, Chuck Jones, Jackie Chan), historisch (Buster Keaton) und manchmal themenbezogen (Vancouver als Drehort, SMS im Film), und die Analyse ist messerscharf, klug und extrem präzise. Mein Favorit ein Must-See für alle, die an der Form des Video Essays interessiert sind.
Besondere Empfehlungen: Eigentlich alle, aber für den Anfang die wunderbaren Essays über Texte und Internet im Film, über Edgar Wright und Visual Comedy, über die Methode Michael Bay (doch! Wirklich! Wunderbarer Essay), über Jackie Chan und Action Comedy und über die Kunst und Gedanken des Filmschnitts.

2. Kevin B. Lee
Kevin B. Lee selbst arbeitet heutzutage ja vor allem für den Arthouse-Download-Dienst Fandor, und macht dort Kurzessays zu wirklich, wirklich obskuren internationalen Filmemachern wie Rick Alverson, Lynne Sachs, Koji Wakamatsu oder Ying Liang. Die bekannteren Namen sind da noch Petzold, Bava, Haneke, Solondz oder D.W. Griffith. Man sieht also schon: Durch alle Epochen und Kulturen hindurch sehr an Filmsprache interessiert. Das beste ist hier, sich einfach mal durch die Liste zu lesen und zu sehen, was interessiert. Ist nur ein Bruchteil von Lees insgesamt über 200 Video Essays, aber die meisten muß man auf allen möglichen Plattformen suchen…

3. KyleKallgrenBHH
Ein weiterer Dinosaurier dieser jungen Form: Kyle kommt aus der hochinteressanten „Channel Awesome“-Gruppe, die seit 2008 Online-Legenden wie Nostalgia Critic, Todd in the Shadows, Obscura Lupus, Angry Joe und andere hervorgebracht hat. Der Kanal hatte anfangs große Probleme mit den Copyright-Sperren bei YouTube und fand meist auf Blip statt, bevor das eingestellt wurde (daher sind bei ihm wie bei seinen Mitstreitern viele Videos noch nicht unter seinem Namen auf YouTube, und es macht mehr Sinn zB nach seiner Reihe „Brows Held High“ zu suchen und vollständigere Listen wie diese hier zu finden. Kyle Kallgren ist der Literat und Intellektuelle unter den YouTube-Filmanalytikern, der nicht nur jedes Jahr einen Shakespeare-Monat macht, sondern in Reihen wie „Brows Held High“ oder „Between the Lines“ auch Nietzsche, Camus, Godard, Vertov, Greenaway, Jarman, Panahi, Oshima, Jiří Trnka, Zardoz, Mumblecore, das Noh-Theater und die Andy-Warhol-Filme druchaus kompetent diskutieren kann. Er legt den Fokus oft auf Literaturverfilmungen und historische gesellschaftliche Umstände, generell eher thematisch als technisch; man darf also gerne mal Bibel-Zitate, Anspielungen auf literarische Werke oder auf aktuelle gesellschaftliche Strömungen erwarten. Sein Tonfall ist oft leicht spöttisch aber immer liebevoll, und seine Analysen sind nicht selten brillant und kraftvoll.
Besondere Empfehlungen sind eigentlich alle. Ich liebe seine Branagh-Analyse genauso wie seine Kurosawa-Interpretation und seine Greenaway-Haßliebe. Gute Startpunkte sind seine Videos zu „Rosencrantz and Gildenstern are Dead“, zu „Merry Christmas, Mr. Lawrence“, zu „Koyaanisqatsi“ und warum es niemals neu war und wie er eloquent die „Caligari zu Hitler“-Theorie auf Trump anwendet.

4. Channel Criswell
Ein noch recht junger Kanal eines gewissen Lewis Bond, der mit seinem schottischen Akzent und wunderbarer Stimme durch seine durchaus beeindruckenden bisherigen Essays führt. Wobei er Regie-Analysen und Technik-Analysen abwechselt und dabei vor allem das internationale Arthouse der letzten 50 Jahre im Blick hat, von den japanischen Meistern über die Nouvelle Vague bis zum aktuellen Autorenkino.
Besondere Empfehlungen: Seine Essays zu Hayao Miyazaki, Yasujirô Ozu, zu Elem Klimov „Komm und Sieh“ sowie zu Bildkomposition, zur Farbdramaturgie und zur Dialogführung, natürlich anhand von „The Social Network„.

5. Now You See It
Ebenfalls ein relativ junger Kanal, der aber schon viele interessante Essays hat. Kurze Videos von meist fünf Minuten über konkrete Aspekte des filmischen Handwerkszeugs anhand von filmhistorischen Beispielen, wie der Dolly-Zoom, der Jump Scare, der Long Shot oder das Kostümdesign.
Besondere Empfehlungen: Entsprechend gehen diese kurzen Empfehlungen über unterschiedliche Bildformate, typische Schluß-Einstellungen und das Durchbrechen der Vierten Wand.

6. kogonada
Wie Kevin B. Lee im Anfangsessay schon erklärte, hat der Supercut als Video Essay einen zweifelhaften Ruf, aber kogonada ist der Meister des Genres. Wie Lee selbst zählt er zur ersten Generation der Essayisten, die sich über Filmfirmen finanzieren (kogonada arbeitet für die Criterion Collection und Sight & Sound), anstatt, wie die jüngere Generation, sich über YouTube und Patreon-Spenden zu finanzieren (an dieser Stelle mein Aufruf, die Kanäle, die gefallen, durchaus mit einer kleinen Spende zu bedenken, ich selbst bin monatlicher Unterstützer von mehreren Essayisten auf dieser Liste hier). Entsprechend ist kogonada auch etwas filmhistorischer unterwegs als viele jüngere YouTuber, bei ihm findet man viel zu den ersten 50 Jahren Film oder un-hippen Klassikern der 30er und 40er. kogonadas Status in der Szene läßt sich schon daran erkennen, daß seine Identität weiterhin ein Geheimnis ist und es jahrelang nichtmal ein Foto von ihm online gab – ich durfte ihn und Lee bei einem seiner sehr seltenen öffentlichen Auftritte bei Berlinale Talents live sehen (den Talk gibt es auch online). Seine über-detaillierten und wundervoll spielerischen supercuts sind legendär, aber er macht zunehmend auch kommentierte Video Essays, die trotzdem nicht traditionell, sondern innovativ und spekulativ daherkommen – eine hochgradig interessante Stimme in der Szene in jedem Fall. Oh, und übrigens hat er gerade sein Regiedebüt „Columbus“ abgedreht.
Besondere Empfehlungen: Ein guter Einstiegspunkt sind seine wortlosen Supercuts zu „Wes Anderson // Centered“ und „Ozu // Passageways“, aber auch seine Essays zum Neorealismus oder zu den Händen und Türen bei Robert Bresson.

7. Nerdwriter1
Evan Puschak, ein Videomacher mit Network-Erfahrung, behandelt in fünf bis zehn Minuten langen Videos allerlei Beobachtungen und Analysen in allen aktuellen Kulturformen wie Kunst, Comedy und Musik, hat aber vor allem auch sehr kluge Filmanalyse im Programm. Sein Kanal wurde inzwischen zu so etwas wie dem Aushängeschild zu kulturellen Video Essays, und es gibt sogar schon Aprilscherz-Parodien auf seinen Stil. Seine Vorlieben sind die üblichen Arthouse-Verdächtigen wie Lynch, Wong Kar-Wai, Scorsese, etc., aber er findet tatsächlich neue und interessante filmstrategische Details in den ausgewählten Werken.
Besondere Empfehlungen: Neben seinen Essays zu Donald Trump, Craig Ferguson oder Louis CK, die auch toll sind, bleiben vor allem seine Essays zu Shane Blacks Filmgewalt in Erinnerung, zu Körpern in „Eastern Promises“, zum Cinema of Excess in „The Wolf of Wall Street“ oder zum Rahmenmotiv in „In The Mood For Love„.

8. Matt Zoeller Seitz
Manche Essays finden nicht auf YouTube statt, sogar ziemlich viele. Matt Zoeller Seitz kommt aus der Roger-Ebert-Ecke und hat die meisten seiner Essays für dessen Website erstellt. Wie Kevin B Lee ist er ein echter Vordenker der Form, und sein (schriftlicher) Essay über Video Essays war sehr prägend. Auf Vimeo findet man eigentlich alle seine Werke, und die sind eminent klug und anschauenswert. Seitz behandelt Filmemacher meist mit wirklich ausführlichen Reihen, die dann insgesamt durchaus Spielfilmlänge haben. Am berühmtesten ist wohl seine wirklich brillante Analysereihe zu Wes Anderson (Einzelvideos zu allen Filmen sowie fünf Kapitel „The Substance of Style“ über Andersons Vorbilder von hal Ashby bis JD Salinger, alles zusammen hier), über den er ein gigantisches Buch geschrieben hat, aber auch seine Arbeiten zu den Filmen von Terrence Malick, Michael Mann, Oliver Stone und sogar vergessenen Größen wie Budd Boetticher sind sehr empfehlenswert.

9. „Frame by Frame“ von The Film Theorists
Die erste von zwei Einzelreihe auf dieser Liste. Die Film Theorists unter der Leitung des sehr umtriebige Matthew „MatPat“ Patrick haben mehrere Reihen auf ihrem Kanal wie „Did you know movies“, wo es Hintergrunddetails zu Filmen gibt, „Film Theory“ (wo interessante Popkulturhypothesen aufgestellt werden) und vor allem „Frame by Frame“, wo sehr kluge Filmhandwerk-Analyse betrieben wird. Die Richtung ist meistens aktuelle Popkultur, wenig Filmgeschichte, eher die aktuellen, internationalen Klassiker und Arthouse-Werke, die Länge ist mit fünf bis zehn Minuten knapp und konzentriert, der Informationsgehalt hoch.
Besondere Empfehlungen: Immer schön, eine Geschichte der Sexszene zu sehen, außerdem das Ungezeigte in „Let the Right One In“, Eye Tracing in „Mad Max: Fury Road“ und Forced Perspective in „Game of Thrones“.

10. „Movies with Mikey“ bei Chainsawsuit Originals
Mikey Newman geht mit viel Liebe, Sarkasmus, einem gewissen Impro-Gefühl und viel Showmanship in seine Filmanalysen. Die ironischen Musikeinsätze wirken anfangs abschreckend, stellen sich aber als grandiose Running Gags heraus, wenn man mehrere seiner Videos gesehen hat. Zudem hat er den besten (aber leider nur manchmal benutzten) Vorspann aller YouTuber, ein tarantinoeskes 70er-Monster voller ironischer Einblendungen und blinkender Lichter. Das alles hört sich nach Style over Substance an, aber Newman ist überraschend tiefgründig, auf nicht selten 20 Minuten nimmt er Arthouse, Kultfilme und viele 80er- und 90er- Nostalgie-Trips auseinander. Und auch wenn die Analyse hier sehr oft von einem gewissen Fan-tum begleitet wird, ist sie doch meist sehr klug.
Besondere Empfehlungen sind zB seine liebevoll-gnadenlose Analyse von Carpenters „Big Trouble in Litte China“, zu „Pans Labyrinth“ oder zu „Galaxy Quest“.

Honorable Mentions:

Renegade Cut
Ein weiterer Dinosaurier des Video-Essays, dieser Kanal hat nun schon seit 4 oder 5 Jahre seine zehn- bis 15minütige Videos veröffentlicht, um „philosophische, politische und thematische Analysen“ von Filmen zu machen. Die Auswahl ist entsprechend universell, durch die gesamte Filmgeschichte und sogar das große Spektrum von Qualität bis Murks wurden hier bereits hunderte Filme sehr klug und originell analysiert. Leon Thomas‘ Stimme wirkt anfangs etwas monoton, aber das sollte niemanden abschrecken.

The Unloved
Scout Tafoya nimmt sich liebevoll der „ungeliebten“ Werke der Filmgeschichte an, seien es kritisch geflopppte Mainstreamwerke, zu Unrecht vergessene Arthouse-Perlen oder übersehene frühe Filme, die es nicht in den Kanon geschafft haben. Schöne Beispiele: The Village und Fire Walk With Me.

Matthias Storck: Chaos Cinema, Teile 1-3
Ein sehr einflußreicher Video Essay des deutschstämmigen Filmwissenschaftlers, der online kontrovers diskutiert wurde. Er analysiert moderne Schnitt- und Regie-Technik erst im Actionkino (Teil 1), dann aber auch in Dialog-Szenen und anderen Genres (Teil 2) und geht dafür bis an den Anfang der Filmgeschichte. Der Essay zog einen dritten Teil als Antwort auf die Diskussion nach sich. Must-See für Editoren.

CineFix
Eine der ersten Anlaufstellen für Filmliebhaber auf YouTube, hat aktuelle Kritiken, aber auch endlos viele Reihen wie Hintergrunddetails („Things you didn’t know“), Filmlisten, Adaptionsvergleiche zwischen Buch und Film („What’s the difference“), aber auch klug kuratierte und analysierte Essays zu bestimmten narrativen Topoi, die dann auseinandergenommen werden. Die Reihe „Art of the Scene“ analysiert legendäre Einzelszenen sehr exakt auf Inszenierung und Produktion, während die „Movie Lists“ weit mehr sind als pure „Best of“-Liste, sondern zu bestimmten Genres oder Stilmitteln dutzende Beispiele ausgraben und analysieren.

„Wisecrack Edition“
Eine sehr bunte Mischung aus unterschiedlichen Reihen auf diesem sehr komischen Kanal, wo ein Außerirdischer aus der Zukunft Filmklassiker analysiert („Earthling Cinema“), ein Gangster-Rapper Literaturklassiker im Street Slang analysiert („Thug Notes“) und Fragen nach sozialen oder politischen Themen als Pixel-Videos durchgespielt werden („8-Bit Pholosophy“). Und mittendrin gibt es mit der „Wisecrack Edition“ (eine faszinierende Reihe von erstaunlich ausführlichen und profunden Film- und Fernsehanalysen, die durchaus auf diese Liste gehören.

Lessons from the Screenplay
Ein Kanal eher für Drehbuchautoren und solche, die es gerne werden wollen, wo meist Klassiker der letzten 30 Jahre auf ihre Drehbuch-Kniffe abgeklopft werden, meist mit klaren Fragestellungen, wie man zB Spannung in Dialogszenen erhöht, Twists vorbereitet, Genrekonventionen bricht oder Antihelden erzählt. Mein persönliches Highlight ist die Analyse von 30 Seiten Drehbuch, die im Lauf des Filmens von „American Beauty“ gestrichen wurden.

One Hundred Years of Cinema
Eine nette kleine Idee: Für jedes Jahr seit 1914 wird ein kleines Video mit der bedeutendsten filmgeschichtlichen Entwicklung bzw. dem wichtigsten Film dieses Jahres herausgegeben. Nicht mehr als ein kleiner filmgeschichtlicher Auffrischer, aber durchaus unterhaltsam. Ist allerdings bisher erst bei 1933…

Film Formula
Dieser Kanal wird leider nur selten erweitert, ist aber ein guter Anlaufpunkt für Film Essays zu aktuellen Geheimtips wie „Nocturnal Animals“ oder „The Double“, aber auch zu einigen Arthouse-Klassikern von Filmemachern wie von Trier, Jodorwoski oder Kieslowski.

Folding Ideas
Was „Lessons from the Screenplay“ für Autoren ist „Folding Ideas“ für Editoren. Dan Olson ist ein Cutter, der sich wunderbar in Rage reden kann über die nachlässige Schnittkunst im aktuellen Kino. Nachdem er seit einigen Jahren nicht mehr eine Karton mit Brille als Alter Ego benutzt, sondern sein „Hipster-Sandler“-Selbst vor die Kamera stellt, hat er sehr kluge Analysen zum Gebrauch des Jump Cuts, zu Setup und Payoff, zu Propaganda und zu durchaus komplexen Phänomenen wie dem Kuleshov-Effekt oder der „ludonarrativen Dissonanz“. Aber mein persönliches Highlight ist und bleibt sein epischer, halbstündiger Take-Down von „Suicide Squad“, wo er haarklein (und unglaublich unterhaltsam) analysiert, was beim Schnitt eines modernen Blockbuster-Films alles schieflaufen kann und worin vermutlich die Ursachen zu suchen sind.

Wir sind Zwerge, die auf den Schultern von Riesen stehen. Unsere Vorfahren waren tolle Kerle, die haben den Kölner Dom gebaut und die Zauberflöte komponiert, wir machen eher so 3-Minuten-Popsongs und bauen kaputte wilhelminische Schlösser wieder auf. So sieht‘s aus. Aber daß es so aussieht, heißt ja noch lange nicht, daß es auch so ist. Könnte ja auch eine perspektivische Illusion sein. In der gelebten Erinnerung wird das Vergangene kleiner, in der Kunst wird es größer. Man kann das am eigenen Leibe beobachten: Letztes Jahr habe ich es irgendwie geschafft, jeden Tag emsig mein Berlinale-Blog vollzuschreiben. Dieses Jahr ist mir komplett schleierhaft, wie ich das eigentlich geschafft haben soll. Wo hab ich verdammt nochmal die Zeit hergenommen? In ehrfürchtigem Staunen stehe ich vor meinem eigenen Werk wie ein Zwerg auf der Schulter eines Riesen, also auf meiner eigenen.

Das ist aber eigentlich immer so. Wenn man irgendwas gemacht hat, das auch nur halbwegs irgendwie anstrengend war, dann würde man auf keinen Fall nochmal machen. Also ich zumindest. Eigentlich bin ich nämlich faul.

Die Berlinale ist schon halb vorbei und ich bin immer noch dabei. Das ist allein schon toll. Man wird immer irgendwann krank. Gnadenlos schlägt die Grippe zu. Die Bären-Verleihung vor drei Jahren habe ich im Fieberdelirium durchschwebt. Es war eine Out-of-Body-Experience, ich sah die Menschenmenge von oben und mich selber da unten irgendwie komatös herumlaufen. Dieses Jahr wird entschlossen dagegen vorgegangen. Erste Maßnahme: Keine Hände mehr schütteln. Stattdessen Ghetto-Faust. Oder gleich Umarmung. Beim Film wird ohnehin viel umarmt. Ich finde das völlig in Ordnung. Griesgrämige Kolumnen könnte man schreiben über die Inflation des Umarmens, die Aushöhlung einer innigen Zuneigungsbekundung, die am Ende gar nix mehr bedeutet, wenn jeder sie bekommt, ich sehe vor meinem geistigen Auge spaltenlange umarmungskritische Glossen im FAZ-Feuilleton und rufe: Haltet ein! Vergeudet nicht eure Lebensenergie auf das Kritisieren der Umarmungsinflation anderer Menschen! Laßt sie sich doch umarmen! Umarmt selber mal wen! Beispielsweise eure abgehärmte Sekretärin, die seit 54 Jahren am selben Schreibtisch sitzt! Ja, so stelle ich mir das FAZ-Feuilleton vor, da sitzen schlechtgelaunte alte weiße Männer und beschweren sich im sauertöpfischen Kulturperssimismus-Klageton über die Bussi-Umarmungs-Schickeria, während die Sekretärin auf ihrer Triumph-Adler Leserzuschriften von Rainer Barzel beantwortet. Das ist natürlich ein schreckliches Klischee, in Wahrheit weiß ich nix vom FAZ-Feuilleton, und außerdem bitte nix gegen alte weiße Männer! Ich werde wohl oder übel mein eigenes Leben als solcher beenden müssen, falls ich nicht fassbindermäßig krass früh abtrete, aber dafür ist es eh zu spät, also würde ich mich ja selbst ins zukünftige Knie schießen, wenn ich jetzt auch noch auf alten weißen Männern herumhacken würde.

Eigentlich wollte ich ja auch gar nicht über die das FAZ-Feuilleton herumspekulieren, sondern nur das Händeschütteln verurteilen – oder vielmehr um Verständnis werben, wenn ich keine Hände mehr schüttle. Es ist kein sozialer Affront, es ist Notwehr gegen den Virenbeschleuniger Berlinale. Wir, also die Gesamtheit der Berlinale-Besucher, sind wie eine Million Hühner in eine dieser gräßlichen großen Tierfabriken. Wenn die Influenza-Subtypen H3N5 und R2D2 eines Tages in irgendeinem nichtsahnenden Organismus die entscheidende Gensequenz austauschen und dabei das Killvervirus herauskommt, das die Menschheit ausrottet und damit sämtliche Probleme dieses Planeten löst, dann wird das vermutlich hier auf der Berlinale geschehen, weil die Leute zu viel Hände geschüttelt haben. Also: Ich plädiere für die sogenannte Ghetto-Faust. Saudämlicher Name, ich weiß keinen besseren, aber es ist eigentlich ein stilvoll-beiläufiges Begrüßungsritual. Vielleicht könnte das so ein allgemein anerkanntes Berlinale-Ritual werden.

Ein anderes Berlinale-Ritual, das ich mir wünsche, wäre der Trailer-Flashmob, die große La-Ola-Welle auf der orgasmischen Bären-Stern-Explosion. Da müßte doch eigentlich der ganze Saal jedesmal aufspringen und Konfetti werfen. Oh ja, das wäre majestätisch: Bevor es losgeht, reißt jeder seine soeben entwertete Eintrittskarte in kleine Stücke, und auf dem Höhepunkt des Trailers werfen alle alles in die Luft. Es wäre der Alptraum der Kinobetreuer. Es würde hinterher aussehen wie Sau. Also vielleicht einfach Hüte hochwerfen. Früher, als die Herren noch Hüte trugen, war es allgemein bekannte Zustimmungspraxis, daß alle gleichzeitig ihre Hüte hochwarfen. Das muß jedesmal toll ausgesehen haben. Wenn dann alle versucht haben, ihren jeweiligen Hut wieder einzufangen, und sich dabei das Nasenbein am Schädel des Nachbarn einrannten, war bestimmt auch toll.

So, was schreibe ich jetzt als nächstes? Kommt er noch, der rote Faden? Das habe ich mich auch schon in diversen Filmen gefragt. Und bei sämtlichen Reden, die immer überall gehalten werden. Ich wünsche mir, daß das Vereinte Königreich uns mal bitte eine Truppe von dreißig oder fünfzig Redenschreibern schickt, die hier für die nächsten dreißig, ach, dreihundert Jahre alles nachhaltig aufmischt und den Leuten beibringt, wie man kurz und knapp und stilvoll und prägnant und witzig und präzise öffentlich redet. Es ist nämlich ein fortdauerndes Grauen. Am Vorabend der Berlinale, letzte Woche, durfte ich Klavier spielen bei einer Gedenkveranstaltung für Carl Laemmle. Also ein bißchen stummfilmbegleiten. Das pasierte eher so nebenher, beim Empfangscocktail, denn hinterher im offiziellen Programm war keine Zeit, da mußten Reden gehalten werden. Ich will die Veranstalter hier auf keinen Fall kritisieren, ich freue mich sehr über jede Stummfilmbegleiterei, die ich machen darf, aber ich kritisiere die Redner in schneidender Schärfe. Und zwar alle. Leute, das geht so nicht. Das ist stillos, formlos und letzten Endes auch respektlos dem Anlaß und dem Publikum gegenüber. Außerdem ein kleiner Hinweis: Ein schlechter Witz ist dann, wenn keiner lacht. Und dann kommt noch hinzu, daß zur Zeit alle aufgeregt herumflattern wie aufgescheuchte Hühner und in einem fort gackern: Rechtspopulismus, Brexit, AfD, Trump! Ja, meine Damen und Herren, gewiß doch. Wir leben in aufregenden Zeiten, um das mal bewußt wertneutral zu formulieren. Da bringt es aber nix, wenn wir alle dauernd „Trump“ gackern und uns gegenseitig bei einem Glas Sekt und gräßlicher lauter Musik ins Ohr schreien, daß wir politischer werden müssen.

Es ist doch eigentlich ganz einfach: Politik will etwas. Mehr Frauen an die Front, mehr Geld für Kitas, Brot statt Böller. Wenn das Ziel erreicht ist, ist das Ziel erreicht. Kunst will nix, oder nur Sachen die nicht erreichbar sind, wie z.B. die Verherrlichung Gottes (Bach, Matthäuspassion) oder besserer Schlaf für irgendeinen Fürsten (Bach, Goldberg-Variationen). Was Kunst will, das ist frei verhandelbar. Kunst reißt die Barriere ein zwischen Mensch und Mensch, zwischen Mensch und Welt, zwischen Mensch und Universum – und letzten Endes auch zwischen dem Menschen und sich selbst. Kunst kann mir helfen, aus mir selbst herauszusteigen und die Welt mit anderen Augen zu sehen und mit anderen Ohren zu hören. Das kann ausgesprochen politisch sein – aber wenn es sich im Politischsein erschöpft, dann ist das eine schlimme Vergewaltigung dessen, was Kunst eigentlich sein kann. Kunst ist nämlich letzten Endes abstrakt. Die zwei Klavierkonzerte von Brahms (oder die vier von Rachmaninov) sagen nichts, beweisen nichts, erklären nichts. Sie sind etwas. Sie haben genausoviel Sinn wie ein Berg oder ein Baum. Sie verbessern nicht die Welt, sie sind ein Stück verbesserte Welt (dieses Argument habe ich tatsächlich von Michael Ende). Und aufgepaßt, jetzt kommt‘s: Film ist im Kern auch abstrakt. Das, was wir im Kino eigentlich suchen, das ist nicht die Handlung oder die Schauspieler oder die Bilder oder die Töne. Nein, es ist das, was sich daraus ergibt, was größer ist als die Summe der Teile. Ein großer Film ist wie ein großer Berg. Er ist ein Stück Welt, und es ist ein Erlebnis, ihn zu besteigen und von neuer Perspektive auf die Welt zu schauen.

Übrigens habe ich das Gefühl, daß das früher besser ging. Deswegen renne ich auch dieses Jahr wieder fortdauernd in die Retrospektive, stelle mich zwergenhaft auf die Schultern von Riesen und genieße die Vergangenheit. Soll die Gegenwart doch erstmal beweisen, daß sie das auch kann, was damals ging. Und übrigens sind die alle zumindest implizit politisch, die Filme, die man da sieht. Weil sie nämlich gut sind und nicht blind für die Welt und Zeit, in der sie entstanden sind. Das reicht ja eigentlich schon.

Schluß jetzt, muß ins Kino. Vielleicht blogge ich weiter. Vielleicht auch nicht. Wer ansonsten was über die Berlinale wissen will, möge das Buch „Zehn Tage im Februar“ von Heike-Melba Fendel lesen, da steht alles drin. Ich bin mit der Autorin befreundet, aber das ist entstanden, weil ich ihre Texte und Gedanken mag, nicht umgekehrt, also kann ich das hier schrankenlos öffentlich feiern. In der FAZ stand über dieses Buch, die Autorin breite da ihren Männerhaß aus. Das ist so blödsinnig, daß ich gar nicht weiß, wo ich anfangen soll. Vielleicht muß man sich das FAZ-Feuilleton ja doch so vorstellen wie in meiner obigen Phantasie. Kritiker sind aber ohnehin ein seltsames Volk. Oft rennen sie alle in dieselbe Richtung wie eine Herde Schafe, immer dem Hype hinterher, und merken es nicht einmal. Manchmal sind sie komplett blind fürs Offensichtliche, so wie damals bei „Starship Troopers“. Dann haben sie ihre Vorlieben und Abneigungen, man ist halt entweder Feuilleton-Liebling oder nicht.

Also, das Buch ist gut und ich mag die Autorin. Wäre ersteres nicht der Fall, dann hätte ich jetzt ein arges Problem. Man kommt nämlich in unauflösbare Zwickmühlen, wenn Leute, deren Arbeit man feiert und die man innig liebt, einen in ihrer Arbeit enttäuschen. Das ist schlimm, ich bin da immer ganz hilflos und schweigsam wie ein Kind, dem man das Spielzeug weggenommen hat, aber letzten Endes ist es dann auch egal, man wechselt das Thema und geht feiern – oder führt lange, ehrliche Gespräche. Ersteres ist vielleicht eher die amerikanische Variante, ersteres die deutsche.

Verdammt, ich muß echt los. Ende der Durchsage.